艺术新生代（下）：用艺术的表达去重塑“材料”

艺术如何具有 功能性 ？

玻璃、纤维布料、铜色、铋金属......

本篇DECO邀请4位新生代艺术家，

探讨如何用艺术形式重新解读材料。

赵瑾雅的最新作品“不存在的存在_雙”是长达4年之久的同名主题创作的最后一个系列，从2017年的中国主题作品，到2018年将在英国的生活经历融入作品，从2019年在美国南伊利诺伊大学艺术家驻场时根据季节变化的创作，再到2020年因为疫情对生活的反思，直到2021年因缘际遇而创作的“雙”系列，赵瑾雅对不同文化和环境的看法愈发成熟而细腻地反映在作品中，通过吹制玻璃中的气候氛围来探索艺术品未完成的叙事性。

“九零后”新生代玻璃艺术家赵瑾雅是中国为数不多的国际玻璃艺术家，拥有很多“第一”的身份：中国美术学院玻璃艺术专业第一位中国政府公派留学全额奖学金获得者，玻璃艺术界最重要奖项“李宾斯基奖”第一位中国获奖者，美国南伊利诺伊州大学玻璃工作室艺术家驻场项目十年来邀请的最年轻艺术家，其作品被媒体评为最值得收藏的青年艺术家作品之一等。

求学期间，她对玻璃艺术产生了浓厚的兴趣。她欣喜地发现自己对材料质感的迷恋、对色彩情绪的研究、对社会人文的探索、对个体经历的思考，这些脑海里复杂而抽象的思绪都可以通过玻璃这个美妙的载体来表达。

通过多年的创作实践，赵瑾雅的作品逐渐有了颇具识别性的独特风格：线条简约的几何造型、精妙的结构关系、若隐若现的色彩渐变。其作品在视觉上的美感直击人心，倘若想解读出作品背后的意义却并非如此直接。 欣赏赵瑾 雅玻璃艺术作品的过程中，分明可以感受到不同元素之间微妙的联系和张力。 这种创作理念与她非典型的成长经验有关。

长在北方、学在南方，从小学习中国传统书画的赵瑾雅因为一次参观玻璃艺术展览的机缘，选择投身于玻璃艺术与设计创作的领域；而旅居欧美的生活经历又让她有着敏锐的国际视野和海纳百川的包容。

东情西韵、由古及今仿若是她应该与生俱来的符号，但她却在不同文化的交融中重新审视自我，她习惯于跳脱出当下，将自己放置在不同的侧面去观察、去记录。这些记忆的融合构成了她创作的核心要义“不存在的存在”。

DECO | 作为一个和材料打交道的艺术家,你的创作过程有何特别之处？

赵瑾雅：首先要对材料的特性特别熟悉，对工艺流程的掌握也是必备的技能。我的作品通常是将1000多摄氏度高温熔融状态下的玻璃借助吹管吹制成型，再做色彩与塑形处理。

由于作品造型的独特性和色彩渐变的丰富性，我需要观察在温差不同的玻璃窑中颜色如何渐变，如何控制透明玻璃的取量来把握颜色的出现方式等，而且作品的体量对制作工艺也是极限挑战，因而每件完美作品的背后都是漫长而艰苦的实验过程。

DECO | 如何理解你的创作系列“不存在的存在”？

赵瑾雅：其实这是我在不同文化和环境中看待自我的方式，既是当下的生活缩影，亦是彼时的情感写照。随时而变，随势而定，随心而就，随性而成，这种虚无的“不存在”。

正如我在作品中所体现的那种色彩的渐变、游离、过渡、发展，是一种在静物中实现的相对运动，对撞、融合、渗入，没有绝对的边界，有的只是在不同欣赏角度和不同光感明暗下，所领略到的不同“存在”。我的目的是探索在吹制玻璃中如何感知气候氛围，从而创作出挑战玻璃艺术边界的作品。

林芳璐的纤维艺术作品旨在关注手工艺文化遗产和女性话题，从一个当代艺术家的角度看待传统手工艺。本硕均毕业于中央美术学院产品设计专业，从产品设计转到当代艺术，林芳璐是为了更加明确、恰当地表达自己的观点。

《光与锤子》，2021年作品。

在去德国和日本交流学习后，林芳璐曾多次前往云南省大理市周城村，探索被保存下来的传统扎染工艺。她与当地白族少数民族的妇女一起生活了两年时间，不仅学会了扎花，还学会了染色。赢得2021年罗意威基金会工艺奖的抽象作品《她》，就是用部分扎染的白色棉布制作而成的大型墙体装置。 林芳璐将这个装置及其背后长达三个月的打结、缝合、折叠和打褶等密集型工作，献给自己见到的白族妇女——她们艰苦的家庭事务和稻田劳作，以及独特的艺术眼光和传承千年的技术知识 。

2021年作品《她是藤蔓》是其2016年作品《她》的延续，采用缝纫、打结工艺。

经过染色的亮布，直接被晾晒在烧完麦秸秆的土地上，草木灰可以帮助布进行更好地上色。

2021年，林芳璐创作了最新作品“锤子”系列，灵感来自于古老的侗族手工工艺织物——侗族亮布，这也是林芳璐近期创作的主要材料。其生产过程包括多次染色、反复锤打、自然晒干和表面涂蛋白等20余道工序。最后，这种材料会变得异常鲜艳、闪亮。时至今日，这种布料仍被侗族人用来制作意义重大的节日服装。

在与当地的手工艺人一起生活和工作时，她们勤奋工作的态度、无数次捶打面料的方式，以及每一次捶打后带给面料的新鲜感，都给林芳璐留下了深刻的印象。锤子，成了侗族妇女的生活工具，也成为她们爱的承载。

“所有这些作品都需要花费大量的时间和精力来完成，妇女在河岸上和树下重复着这些工作，仿佛她们用手中的锤子塑造了自己的生活。”林芳璐坦言纤维通常被认为是柔软的，是女性的象征，“但通过反复锤炼，也可以使其看起来像金属。”这是一个新的尝试，它代表了一个不能再被忽视的事实： 女性变得越来越强大，越来越具有力量。

DECO | 2021年的艺术作品“锤子”系列，可否分享一下创作的灵感？

林芳璐：这一系列作品的灵感来自于侗族亮布。其中最大的墙上雕塑装置《锤子》，源自侗族妇女在土地上晒布的过程——她们直接将亮布晒在烧完麦秸秆的土地上，草木灰可以帮助布进行更好地上色，现场冲击力很强，我觉得这是大地给予人们的力量。另外三件小雕塑《光与锤子》，弯弯曲曲的形态来自当地婆婆的驼背——因一辈子的重体力劳动而形成。雕塑表皮的褶皱则代表她们经历的岁月，也是从她们多年穿着的亮布服饰上得来的。

《锤子下的爱》是“锤子”系列中最大的墙上雕塑装置，灵感源自侗族女性在土地上发酵晾晒亮布的过程。

DECO | 在2018年以音乐命名的家居系列中，最重要的是哪一件？创作过程是怎样的？

林芳璐：最重要的一件，是名为《尽欢圆舞曲》的板蓝根扎染圆形摇椅。我经常会听音乐进行创作，由此产生的想法也会记录下来。久而久之，自己的创作也会随着音乐的节奏产生起伏波动。其实，听音乐就是我生活的一部分。刚好创作该系列时，我也觉得可以把与艺术和设计融合到一起。

从创建中国首个铜色基因库开始，罗黛诗将自然材质、传统工艺与对自我的认知和探索结合在一起，在一次次推翻和重建中摸索出自己的创作语言。

有别于作品呈现给人的浪漫感性印象，罗黛诗说自己从事的是一项理性工作，创作是将理性思考通过感性视觉转译出来的过程。

她创建的中国首个铜色基因库，则成为底层逻辑语言，基因库与创作之间的关系，恰如一棵树的根系向下日渐深广，支撑着营养物质向上传送，成为可见的花与果实。

从2015年接触铜材料，到2016年正式介入铜色研究，从个人兴趣开始，接触铜色研究这个国内尚属空白的领域，对铜材料研究的时间长了，罗黛诗愈发觉得铜是有生命的，它来源于自然界，是宇宙形成之初最早的一种矿物元素，在日常生活中无处不在。

但作为现代社会工业化的产物，它或是作为电子产品的一部分元件被包裹起来，或是外观冰冷坚硬，人们常常“看不见”它。也是开始从生命和宇宙学的维度去考察这个材质，她探索出不一样的介入研究方法。

《飞行家 /Messenger of Dreams》，100 x 100 x 46 cm，by Daishi Luo, 2021。

传统手工艺研究领域被称为铜着色的技术，在她的创作理念中被删去强调外在附着改造的“着”字，由此也去除了一种人为限定，展现出更广阔的内容。

随着创作的不断积累，罗黛诗也将创作的底层逻辑慢慢完善，铜色基因库不断更新，发展成一个有着400多种颜色，由基础色、经典色、自然色、植物色四大版块构成，从简到繁的庞大系统。

铜色基因库是中国首个金属色彩基因库。始于2016年罗黛诗开始的铜色研究，在持续的研究和实践中于2020年创立。

资料库里摆放的色彩是一套严谨的编码系统，不同编码对应着不同方法，400多种颜色即意味着400多种方法，如同一个个独立的原子，可以互相叠加或与其他方法多次混合。改变其中任意一个变量，将产生无限的颜色变化。

前些年罗黛诗埋头专注于铜色实验，将创作逻辑理顺后希望能同步推进研究和创作两部分的工作，2020年她成为Gallery All凹空间的签约艺术家，作品参展Design Miami Shanghai、西岸艺博会等海内外重要艺术设计类展会，获得了专业媒体、收藏市场的关注。

在创作中，她会选择不同的形式去解释、表达观点，并不局限于自己的专业，融合雕塑、绘画、材料科学等多种创作元素，尝试与观众和空间建立关系。

对中国逐步火爆起来的艺术设计品市场，罗黛诗抱持着谨慎乐观的态度，不忘记提醒自己，作品价值与市场接受程度不一定是对等的关系，一个好的创作者不用太受眼前市场环境的影响。 她与同为艺术家的丈夫谭志鹏平时住在位于上海奉贤的工坊，绝大部分的时间都投入创作，生活空间被压缩得很窄。 艺术家的创作生命不会永远处在高峰，要保持状态持续推出好的作品，这是她对自我的要求。

DECO | 你在铜色研究领域的具体方向？

罗黛诗：与仿古领域对铜色做旧处理等外在强加式干预行为相反，我的研究方向倾向于以反应为基点的内在生长。

以生物学的逻辑，用培养植物的方式来培育色彩，通过高温萃取出根茎或果实的植物原液，加入特定材料“反应液”，再通过个人审美来制造“控制中的失控”效果，让铜产生具有自然生命张力的色彩。

DECO | 你怎么来理解不破不立?

罗黛诗：不破不立是我创作中一直秉持的态度，每一个项目的创作过程总会伴随着不断的推倒重来，在“破”的过程中，茫然、困顿甚至于自我怀疑都是常态，作品的诞生就是不断的摧毁和重建，这些拧巴的过程也帮助了我快速成长。

艺术家李共标居于深山，早年曾自称“打铁匠人”。他的早期创作偏向注重实用的功能性器物，后期将创作拓展至更多类型的动植物标本及金属材料的实验之中。他逐渐内化自己的创作表达，坚持 “从材料的本原出发”这一理念，将视觉语言慢慢深化、抽象化。

在李共标的创作过程中，材料往往决定造型，而造型本身并没有叙事性的明确指向。李共标近期的作品采用铋金属作为原材料。铋金属的局限性在于十分坚硬却很“脆”，像大理石一般容易断裂。而铋金属十分稳定，对人体无毒无害，在自然界中以单质晶体的形态出现。

它的结晶与常见的“分形放射状晶体”不同，呈现出大小不一的长方形组合，呈交叠延展状。铋的颜色本是折射率高、极为反光的耀眼银白色，遇空气会迅速氧化，变得五颜六色，如彩虹一般。

2021年底于苏州沧浪亭举办的苏州园林艺术节当代设计展中，艺术家李共标作品《平凡》。

李共标深入研究并将铋金属的上述种种特性融合于自己的创作之中。与铁器不同，以铋金属为原料无法进行锻造捶打，而是仅能利用模具铸造。他在起稿和制作模型时并未将造型完全确认，仅为大概的草稿；而后，他将液体形态的铋金属浇铸于事先制好的泥模内。

泥 模铸造是中国传统工艺之一，最早可追溯到宋代。 浇铸时，滚烫的金属溶液遇到泥模，高温会使泥巴中的水沸腾，给雕塑的表面留下波浪般起伏不平的肌理； 水蒸汽从泥模的孔隙中溢出，则形成了“波浪”的“浪尖”。

李共标于杭州深山内的工作室中，不同时期的实验品与雕塑作品被悉数放置于空间内。

而泥模在这一过程中也会彻底毁坏，无法重复使用，因此李共标的雕塑皆为独一无二的孤品，不同于常见的使用蜡模、沙模工艺制成的有版数、可复制的雕塑作品。

李共标的雕塑制作中，这些随机性过程极大地丰富了其作品的造型，除了波浪状的肌理之外，也有“苔藓”般的粗糙质感、边界模糊而更为抽象的几何形态等，“和而不同”。

在最新的茶几和边几系列中，支柱呈现倒三角状支撑台面，整体结构在动感和稳定之间达到某种平衡，极富视觉张力，与李共标禅学般的创作语言互为映照。

DECO | 你之前的作品以铁艺雕塑为主，新的作品使用了铋金属作为原材料。选择新材料的背后有什么故事？

李共标：早年的展览上机缘巧合，使用金属修复一张桌子的裂缝，几次试验后发现铋金属熔点较低，271摄氏度即成液态，很适合。铋金属70%以上的分布和产量都在中国，然而市场上很少见以铋为材料的作品。

以前这种金属没有单独命名，和铅、镉、锡这类亲近金属是混淆的，一直到1757年才确定为新元素。而我家乡洛阳的深山中也有铋矿。

DECO | 你平时创作一件作品的时长和过程大概是怎样的？

李共标：创作一件作品实际动手的时间相比构思并不算长，大约几天可完成。前期取材和构思的过程比较耗时，是长期的积累与思考。而后产生大概的灵感和想法，也要经过反复实验。

我平时有收集标本和金属样本的习惯，会在这一过程中尽可能探索不同材料的特性和局限。想法成型后就起稿，做造型，搭建模型，最后才是制作作品。

你最喜欢哪位艺术家的作品呢？欢迎下方留言和我们分享你的想法，DECO将选出一位精彩留言送出一份时髦商店好礼哦!

策划｜ 本刊编辑部 编辑｜关迪、李颖婷、Kevin Ma

文｜ Eva Qian Li、Swann、顾青、黄韵奇

图片来源｜Ting-Ying Gallery、林芳璐、罗黛诗、Gallery All凹空间、李共标

新媒体编辑｜冷面 设计｜Day. 助理｜Nancy

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