于海波：用瓷器传承文明，色彩诉说文化故事

在当代艺术与文物研究的交叉领域，于海波始终扮演着 “双向行者” 的角色 —— 他左手执画笔，以油彩与大漆重构传统美学；右手抚瓷片，从千年古瓷中打捞文明记忆。三十余载光阴里，这位从黑龙江乡村走出的艺术家，将对土地的深情、对历史的敬畏熔铸于创作与研究，在破坏与重构、传统与现代的碰撞中，为中华优秀传统文化的当代传承开辟了独特路径。寒夜灯痕：黑土地上的艺术萌芽1973 年隆冬，讷河乡村的凛冽寒风中，一盏煤油灯的昏黄光晕，成了于海波艺术人生的起点。彼时，黑土地的厚重与乡村生活的鲜活，是他最直观的创作源泉：屋檐下啄食的麻雀、田埂间轰鸣的拖拉机，都被他用捡来的粉笔头定格在土墙之上；作业本背面、商品包装纸，成了承载梦想的 “画布”。1989 年的一次县城书店之旅，彻底改写了他的艺术轨迹。一本世界名画画册中，伦勃朗《夜巡》里明暗交错的光影，如惊雷般击中了少年的心 —— 他第一次意识到，油画竟能如此细腻地捕捉生命的张力。为凑齐绘画材料的费用，他利用课余时间穿梭于县城街巷，画广告牌、写宣传语，将微薄酬劳一点点换成颜料与画布，这份对艺术的赤诚，为他日后的求学之路埋下伏笔。1992 年，于海波以全镇首位艺术院校大学生的身份，考入哈尔滨师范大学美术学院油画专业。四年间，他如饥似渴地吸收西方绘画体系的养分：从文艺复兴时期的透视法则，到印象派的色彩表达，再到各艺术流派的演变脉络，他不仅在技法上深耕，更在思考中沉淀。深夜的画室里，常有他伏案创作的身影，直到保安关灯催促才离去；回到寝室，他仍抱着速写本琢磨构图，常因沉浸创作而忘却昼夜。这份执着终有回响：1995 年，油画《合声》入选黑龙江省美术作品展并斩获银奖。作品中，饱满的谷穗与农民黝黑的面庞相映，西方写实技法与东北民俗元素浑然一体，尽显黑土地的生命力量；同年，《心声》入选全国第八届美术作品展览，让他首次站上全国性艺术舞台。“那次参展让我明白，艺术不是技巧的堆砌，而是对生活最本真的回应。” 于海波的这番感悟，成为他此后创作的核心准则。京城破壁：当代艺术语境下的美学重构2000 年秋，于海波背着行囊北上京城，进入首都师范大学美术学院研究生班深造。初到 798 艺术区时，工厂废墟的斑驳标语与先锋艺术装置的强烈反差，彻底颠覆了他对艺术的固有认知 ——“像突然推开了一扇新窗，原来艺术可以突破画布的边界，与时代、与记忆对话。”此后的北京岁月，他成了美术馆、画廊、书店的 “常客”：白天聆听名师授课，梳理艺术理论脉络；夜晚泡在展厅，从古典大师的笔触到当代艺术的实验性表达，逐一揣摩；厚重的艺术理论著作上，密密麻麻的批注记录着他对格林伯格形式主义、丹托艺术终结理论的思考。这种沉浸式学习，为他突破传统油画边界奠定了基础。研究生期间，于海波开始探索 “材料叙事” 的可能性。他频繁出入旧货市场，将老报纸、旧照片、金属零件乃至残破老物件搬上画布，试图用材料的肌理诉说岁月痕迹。2002 年的《城市痕迹》系列，便是这一探索的代表作：破碎的纹理与厚重的油彩交织，既隐喻着城市发展中历史记忆的残缺，也暗含着对 “痕迹价值” 的珍视。为捕捉转瞬即逝的灵感，他的背包里始终装着实验材料与速写本，公交车上、博物馆里，只要思绪涌动，便立刻记录；曾为完善《镜子》系列构图，在工作室连续奋战三天三夜，待作品完成时，手指已因长时间打磨而僵硬红肿。随着探索的深入，他提出 “创造性破坏” 美学理念 —— 打破传统材料的固有形态，在解构中实现艺术的重生。《还能辨认的佛》系列中，他以火焰灼烧矿料彩绘，用灰烬胶合出残破的佛相，借 “浴火” 意象传递生命轮回的力量；《救赎》系列里，他将搜集的建盏残片与大漆层层叠加，在反复弥合、打磨中，让破碎的瓷片承载 “涅槃” 的精神象征。这些作品让他在当代艺坛崭露头角，先后亮相 “北京国际艺术双年展”“中国当代艺术邀请展”，被多国美术馆与收藏家珍藏。但他并未止步，而是将目光投向更深远的领域 —— 古陶瓷研究，他深知，唯有扎根传统文脉，艺术创作才能拥有更持久的生命力。瓷片为钥：叩击千年窑火的文明密码于海波与古陶瓷的结缘，始于 2001 年潘家园旧货市场的一次偶然邂逅。一片带有冰裂纹的瓷片，被摊主告知可能是宋代官窑残片 —— 当指尖触碰到温润的釉面，凝视着历经千年仍清晰的开片纹理时，他仿佛感受到了古人的呼吸：“那不是一块简单的碎片，而是承载着宋代工艺与审美情趣的‘活化石’。” 这次相遇，让他踏上了古陶瓷收藏与研究的漫长征途。起初，他用创作收入与省吃俭用攒下的钱，一点点购置古陶瓷标本：从明清瓷片到唐宋元瓷残件，每一片都被他精心收纳，按朝代、窑口分类排列。为读懂这些 “历史的碎片”，他自学考古学、陶瓷工艺学，《陶说》《景德镇陶录》等古籍被翻得卷角，书页间满是标注；他为每片标本建立研究日志，从胎质粗细、釉色浓淡到纹饰风格，细致记录其工艺特征与文化信息；为观察微观结构，他常将数十片瓷片摆在一起对比，对着一盏残片研究至深夜，只为厘清某一窑口的工艺演变。十余年间，他的足迹遍布全国二十多个省市的古窑址，每一次考察都是一场与历史的对话，也伴随着常人难以想象的艰辛。2010 年雨季，为寻找宋代建窑标本，他独自前往福建建阳水吉镇，背着几十斤重的工具包在泥泞山路上跋涉。一次为捡拾山坡上的瓷片，他不慎滑倒，尖锐的瓷片划破小腿，鲜血浸透裤管，简单包扎后仍继续搜寻，直到夕阳西下才发现伤口已发炎红肿 ——“但当我洗净瓷片上的泥土，看到那细密的兔毫纹时，所有疼痛都烟消云散了。”在景德镇御窑厂遗址，他曾在瓷片堆积如山的老窑址中连续工作半个月，每天俯身捡拾、记录十几个小时，导致腰椎间盘突出复发，回到北京后躺了一周才能下床；2015 年，为学习柴窑烧制技艺，他在河北邯郸老瓷厂待了数月，四十多度的窑边高温下，手上被燎起水泡也毫不在意。“只有亲手触摸陶土、感受窑火，才能真正理解古代工匠的智慧 —— 他们如何调配胎土、控制火候，如何让釉色在窑变中呈现出千变万化的美感。” 这种沉浸式研究，不仅让他掌握了古陶瓷的工艺细节，更让传统文化的基因融入他的艺术创作。建盏为证：一场跨越千年的文化对话在众多古陶瓷品类中，宋代建窑建盏成了于海波研究的核心。这种产于福建建阳的黑釉茶盏，因宋代点茶文化的盛行而成为 “国之重器”—— 皇室贵族以建盏斗茶为雅事，文人墨客更以诗句赞美其 “兔毫连盏烹云液” 的雅致。但随着历史变迁，建盏的工艺细节与文化价值逐渐被淡忘，这让于海波决心用研究与展览，让这一 “宋代美学符号” 重焕光彩。为梳理建盏的历史脉络，他花费五年时间收集近千片建窑标本，对不同时期、不同类型的建盏进行系统性研究：从胎土的选取（建阳当地特有的含铁量高的 “高铁胎土”），到釉料的配比（氧化铁、氧化钾等成分的精准把控），再到烧制温度的控制（需在 1300℃以上高温中完成窑变），每一个工艺环节都被他反复考证。为弄清一个细节，他常查阅数十种文献，甚至远赴建阳实地考察。2022 年寒冬，为考证建盏的装窑方式，他在当地考古队协助下进入刚发掘的宋代窑址，在阴暗潮湿的环境中蹲坐六个多小时，仔细观察窑床结构与火道走向，用相机记录每一处细节，直到浑身冻得发抖才离开。回到住处后，他连夜整理资料，绘制出建盏装窑示意图，填补了该领域研究的空白。多年研究结出硕果：《宋代建窑黑釉茶盏的工艺特征研究》《建盏与宋代点茶文化的关系探析》等论文发表后，引起业界广泛关注。2024 年初，北京理工大学延河文化艺术馆向他发出邀请，策划“宋代建窑标本展”—— 这既是对他研究成果的认可，也是他践行 “让古陶瓷活起来” 的契机。筹备展览的日子里，于海波几乎倾注了全部精力：从 200 余件展品的挑选（涵盖从北宋到南宋的不同器型、釉色标本），到展陈设计（以 “窑火千年” 为主题，分 “工艺溯源”“文化语境”“当代回响” 三个板块），再到解说词的撰写（兼顾学术性与通俗性），每一个环节都亲力亲为。期间，他的母亲突然生病住院，他白天在医院陪护，晚上赶回工作室整理展品资料，连续一个多月每天只睡三四个小时。一次给标本贴标签时，因过度疲劳，一片珍贵的宋代油滴建盏残片不慎摔落 —— 尽管碎片最终被修复，但他仍心疼得几夜难眠：“这些瓷片不是冰冷的标本，而是宋代工匠心血的结晶，是承载点茶文化的‘活历史’，容不得半点马虎。”2024 年 8 月，“宋代建窑标本展” 如期开幕。展厅内，观众不仅能看到不同时期的建盏标本，了解胎釉配比、烧制工艺的完整流程，还能通过多媒体装置重温宋代点茶仪式的雅致；互动区域里，人们亲手触摸不同胎质的瓷片，感受 “粗陶” 与 “细瓷” 的质感差异。这场展览不仅吸引了文物爱好者与学者，更成为高校传统文化教育的课堂 —— 许多师生表示，“通过这些带着窑火温度的瓷片，仿佛穿越到了宋代，真切感受到了中国传统工艺的魅力。” 展览持续三个月，于海波几乎每天都在现场，用通俗的语言为观众讲解建盏背后的历史故事，解答关于工艺与文化的疑问。涅槃为境：在传统与当代间传递文明薪火艺术创作与古陶瓷研究的双向滋养，让于海波的 “涅槃美学” 体系逐渐成熟。这一以 “创造性破坏” 为核心的美学理念，既有西方现代艺术的实验性，更深深植根于中国传统文化 ——“古陶瓷的‘开片’给了我很大启发：那些自然形成的裂纹，看似是‘破坏’，实则造就了独一无二的美感；就像中国文化中的‘残缺美’，破碎之后的重构，往往能赋予事物新的生命。”在《救赎》系列最新作品中，他将建盏残片与大漆、金箔结合：破碎的瓷片被大漆层层包裹，金箔点缀其间，既象征着对传统文化的修复与珍视，也隐喻着传统在当代语境下的 “新生”。有评论家评价：“于海波的艺术，用当代语言激活了传统文化基因，让千年瓷魂在油彩与大漆中苏醒，实现了传统美学与当代精神的对话。”除了个人创作，于海波更将 “传承” 视为己任。他频繁走进高校、社区，举办 “古陶瓷鉴赏”“传统工艺与当代艺术” 主题讲座，用 “瓷片讲故事” 的方式，让大众读懂传统文化的魅力；他发起 “瓷片上的文明” 公益项目，组织志愿者走进古窑址周边乡村，既开展文物保护宣传（如教村民识别古瓷片、避免文物流失），也进行艺术支教（用瓷片、陶土教孩子们创作，培养他们对传统文化的兴趣）。如今，已过知天命之年的于海波，仍保持着简朴的生活习惯：工作室里，画材与瓷片标本占据了大部分空间；每天清晨，他会先花两小时整理古陶瓷研究资料，再开始一天的创作 —— 这种规律的节奏，他已坚持了十几年。大部分收入被他投入到创作与研究中：购置新的瓷片标本、研发新的材料技法、支持公益项目…… 对他而言，物质的简朴远不及精神的丰盈重要。谈及未来，于海波的眼中满是期待：“我想继续深入研究宋代建盏的官瓷制度，厘清皇室用盏与民间用盏的工艺差异；同时，计划创作一系列以古陶瓷为媒材的漆艺作品，让瓷的‘硬’与漆的‘柔’碰撞出更多可能。” 他还打算将多年的研究成果整理成册，出版《宋代建窑建盏研究》，“希望能为后来者提供一些参考，也让更多人了解古陶瓷背后的文化内涵。”在这个追求速成的时代，于海波用三十余年的坚守，证明了 “热爱” 与 “执着” 的力量。他以画笔为犁，深耕当代艺术的土壤；以瓷片为钥，开启千年文明的大门。当我们凝视他的作品，触摸那些历经岁月洗礼的瓷片时，感受到的不仅是艺术的美感，更是一位艺术家对文明传承的责任与担当 —— 他就像一位 “传灯人”，在古瓷与油彩的交织中，让中华优秀传统文化的灯火，在当代继续闪耀。

在当代艺术与文物研究的交叉领域，于海波始终扮演着 “双向行者” 的角色 —— 他左手执画笔，以油彩与大漆重构传统美学；右手抚瓷片，从千年古瓷中打捞文明记忆。三十余载光阴里，这位从黑龙江乡村走出的艺术家，将对土地的深情、对历史的敬畏熔铸于创作与研究，在破坏与重构、传统与现代的碰撞中，为中华优秀传统文化的当代传承开辟了独特路径。

寒夜灯痕：黑土地上的艺术萌芽

1973 年隆冬，讷河乡村的凛冽寒风中，一盏煤油灯的昏黄光晕，成了于海波艺术人生的起点。彼时，黑土地的厚重与乡村生活的鲜活，是他最直观的创作源泉：屋檐下啄食的麻雀、田埂间轰鸣的拖拉机，都被他用捡来的粉笔头定格在土墙之上；作业本背面、商品包装纸，成了承载梦想的 “画布”。

1989 年的一次县城书店之旅，彻底改写了他的艺术轨迹。一本世界名画画册中，伦勃朗《夜巡》里明暗交错的光影，如惊雷般击中了少年的心 —— 他第一次意识到，油画竟能如此细腻地捕捉生命的张力。为凑齐绘画材料的费用，他利用课余时间穿梭于县城街巷，画广告牌、写宣传语，将微薄酬劳一点点换成颜料与画布，这份对艺术的赤诚，为他日后的求学之路埋下伏笔。

1992 年，于海波以全镇首位艺术院校大学生的身份，考入哈尔滨师范大学美术学院油画专业。四年间，他如饥似渴地吸收西方绘画体系的养分：从文艺复兴时期的透视法则，到印象派的色彩表达，再到各艺术流派的演变脉络，他不仅在技法上深耕，更在思考中沉淀。深夜的画室里，常有他伏案创作的身影，直到保安关灯催促才离去；回到寝室，他仍抱着速写本琢磨构图，常因沉浸创作而忘却昼夜。

这份执着终有回响：1995 年，油画《合声》入选黑龙江省美术作品展并斩获银奖。作品中，饱满的谷穗与农民黝黑的面庞相映，西方写实技法与东北民俗元素浑然一体，尽显黑土地的生命力量；同年，《心声》入选全国第八届美术作品展览，让他首次站上全国性艺术舞台。“那次参展让我明白，艺术不是技巧的堆砌，而是对生活最本真的回应。” 于海波的这番感悟，成为他此后创作的核心准则。

京城破壁：当代艺术语境下的美学重构

2000 年秋，于海波背着行囊北上京城，进入首都师范大学美术学院研究生班深造。初到 798 艺术区时，工厂废墟的斑驳标语与先锋艺术装置的强烈反差，彻底颠覆了他对艺术的固有认知 ——“像突然推开了一扇新窗，原来艺术可以突破画布的边界，与时代、与记忆对话。”

此后的北京岁月，他成了美术馆、画廊、书店的 “常客”：白天聆听名师授课，梳理艺术理论脉络；夜晚泡在展厅，从古典大师的笔触到当代艺术的实验性表达，逐一揣摩；厚重的艺术理论著作上，密密麻麻的批注记录着他对格林伯格形式主义、丹托艺术终结理论的思考。这种沉浸式学习，为他突破传统油画边界奠定了基础。

研究生期间，于海波开始探索 “材料叙事” 的可能性。他频繁出入旧货市场，将老报纸、旧照片、金属零件乃至残破老物件搬上画布，试图用材料的肌理诉说岁月痕迹。2002 年的《城市痕迹》系列，便是这一探索的代表作：破碎的纹理与厚重的油彩交织，既隐喻着城市发展中历史记忆的残缺，也暗含着对 “痕迹价值” 的珍视。为捕捉转瞬即逝的灵感，他的背包里始终装着实验材料与速写本，公交车上、博物馆里，只要思绪涌动，便立刻记录；曾为完善《镜子》系列构图，在工作室连续奋战三天三夜，待作品完成时，手指已因长时间打磨而僵硬红肿。

随着探索的深入，他提出 “创造性破坏” 美学理念 —— 打破传统材料的固有形态，在解构中实现艺术的重生。《还能辨认的佛》系列中，他以火焰灼烧矿料彩绘，用灰烬胶合出残破的佛相，借 “浴火” 意象传递生命轮回的力量；《救赎》系列里，他将搜集的建盏残片与大漆层层叠加，在反复弥合、打磨中，让破碎的瓷片承载 “涅槃” 的精神象征。这些作品让他在当代艺坛崭露头角，先后亮相 “北京国际艺术双年展”“中国当代艺术邀请展”，被多国美术馆与收藏家珍藏。但他并未止步，而是将目光投向更深远的领域 —— 古陶瓷研究，他深知，唯有扎根传统文脉，艺术创作才能拥有更持久的生命力。

瓷片为钥：叩击千年窑火的文明密码

于海波与古陶瓷的结缘，始于 2001 年潘家园旧货市场的一次偶然邂逅。一片带有冰裂纹的瓷片，被摊主告知可能是宋代官窑残片 —— 当指尖触碰到温润的釉面，凝视着历经千年仍清晰的开片纹理时，他仿佛感受到了古人的呼吸：“那不是一块简单的碎片，而是承载着宋代工艺与审美情趣的‘活化石’。” 这次相遇，让他踏上了古陶瓷收藏与研究的漫长征途。

起初，他用创作收入与省吃俭用攒下的钱，一点点购置古陶瓷标本：从明清瓷片到唐宋元瓷残件，每一片都被他精心收纳，按朝代、窑口分类排列。为读懂这些 “历史的碎片”，他自学考古学、陶瓷工艺学，《陶说》《景德镇陶录》等古籍被翻得卷角，书页间满是标注；他为每片标本建立研究日志，从胎质粗细、釉色浓淡到纹饰风格，细致记录其工艺特征与文化信息；为观察微观结构，他常将数十片瓷片摆在一起对比，对着一盏残片研究至深夜，只为厘清某一窑口的工艺演变。

十余年间，他的足迹遍布全国二十多个省市的古窑址，每一次考察都是一场与历史的对话，也伴随着常人难以想象的艰辛。2010 年雨季，为寻找宋代建窑标本，他独自前往福建建阳水吉镇，背着几十斤重的工具包在泥泞山路上跋涉。一次为捡拾山坡上的瓷片，他不慎滑倒，尖锐的瓷片划破小腿，鲜血浸透裤管，简单包扎后仍继续搜寻，直到夕阳西下才发现伤口已发炎红肿 ——“但当我洗净瓷片上的泥土，看到那细密的兔毫纹时，所有疼痛都烟消云散了。”

在景德镇御窑厂遗址，他曾在瓷片堆积如山的老窑址中连续工作半个月，每天俯身捡拾、记录十几个小时，导致腰椎间盘突出复发，回到北京后躺了一周才能下床；2015 年，为学习柴窑烧制技艺，他在河北邯郸老瓷厂待了数月，四十多度的窑边高温下，手上被燎起水泡也毫不在意。“只有亲手触摸陶土、感受窑火，才能真正理解古代工匠的智慧 —— 他们如何调配胎土、控制火候，如何让釉色在窑变中呈现出千变万化的美感。” 这种沉浸式研究，不仅让他掌握了古陶瓷的工艺细节，更让传统文化的基因融入他的艺术创作。

建盏为证：一场跨越千年的文化对话

在众多古陶瓷品类中，宋代建窑建盏成了于海波研究的核心。这种产于福建建阳的黑釉茶盏，因宋代点茶文化的盛行而成为 “国之重器”—— 皇室贵族以建盏斗茶为雅事，文人墨客更以诗句赞美其 “兔毫连盏烹云液” 的雅致。但随着历史变迁，建盏的工艺细节与文化价值逐渐被淡忘，这让于海波决心用研究与展览，让这一 “宋代美学符号” 重焕光彩。

为梳理建盏的历史脉络，他花费五年时间收集近千片建窑标本，对不同时期、不同类型的建盏进行系统性研究：从胎土的选取（建阳当地特有的含铁量高的 “高铁胎土”），到釉料的配比（氧化铁、氧化钾等成分的精准把控），再到烧制温度的控制（需在 1300℃以上高温中完成窑变），每一个工艺环节都被他反复考证。为弄清一个细节，他常查阅数十种文献，甚至远赴建阳实地考察。2022 年寒冬，为考证建盏的装窑方式，他在当地考古队协助下进入刚发掘的宋代窑址，在阴暗潮湿的环境中蹲坐六个多小时，仔细观察窑床结构与火道走向，用相机记录每一处细节，直到浑身冻得发抖才离开。回到住处后，他连夜整理资料，绘制出建盏装窑示意图，填补了该领域研究的空白。

多年研究结出硕果：《宋代建窑黑釉茶盏的工艺特征研究》《建盏与宋代点茶文化的关系探析》等论文发表后，引起业界广泛关注。2024 年初，北京理工大学延河文化艺术馆向他发出邀请，策划“宋代建窑标本展”—— 这既是对他研究成果的认可，也是他践行 “让古陶瓷活起来” 的契机。

筹备展览的日子里，于海波几乎倾注了全部精力：从 200 余件展品的挑选（涵盖从北宋到南宋的不同器型、釉色标本），到展陈设计（以 “窑火千年” 为主题，分 “工艺溯源”“文化语境”“当代回响” 三个板块），再到解说词的撰写（兼顾学术性与通俗性），每一个环节都亲力亲为。期间，他的母亲突然生病住院，他白天在医院陪护，晚上赶回工作室整理展品资料，连续一个多月每天只睡三四个小时。一次给标本贴标签时，因过度疲劳，一片珍贵的宋代油滴建盏残片不慎摔落 —— 尽管碎片最终被修复，但他仍心疼得几夜难眠：“这些瓷片不是冰冷的标本，而是宋代工匠心血的结晶，是承载点茶文化的‘活历史’，容不得半点马虎。”

2024 年 8 月，“宋代建窑标本展” 如期开幕。展厅内，观众不仅能看到不同时期的建盏标本，了解胎釉配比、烧制工艺的完整流程，还能通过多媒体装置重温宋代点茶仪式的雅致；互动区域里，人们亲手触摸不同胎质的瓷片，感受 “粗陶” 与 “细瓷” 的质感差异。这场展览不仅吸引了文物爱好者与学者，更成为高校传统文化教育的课堂 —— 许多师生表示，“通过这些带着窑火温度的瓷片，仿佛穿越到了宋代，真切感受到了中国传统工艺的魅力。” 展览持续三个月，于海波几乎每天都在现场，用通俗的语言为观众讲解建盏背后的历史故事，解答关于工艺与文化的疑问。

涅槃为境：在传统与当代间传递文明薪火

艺术创作与古陶瓷研究的双向滋养，让于海波的 “涅槃美学” 体系逐渐成熟。这一以 “创造性破坏” 为核心的美学理念，既有西方现代艺术的实验性，更深深植根于中国传统文化 ——“古陶瓷的‘开片’给了我很大启发：那些自然形成的裂纹，看似是‘破坏’，实则造就了独一无二的美感；就像中国文化中的‘残缺美’，破碎之后的重构，往往能赋予事物新的生命。”

在《救赎》系列最新作品中，他将建盏残片与大漆、金箔结合：破碎的瓷片被大漆层层包裹，金箔点缀其间，既象征着对传统文化的修复与珍视，也隐喻着传统在当代语境下的 “新生”。有评论家评价：“于海波的艺术，用当代语言激活了传统文化基因，让千年瓷魂在油彩与大漆中苏醒，实现了传统美学与当代精神的对话。”

除了个人创作，于海波更将 “传承” 视为己任。他频繁走进高校、社区，举办 “古陶瓷鉴赏”“传统工艺与当代艺术” 主题讲座，用 “瓷片讲故事” 的方式，让大众读懂传统文化的魅力；他发起 “瓷片上的文明” 公益项目，组织志愿者走进古窑址周边乡村，既开展文物保护宣传（如教村民识别古瓷片、避免文物流失），也进行艺术支教（用瓷片、陶土教孩子们创作，培养他们对传统文化的兴趣）。

如今，已过知天命之年的于海波，仍保持着简朴的生活习惯：工作室里，画材与瓷片标本占据了大部分空间；每天清晨，他会先花两小时整理古陶瓷研究资料，再开始一天的创作 —— 这种规律的节奏，他已坚持了十几年。大部分收入被他投入到创作与研究中：购置新的瓷片标本、研发新的材料技法、支持公益项目…… 对他而言，物质的简朴远不及精神的丰盈重要。

谈及未来，于海波的眼中满是期待：“我想继续深入研究宋代建盏的官瓷制度，厘清皇室用盏与民间用盏的工艺差异；同时，计划创作一系列以古陶瓷为媒材的漆艺作品，让瓷的‘硬’与漆的‘柔’碰撞出更多可能。” 他还打算将多年的研究成果整理成册，出版《宋代建窑建盏研究》，“希望能为后来者提供一些参考，也让更多人了解古陶瓷背后的文化内涵。”

在这个追求速成的时代，于海波用三十余年的坚守，证明了 “热爱” 与 “执着” 的力量。他以画笔为犁，深耕当代艺术的土壤；以瓷片为钥，开启千年文明的大门。当我们凝视他的作品，触摸那些历经岁月洗礼的瓷片时，感受到的不仅是艺术的美感，更是一位艺术家对文明传承的责任与担当 —— 他就像一位 “传灯人”，在古瓷与油彩的交织中，让中华优秀传统文化的灯火，在当代继续闪耀。