当艺术瑰宝与舞蹈相遇

来源：滚动播报

（来源：上观新闻）

正在全国多地巡演的舞剧《永乐未央》，以山西芮城永乐宫为母题，将静态的文物和壁画用动态的舞台艺术语言进行转译和当代性重塑，引发了不小的关注。今天，在数字化、信息化、智能化的浪潮中，在更为繁复、沉浸式的舞美视觉加持下，人们对舞蹈的艺术性、叙事性和服化道等有了更高的要求。在这一趋势下，本身积淀雄厚、历史悠久的艺术瑰宝为舞蹈提供了丰富的素材。文物背后有悠久的历史与曾经鲜活生命的痕迹，文物传承背后也有创作、守护、迁徙等动人的故事，承载工匠精神、家国情怀、文明守望，这些无疑都为舞剧提供了强情感与价值观支撑。

如舞剧《永乐未央》之所以动人，其背后的故事来自山西芮城永乐宫自1247年兴建到1966年迁建完工这一超长时空跨度的真实故事。编剧根据复杂历史背景、人文精神的表达以及“人像展览式”刻画，打破单一“主要人物”和“中心事件”的线性叙事，分“单元”搭建作品的基本框架，即以“古建·筑广厦、壁画·绘至境、琉璃·炼釉心、传承·承光阴”四个单元，提炼表现永乐宫乃至山西文物的四重美学维度。《永乐未央》的精彩在于，成功地用舞蹈肢体语言表现了古建筑、壁画、琉璃瓦、藻井这些古建筑元素；同时在视觉效果与舞美的联动上又行云流水、相辅相成，并未出现近年来新编舞台剧为人诟病较多的“舞台设计喧宾夺主”的问题。

整部舞剧的题眼是中国画的“以线为骨”与中国古建筑独创的“榫卯结构”。

永乐宫内描绘286位道教神仙拜见元始天尊的《朝元图》，堪称中国古代壁画的巅峰之作，全长946米、高42米，总面积达40334平方米，是中国神仙数量最多、单幅面积最大、保存最完整的壁画。在艺术风格上，《朝元图》的人物画技法继承了唐代及北齐以来的最高技法表现——“吴带当风、曹衣出水”，又融会宋元绘画尤其是宫廷画派的特点，精雕细琢、色彩明丽、线条流畅精湛，整体一气呵成。舞剧《永乐未央》的肢体语言用刚与柔的对比与碰撞作为观照，舞台艺术的魅力由此迸发。中心舞者以“角色扮演”的方式呼应壁画中的人物；群舞则以“留白”的方式呼应中式美学的“简约留白”意境；因而在舞美视觉上并未落于追求繁复炫技舞美的窠臼。值得一提的是服装，很好地烘托了肢体语言而凸显“行云流水”的意象。

但精细繁复的榫卯构造，又如何用飘逸流畅的肢体语言表现？出色的编舞和想象力解决了这一问题。以表现永乐宫最著名的三清殿藻井为例，舞段以群舞和“人墙”的形式层叠复现；而三清殿藻井本身的美学特点就是“寓动于静”——藻井中的环绕盘龙姿态各异，并与飘逸的流云缠绕共生，形成“动势”；藻井本身的结构则承继中国古代“天圆地方”理念，强调对称与稳定，于是一方藻井内，“生动”中显“静穆”，动静相宜。此外，藻井的外层纹饰以忍冬与卷草纹装饰，藤蔓自然缠绕，与龙、云融为一体，宛如自然生态的微缩景观；此段舞蹈的舞者服装也因此借鉴了藻井的纹饰。‌‌‌‌

“蓝釉角神”舞段更堪称全剧点睛之笔。该段剧情以琉璃匠师与七百岁“蓝釉角神”的相伴为主线，复原了失传的孔雀蓝釉技艺。这一舞段在技术上运用了特殊的光影效果，让失传的孔雀蓝釉彩在舞台上重现光芒。舞剧虽无声，但舞者在此也是演员，可以用“默剧”的方式完成。因此可以说，这部舞蹈中不仅有美术，还有戏剧，可谓多层跨界融合的整体艺术。同时，光影和灯光色调的变换也提示了剧情上时空和章节的转换。

近年来，以艺术瑰宝为蓝本的中国舞剧或舞蹈作品频频出圈，从《只此青绿》到《唐宫夜宴》《洛神水赋》，再到《俑立千年》《永和九年》等。如《只此青绿》在当年属于现象级“爆款”，后续经过全国巡演与复演等，将“流量”变成“留量”——成为经典的当代中华舞剧IP。由此，有专家提出“文物活化剧场”——此一概念是基于这几年“文博戏剧”理念的进一步深化。舞蹈与美术的结合也历来是艺术创新的媒介之一。在剧场历史更为悠久的西方，观其舞蹈的沿革史，会发现他们更注重风格流派的表达。比如皮娜·鲍什的舞蹈，其革命性就在于她将西方绘画的表现主义和超现实主义引入舞蹈动作的编排中，进行了一场视觉革命，可见诸于其代表作《穆勒咖啡馆》的表现主义、《春之祭》的单色画……而我国早在1979年，也有将敦煌壁画搬上舞台的民族舞剧《丝路花雨》。该剧1979年5月首演于甘肃兰州，同年10月1日在北京人民大会堂演出，随即引起轰动，被称为“活的敦煌壁画，美的艺术享受”。47年来，《丝路花雨》已先后在四十多个国家和地区演出近四千场；这部诞生于中国西北的民族舞剧还开启了一个全新的舞种：敦煌舞。

可见，美术创作能不断启发其它门类的艺术工作者。中华上下五千年的历史长河中有足够丰富的“原创素材”供我们今天的文艺工作者汲取养分。只是比起有小说和人物典故流传的故事来说，舞剧对文物的复现难度无疑非常高，一不小心会流于徒有舞美架子而无思想内容的“花瓶”舞剧。因此，在未来，我们应该重视编剧及编舞人才的培养。比起复排经典剧，以单一物质形态的国宝为蓝本的舞台艺术作品或许更能体现原创力，也更能激发艺术工作者的积极性。

在当代中国正在进行的这条传统文化复兴之路中，系统梳理传统文化资源，让收藏在深宫里的文物、陈列在广阔大地上的遗产、书写在古籍里的文字都活起来，意义不凡。如何将典籍、文物、非遗、书画作品等美学符号和沉睡的历史故事转化为具有当代情感共鸣和剧场张力的作品，使这些符号演变为可感可触的生命叙事，正是原创力的体现，也是当今舞台艺术可持续发展的源头活水。希望未来能有更多的精彩原创舞剧乃至舞台艺术作品出现，积极推动艺术从形式的创新走向文明内核的当代对话，最终使剧场成为连接过去与未来、地方与世界的创造性场域。

同时，舞剧IP的成功打造并进行全国巡演，也是激活文旅资源的一种途径。可参看这两年“爆款”大展的衍生文创，作为优质文化产品的一种，其对展览带来肉眼可见的经济效益的推动与加持有目共睹。舞剧的“文创”也不容小觑，据笔者在上海西岸大剧院《永乐未央》的剧场现场观察，无论演出前还是中场休息期间，入口处的文创展台都挤满了人，年轻人也纷纷在发小红书以领取限量签名海报。而有更多的观众看了演出之后会再去文物所藏的文博机构实地打卡，也更愿意去了解文物本身及文物的故事，实现了某种意义上的“双向奔赴”。

原标题：《当艺术瑰宝与舞蹈相遇》

栏目主编：邵岭 文字编辑：范昕

来源：作者：林霖（ 单位：上海艺术研究中心）