行业前沿|电视内容行业如何拥抱创作者经济？

随着越来越多的年轻观众涌向MrBeast、The Sidemen和DanTDM等创作者，传统电视制作公司和后期制作机构不得不重新审视自己应如何融入这一生态。英国行业媒体Broadcast今日刊发深度报道，迈克尔·伯恩斯（Michael Burns）探讨了这两个领域在哪些方面最适合展开合作。今日影视产业观察特别编译这篇报道，供中国的业界同仁们参考。

媒体格局已经发生了巨大变化。个人创作者仅凭一部智能手机以及与受众之间的直接连接，就在冲击一个仍然建立在传统节目形态之上的市场。但当由创作者主导的IP成长到足以吸引数字优先型播出平台和品牌加入其中的规模时，会发生什么？而成熟的电视制作流程究竟能够带来什么价值？

助力数字优先型工作室走向主流

在传统电视制作行业工作多年后，露西·史密斯（Lucy Smith）创办了Fawkes Digital。她已经从“追逐日益收缩的委制机会”转向为创作者、品牌以及诸如Channel 4.0、Good Food、Garnier和BBC iPlayer这样的数字播出平台之间寻找合作融资机会。其目标是让IP更快地呈现在观众面前。最近的一个例子是由蒂努克·奥耶迪兰（Tinuke Oyediran）主持的《CEO户外挑战》。第一集仅花费250英镑，用两部iPhone拍摄完成，并发布在LinkedIn上，目前该节目已经完成了六集制作。

“播出平台是观众的策展人，而工作室是IP的创造者。”露西·史密斯说，“创作者节目在YouTube上的观众规模，往往比它们转向传统播出平台之后更大，Netflix和Amazon这样的播出平台正在意识到，像MrBeast和The Sidemen这样拥有庞大影响力的超级创作者，实际上可以把他们数以百万计的订阅用户带到这些平台上来。”

“数字优先型节目通常以最小可行产品的形式起步，用来测试观众反应，然后再扩大规模，但始终会保持一种精简的数字化制作模式，以最大限度地把资金投入到屏幕内容本身。”她补充道，“这种测试并不断迭代的方法意味着，数字优先型工作室掌握着一种强大的资产——那些已经拥有观众基础、风险已经被提前验证过的娱乐节目模式。

“如果Netflix决定为某个项目投入资金，那么你当然会聘请最优秀的制作团队，搭建更令人惊叹的场景——更关键的是，邀请最顶级的创作者人才参与其中。”

MonRae Productions联合创始人布罗纳·莫纳汉（Bronagh Monahan）多年来一直为创作者提供顾问服务，帮助他们判断什么内容最能在网络上引发共鸣。她表示，如今播出机构实际上已经主动拥抱数字人才。“挑战在于，如何把原生适用于YouTube或TikTok的内容形式转化为一种既保持真实感、又能够扩展到电视平台的节目形式。”她说，“我们不会像传统制作公司那样去处理这件事。从经济结构上看，我们更精简；从创意角度来看，我们离观众更近。”

像这样的工作室扮演着桥梁的角色，“帮助播出平台触及那些他们难以有效触达的受众，同时确保创作者保留让他们最初取得成功的那些特质”，莫纳汉说。2021年，MonRae Productions为Sky Kids开发了《让我们一起游戏》（共120集，每集10分钟），由游戏类创作者DanTDM和伊桑·盖默（Ethan Gamer）出演。该节目至今仍然是频道收视表现最好的节目之一，其衍生版本也依旧持续推出。

传统制作并没有停滞不前。今年2月，ITV Studios推出了Studio 55，由品牌与商业合作执行副总裁威尔·斯考加尔（Will Scougal）负责领导。这一举措紧随去年Zoo 55的推出之后。作为一个数字业务品牌，Zoo 55将品牌合作延伸至社交媒体、游戏和流媒体平台。在斯考加尔（Scougal）看来，Studio 55几乎就像一个内容委制方。“Studio 55将创作者与ITV Studios的内容开发理念以及品牌合作伙伴连接起来，”他说，“通过这种方式，我们帮助创作者建立围绕IP展开的长期战略合作关系，而这种合作关系也可以进一步延伸至授权开发合作。”

发行能力是一项核心优势。Studio 55与Zoo 55合作建立协同模式，让“内容在观众所在的地方与他们相遇”，并帮助内容快速实现商业规模化。斯考加尔补充道：“对于合作伙伴来说，我们最大的优势之一在于我们运用数据与洞察的方式。创作者的创意雄心，能够以只有与大型工作室合作才能实现的方式被真正落地并获得传播。”

“数字优先型”内容VS传统电视内容

“数字优先型”内容在结构和制作速度上可能与传统电视节目大不相同，“但从前期筹备到后期制作，我们都力求保持灵活敏捷。需要扩张时，我们也可以迅速扩大规模。”斯考加尔说。

露西·史密斯也描述了类似的灵活性：“如果是我们自己出资测试一个节目模式，我们会直接用iPhone拍摄，然后在内部完成剪辑。”当项目规模更大时，他们会引入外部远程后期制作支持。“这通常表现为邀请资深自由剪辑师远程参与，并通过Frame.io让高管、委制方以及品牌方在线批注反馈，”史密斯（Smith）说，“到目前为止，我们还没有启用大型后期制作公司，但随着项目预算规模扩大，这种情况很可能会改变。”

史密斯表示，为节目打造品牌——包括Logo、缩略图、节目包装图形以及衍生商品开发——其重要性有时与节目本身同样关键。“我们总会在前期筹备阶段尽早邀请世界级的图形设计专家参与，为每一个娱乐节目模式打造专属品牌形象，并将这一品牌视觉深度融入拍摄过程之中。”她还补充说：“当你为播出平台制作节目时，交付标准肯定会发生变化。即便是一档以YouTube为优先平台的节目，只要是为播出机构交付，也必须通过英国通信管理局的质量审查。”

在制作《让我们一起游戏》时，MonRae做出的一个关键决定，就是克制住把节目做得过于复杂的冲动。“这档节目是远程制作完成的，直接使用创作者原本就拥有的设备，在他们的受众早已熟悉的环境中进行录制，”布罗纳·莫纳汉说，“这让创作者能够以一种对他们来说最自然的方式工作。

“我们并不是试图按照传统电视的方式去升级它的视觉质感。从某种意义上说，这种制作模式本身就反映了观众的观看习惯：他们本来就在看这样的内容、本来就在这些平台上消费这样的形式。我们的工作，是去到他们所在的地方，而不是把他们拉到一个陌生的环境里。”

史密斯指出，当创作者内容进入更完整的电视制作体系时，随之而来的制作责任也会显著增加，这些对电视公司而言早已是“本能操作”。

“完善的照护责任体系、拍摄场地授权文件、健康与安全审核，以及英国通信管理局的相关规范——这些要求，对于许多小型数字创作团队来说，可能从未真正系统接触过。”她说。

斯考加尔对此表示认同，并指出Studio 55始终延续ITV Studios的核心制作标准，包括对创作者的责任保障、多元与包容原则，以及对创作者和品牌合作方的整体保护机制。“我们看到市场上正在形成一种真实的趋势：各方都希望建立更大规模、更长期的合作关系，而这种合作不仅依赖创意与制作支持，也同样依赖我们所能提供的基础设施与运营能力。”他说。

为创作者提供“中间方案”

在创作者生态中扮演“修正者”的角色，并假设创作者需要电视公司来进行专业化改造，这种思路并不一定有效，一些制作与后期机构正在调整自己的路径。例如，后期制作公司Vaudeville Sound正在主动将传统电视制作的基础设施引入创作者领域。该公司与The Finish Line合作，在伦敦Shoreditch建立了一座播客与视频制作工作室，达到广播级标准。

该工作室配备三台Sony FR7机器人摄像机、Nanlite专业灯光系统，以及Shure SM7B广播级麦克风。据创始人兼首席执行官丹尼尔·琼斯（Daniel Jones）介绍，Vaudeville的模式并不是简单提供空间租用，而是提供完整制作服务。“一些播客工作室会说：‘这是一个房间，你自己去录吧。’”他说，“但很多环节都是额外收费。如果你真正需要三机位拍摄加工程师支持，我们的整体打包价格其实和那些逐项叠加的费用差不多，甚至更低。因为我们提供的是完整的制作体系。”他补充说，这种模式的核心是“全流程支持”，而不是单一设备或空间。

在Vaudeville体系中，机器人摄像机的意义并不是增加灵活性，而是提升速度与可重复性。琼斯聘请摄影指导建立了一整套灯光与机位预设库，使得创作者进入影棚后可以在几分钟内开始拍摄。“播客创作者不会接受花三个小时等待灯光调整，”他说，“他们希望走进来就能开始录制，但同时仍然拥有电视级别的制作质量。”

整个流程都运行在Blackmagic Design生态系统中：从ATEM切换采集，到在DaVinci Resolve中完成剪辑、调色与音频处理。其逻辑非常直接：将所有制作环节整合在一个系统内，从而实现创作者所需要的快速周转效率。同时，AI系统可以根据字幕自动生成社交媒体短视频剪辑、精选片段以及镜头调整版本。直播功能也可以作为可选服务提供，而更高端项目则可加入完整调色、混音与图形包装流程。

琼斯强调，Vaudeville与普通播客工作室的最大区别并不在设备，而在于其面向广播级平台的交付能力。“我们向Apple、Disney、Amazon、Netflix、BBC以及Channel 4交付内容，而这些平台对内容的处理标准与电视节目是同等级别的。”这种广播级安全与交付能力，正是大多数播客工作室所缺乏的。随着创作者内容与高端平台内容的界限不断模糊，这种能力的重要性正在上升。

与此同时，在伦敦Soho，Dean Street Podcast Studio推出了VeePod系统，将虚拟制作理念引入播客领域。其创始人罗布·钱德勒（Rob Chandler）将其定位为一种适用于预算敏感型创作者的中间解决方案。VeePod通过虚拟制作技术，实现完全可定制的数字场景，无需搭建实体布景，从而同时降低成本并扩展创意可能性。

“价格大约是每小时200英镑的影棚费用，以及约200英镑的剪辑费用。”钱德勒说，“对于创作者来说，这听起来不便宜，但如果有品牌赞助，这就变得可行了。相比传统制作方式，这仍然是较低成本的选择。”他指出，这一模式正在逐渐被更高层级的创作者接受，尤其是来自TikTok等平台的创作者，他们需要更高效率的内容生产方式。

“他们越来越缺乏时间，”他说，“因此他们不再依赖在家用手机拍摄，而是进入工作室进行批量内容录制，从而提升产出效率。”在这种模式下，创作者依然保持熟悉的工作流：有创意 → 预约拍摄 → 进入现场 → 完成录制 → 获取素材 → 立即发布。

钱德勒还指出，这种模式也极大提升了品牌合作的灵活性。“我们可以做任何事情，”他说，“从在背景中加入产品植入，到在窗外模拟一辆双层巴士驶过并带有广告标识。”他认为，这种模式为创作者提供了一种“中间地带”：既保持DIY创作的速度与自由，又具备接近传统制作的结构化能力。

他总结道，传统电视制作的复杂流程有时会显得过重，而纯粹的创作者模式又缺乏稳定性。因此，未来更可能出现的是一种混合形态：

既有创作者的自主性，也有工业化制作的效率与规范性。

原文来源：

https://www.broadcastnow.co.uk/tech/how-tv-can-work-in-harmony-with-creators/5216413.article

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编译 | 尼德

主编 | 彭侃

执行主编 | 刘翠翠

排版 | 范雨函