香港导演拍主旋律电影,这部才是yyds!

刘伟强导演的《中国医生》上映，让我们意识到，香港导演在拍摄主旋律这件事上越来越炉火纯青了。主旋律电影在这些年发生了不少变化，从最初被排除在市场之外，到如今大量的叫好又叫座，香港导演功不可没。本篇文章，便是梳理这一变化产生的过程。

文_末号机

1979年7月的某一天，正在黄山取景的某香港武侠电影剧组偶遇邓小平爬山，现场顿时热血沸腾，导演安排了一段打戏给小平欣赏，男女主角一时兴起，还与邓小平合了影，那是邓小平唯一一次与香港电影演员合影。
这部片就是《白发魔女传》，导演是后来拍出万人空巷之作《少林寺》的张鑫炎，男女主角是方平和鲍起静，三位都是香港著名左翼电影人或其后代。
上世纪中叶，长城、凤凰、新联等内地左翼影人南下成立的电影公司，为香港电影打下了坚实的基础，这三家公司在1982年合并为银都机构有限公司，一直活跃至今。
其实香港电影一直没有离开过主旋律，哪怕是在后来的《老港正传》《岁月神偷》甚至是周星驰的《喜剧之王》里，我们都能看到左翼思想对香港电影的影响。只是在市场中心发生转移之后，香港导演的主旋律创作也发生了地理上的位移。
但邓小平很早就说过，在电影里，一切反映真、善、美主题的，都属于主旋律影片。
恰逢其时，继往开来，在特殊的历史时刻，我们回顾一下21世纪香港导演的主旋律征程。

从《十月围城》到《智取威虎山》
血热起来，别无二致

人是被推进催化直至自我觉醒的动物，人如果没有教化，没有一步步的认知和积累，自始至终都是野蛮人。
主旋律在教化中的意义很大，它是定调的作用，用于总结，用于给予规划者的力量。如果那是一首歌，它的调子永远是激昂的。
很多香港导演从未意识到他做的就是主旋律，但是他却做到了，这就是热血燃的帮助。
香港与内地的合拍片时代，在一部主旋律电影，达到了顶峰，这就是《十月围城》。
《十月围城》写的是1906年的香港中环，一群江湖人士舍命保卫孙中山。它最早的名字叫《十月维城》，“维”就是“维多利亚港城”，但这太文艺了不是，后来改名“围”，就立刻有了动作大片的味道。

导演陈德森用10年的时间游说资方，想做这个项目，但大家只要一听巨额投资，就立刻选择了放弃，本来2003年拿到了钱，却因为非典导致香港城施工停滞，电影计划作废。直到另外一位陈姓导演陈可辛在拍完《投名状》后仍对大片念念不忘，终于对陈德森说，《十月围城》可以继续搞。
从此在上海胜强影视基地多了一座占地100亩，耗资4300万搭建的香港城，不仅仅是《十月围城》，此后涉及到这个年代的电影都会在此选景。遗憾的是，电影拍摄到最后，陈德森精力完全透支，生了一场大病，最终电影由陈可辛和刘伟强一起补足完成。
电影阵容在今天来看简直咋舌，几乎聚齐了当时所有一线梯队，能打的如甄子丹，新晋小生谢霆锋，影帝梯队里有梁家辉、王学圻、曾志伟，老牌偶像黎明，新生万人迷李宇春，就连客串也都是李嘉欣这种级别。这种操作方式，和同年上映的《建国大业》不谋而合。
虽然在当时的电影市场上，《十月围城》并未获得空前成功，但在每每聊及主旋律电影，必有这一部，它让大银幕上许久未燃的革命谱曲再次奏响，干革命，是要玩命的。
与《十月围城》的严肃、悲悯、壮阔正相反，徐克在五年后进入到另一个老牌红色主旋律IP中。

1974年，徐克在纽约的中国影展上看到传说中的样板戏《智取威虎山》，完全颠覆了他的认识。虽然是在讲红色革命，但故事无比轻松，戏剧化很强，不沉重不悲剧，基本就是当娱乐片看的，同时也被杨子荣这个角色的个人魅力折服。
等回港后，徐克找来了原著《林海雪原》，这才知道故事都不是瞎编的，确有其人，确有其事。但迫于当时的技术条件和拍摄能力，徐克一开始并没有对这部电影下手，加上1983年成龙已经用《智取威虎山》的蓝本拍摄了《A计划》，徐克更是把这件事放了下来。
时间辗转自1992年，第一届海峡两岸暨香港电影导演研讨会在香港举办，当时内地导演代表团副团长谢晋碰见徐克，问道，你将来还会来内地拍戏吗？徐克说会。那你有什么想拍的吗？徐克也不知道怎么的，几乎没有时间过脑，直接回答：《智取威虎山》。谢晋就笑了。

后来徐克时不时会回想起，当时谢晋那一笑是什么意思。或许是笑这个想法的大胆，或许是笑“你是这样的人”，也可能是笑，这只是痴人梦语。但是直到2000年，徐克在酒桌上又和其他导演朋友聊到《智取威虎山》，基本上满桌的朋友都否定了他，这电影，你怎么可能拍？你能怎么拍？
这就要徐克不断反问自己，《智取威虎山》的面貌到底是什么？它和当下的联系是什么？它的“主旋律”在哪里？
他发现，我们当代的人，内心都很脆弱，但在那个年代，人的内心无比强大，这到底是为什么？为什么物质世界变好了，我们反而承接不住现实？
其实这也是《十月围城》的道理，只是两个片子，用两种方式讲述这份道理，绕开政治模板，香港导演的内地主旋律电影开始踏上征程。

林超贤、刘伟强“继往开来”
技术引入，登峰造极

林超贤的现代枪械电影，在《逆战》后达到顶峰，但《逆战》的口碑票房并不优异，于是他连续拍摄了《激战》、《魔警》和《破风》。就在大家都以为林超贤“转行”，不再操作他最擅长的枪械战斗时，他搭上了主旋律的高速列车，用一部《湄公河行动》打响了枪械之王的名号，同时也给内地主旋律电影打开全新的视野。
那就是，主旋律的片子，要够精彩、够大、够爽。《逆战》里没有发挥出来的东西，比方说远离都市的战正丛林追击、军队的巷战、CQC军用格斗术、卧底战略，全部在《湄公河行动》里得到补偿。而《湄公河行动》里没发挥出来的，比如说更庞大的军事战争技巧，更多现代枪械的使用的团队攻坚、解救人质和狙击手对决等打法，甚至是坦克大战，又全部在《红海行动》里得到补偿。
林超贤真正利用内地主旋律的杠杆，做到他在该领域的王者。在春节档上，《红海行动》一路逆袭36.5亿夺冠，这样一部猛烈的军事电影，甚至在香港因为场面过于血腥暴力而被定为成人限制级的电影，竟然可以在这样主推阖家欢乐的档期上拔得头筹，可以说给了整个保守的工业创作一记重击。
就连他的师父陈嘉上都公开坦言，我现在真的拍不过这个徒弟。在金像奖上，林超贤第一次以动作指导的身份夺得最佳动作设计奖，实至名归，这是任何意识属性都不可抵挡的工业荣誉。

和林超贤极为相似的是，是另一位老江湖导演刘伟强。
刘伟强摄影师出身，成名于《古惑仔》《风云雄霸天下》这类开拓性娱乐电影，在脱离了麦庄一段时间后，整个创作路线一路下滑，一度再次做回王晶的摄影师。
就在这个时候，内地主旋律电影“引进”了刘伟强，第一个重磅任务，就是拍《建军大业》。刘伟强自己都说对于那段历史不熟悉，要多研究研究，但是这个研究，不单单是多读书，而是要找到如何在有限的创作时间里，把“建字三部曲”里黄建新和韩三平都不擅长的战争戏，给迅速拿下。比如南昌起义这种攻城战，爆炸大场面和年青一代红色战将如何最有效地统筹在镜头之中，这一点，刘伟强是内行。所以我们看到了一部场面恢宏，而革命英雄又如此少年气的主旋律大片。

虽然《建军大业》没有拿到市场的红利，但刘伟强紧接着拍摄了影响巨大的《中国机长》，从历史跳跃回民生，从决定拍摄到正式上映只用了一年时间。从对2018年3U8633航班遇险事件的信息捕捉，到沟通组建一个实拍拍摄方案，最终包括后期特效与剪辑调色的匹配，这只有身经百战的香港工业的快手导演才能够做到，这是当年可以十几天拍摄完并上映一部电影的刘伟强的强项。
在此之后，我们看到了李仁港的《攀登者》，陈国辉的《烈火英雄》，可以说，《红海行动》和《中国机长》彻底奠定了一件事，有工业属性的香港导演，可以在内地主旋律规格电影里驰骋了。

打破藩篱的陈可辛
国民脉搏，现实主义

那么，没有拍大片经验的香港导演，也就没法操作一部内地主旋律了吗？
情况并不全是如此，最典型的要说陈可辛的《夺冠》，它从最早的《中国女排》改名至此，说明了两件事，一是攻克国家重点题材的难度，以及这种难度的反复性和多变性，二是我们对于当代的作者表达，永远要跳开自己的生命体验，去触碰更多非常规的，但是又和每个人关系密切的选题。这是一个职业导演的能力测试，也是对你是否具备真正的人文精神的一次艰辛考验。
《夺冠》的主题看起来很大，和我们整个国家改革开放以来的发展息息相关，但是它又和我们个体关系很大，如何从大国中传递个体价值，这在主旋律电影里简直是最大的难题，它绝对不比拍摄一场壮观的爆炸场面轻松。因为，爆炸场面是没有立场的，但女排精神有。

整个《夺冠》就选取了三场比赛，意义非凡，胜——负——胜，前两场涉及的是国家精神，而最后涉及的是个人的自由意志，是最当代的，现代的国人。从历史洪流里打捞个体，是《夺冠》最牛的地方，它甚至用台词说到了我们的体育命脉——为什么那么在乎输赢？因为我们内心还不够强大。
这是陈可辛在《夺冠》里的保底台词，什么都没有都可以，但是这句台词必须在。最强的主旋律是什么？是在主旋律里冲破牢笼，做终极反省。
陈可辛其实给所有想触及主旋律题材的香港导演打开了一个新的角度，时代总是在向前滚动的，秩序总是要在问题出现后修正的。我们看待一件事情，不可能不动用今天的大众认知，如果主旋律永远故步自封，它也没有办法达到和大众相融的目的。
所以，内地主旋律还需要更多的香港导演来加一把力，如果你对导演的职业性有企图，对自己的创作有意图，对电影工业有宏图，那这个地方，太适合闯入。

香港导演主旋律相对论
票房失败的港式主旋律

并不是对主旋律有野心的香港导演都能适应内地主旋律，我们也要讲几个失败案例，来汇总这里的经验。

杜琪峰《毒战》

在2012年拿到1.5亿票房也算失败吗？杜琪峰在合拍片时代的巅峰之作，甚至能从作者性上碾压一切香港导演的合拍片，这也算失败？电影里的情节今天看来令人警醒，包括大银幕首次出现的现代死刑场面也被曹保平后来借鉴。但为什么杜琪峰在此片之后没有了更好的电影？其实在于，主旋律中的“人脉创作”或“社交创作”也是内容创作的一部分。你会问，身为导演，为什么还要想这些？但作为工业属性的一种代价，你必须考量一种平衡，话不言多，虽败犹荣吧。

许鞍华《明月几时有》

许鞍华是完全按照作者路线做的这个项目，她想拍的是那个年代的女性生活。但因为戏剧化不够充分，情绪的累积不够吸引观众，这部电影在当时雷声大雨点小。就和《黄金时代》一样，其实她可以震耳欲聋，但导演个人内在的史诗，还是没有真心选择这出背景，或者制作环境。或许，这些东西早就在《桃姐》的时候用尽了。

彭顺
《我的战争》《打过长江去》

同样是倾向于利用工业经验来加成主旋律，彭顺的主旋律征程是部部失败的。这在于彭顺仅仅把自己当做了一位行活导演，给到一定的完成度，却总觉得这个创作和自己本身的表达欲没有关系，找不到那个真实的连接点。那电影最终出来的效果也会瞬间暴露，观众一定会在主旋律里最先看到你的短板，并且将之放大，然后主旋律的任务完成不了，导演的声誉也直线下滑。虽然我们看到林超贤也在后来的《紧急救援》里失去控制，但是对于工业属性，对于那些大场面设计，林导还是足够上心的。也许，这根本就是才华的问题。

陈嘉上

《荡寇风云》

其实《荡寇风云》从作者角度是陈嘉上这几年罕见而珍贵的，因为他做的并不是讴歌神坛上的历史人物，他反倒想把历史人物“拉下马”，直白地说，就是拉下神坛。这挺需要勇气，以及和资方达成共识的。它其实和《夺冠》有一点像，但它做得更坚决，那就是反类型，主人公从头到尾，几乎没有什么个人弧光，即便到了结局的对峙，也没有因为对方是个日本武将而占民族主义的便宜，主角全程吃亏。那付出的代价就是，坐拥赵文卓、洪金宝、万茜和仓田保昭这样的阵容，观众却无法与其“苟同”。加上整体制作的寒酸，《荡寇风云》基本上无人知晓。