2018艺术个展回顾(上)：看过，爱过，写过

都9102了，还写去年的展有什么意义？

首先，如题，对 spRachel 来说，写过的展才是自己的。

其次，一个展你去年错过，今年还可能有巡展，所以我不是拉仇恨而是继续安利。

最后，我希望以自己的亲身经历，传达单纯刷展和带着功利心去看展之间的差异——因为上半年的我以看展人的眼光看展，下半年我当上了策展人。

「柴犬川柳」周历的最后一页，很大肶本肶了

向京 「没有人替我看到」

第一个展就是女神的！赞美！看官们可能知道，本号第一篇文章就是写她。我当时在巨大的龙美术馆现场兴奋到发抖。

灰字引用来自各展览通稿

没有人替我看到 是向京自1995年中央美院毕业后规模最大的个展，这是向京21年艺术历程的回顾，共有85组100多件雕塑作品，占据三层展览空间。

展出五个主线创作系列：
“镜像”（1999-2002）、“保持沉默”（2003-2005）“全裸”（2006-2008）、“这个世界会好吗？”(2008-2011)、“S”（2012-2016）以及一组名为 “我看到了幸福”（2002-2010）的架上尺寸作品。

初潮的处女， “保持沉默”系列，2005

终于再会我第一次遇见向京的作品《初潮的处女》。原来是有不是粉红色、而是血红色的少女心的——那也是真实的回忆。上图右下角那个拍照的影子（是我），算是神同步。

回来写了「鬼拍后尾枕」般的看展报告 向 京｜人 生 从 31 岁 开 始 ？

陆平原 「成长的烦恼」

男神徐震的没顶画廊总是很合我口味。和我一样喜欢小火车托马斯的陆平原是我今年可口的新发现。

看展时，我想起一件往事。我前前一家公司能看到被绿树遮住的一小段高架路，于是每当有巴士经过，我都会脑补成火车。有一次我跟总监说起这个脑洞，还表示我小时候还没有正版的托马斯，羡慕现在的小孩。总监应该没听懂，只回复了一句：噢我儿子也喜欢托马斯。

成长的烦恼是一个潜意识编造的灰色成人童话，由当代生活与自身造梦互相凝视而导致的个体意志校准与对位。艺术家在挖掘内心情感的过程中，借用迪士尼式的叙事，在展厅构建了一个自我的场景。展览名“成长的烦恼”来自90年代初期在中国风靡一时的同名美剧，作为那时期美国收视率最高的情景喜剧，它成功展现了美国式幸福生活的典范。从这个代表着中产阶级渴望的虚妄幻象出发，艺术家由此链接了一系列流行文化中的程式化形象与情节，将其改造或是夸张化，并通过蓄意的编排，使俄罗斯套娃式的层层叙事成为展览的丰富脚本。

陆平原喜欢码字，同时把文字贴到自己的作品上。这样，我们就有两个兴趣相似了。等等，上面这个展览标题，英文难道不是《小鬼当家》吗？下次希望有机会问问本人是怎么回事呢。

潘天寿 「诞生120周年大展 」

我看的是浙江美术馆的巡展版。说起那次杭州之行，感受最深的却是看到了马远穿越千年的「真·水图」。马远｜水是永恒

国画在曾经沉迷陶瓷的我心中，还是有自留地的。可惜我总是缺少鉴赏的头绪和学习机会，只能一直偏爱颜色和线条都很愉悦的作品。例如下面这幅。

江山多娇图轴 1959

张大千 「张大千艺术展」

展览的大部分作品是国博从四川博物院、北京荣宝斋借展的。顺接上面的潘天寿，也来说说张大千的可爱之处，那是全场最抢眼的《华山云海图》，它的用色有一种现代感，看着超舒服的。

华山云海图　张大千，1936年　纸本设色，46.3cm×590cm　荣宝斋藏

回来一查，这画竟然是鱼翅换来的，难怪可口了。

此幅《华山云海图》长卷是张大千画华山云海中最好的一幅，为赠予当时被誉为“北平第一名厨”的春华楼掌柜白永吉。全图山形以红绿黄蓝等重彩绘出，皴法不用墨线，而是于蓝色山脉上或以深蓝或以深绿色表示阴暗处，橘红及黄色山脉则以深棕色线条加强，除此而外山形各处再以华丽的金线点缀。

1936年张大千迁居北京，平日家中高朋满座，菜肴皆由春华楼承办，并且春华楼还另外单给张大千送鱼翅。不论是吃饭还是送鱼翅，白永吉从未收取分文。两人因“吃”结缘，交往日益深厚，相互仰慕。由于平日里白永吉对张大千的绘画艺术赞叹有加，张大千亦因得此知己，而以这件佳作相赠。

张大千自题《西江月》一阕：
到此欲骄日月，回头又失蓬莱。
秋风吹出井莲开，何处长安尘。
雪下玉龙游戏，月中青女徘徊，
眼前忆着锦江来，今古纷纭玉垒。

刘港顺 「所有」

在站台中国看的，展览分为三个阶段，是刘港顺迄今为止规模最大的展览。

观念三要素 2017.12.23—2018.01.17
历史的笔记 2018.01.20—2018.02.28
午夜出版社 2018.03.03—2018.03.18

“观念三要素”指向刘港顺创作秩序中，三个彼此交合的几何元素，建筑（空间的重塑）——抽象（结构的尺度）——文字（语言的歧义），历史被分割为形式和语言，剥除了原有的权力结构和现实秩序。“历史的笔记”呈现刘港顺对经典历史图像，通过各种不同的方式方法，重新建立一个新的、只属于自己的释义笔记，其中包括忠实的记录，多重的绘制与擦除，建立与拆解，置换的风格和刻意的描绘，这些种种工作形成了一种全新的个人诠释。“午夜出版社”再次回到艺术家的缘起，活生生的现实之中。从刘港顺90年代的创作和思想来源中抽丝剥茧，寻找个人曾经的态度与观点，曾经为之动情的往事点滴，亦或是那些夜读法国新小说的时刻。

我当时看的是第二部分，名作戏仿和读书笔记正好是我最喜欢的！当时更没想到，现在我能有幸参与到他这批作品的销售当中~有兴趣的可以后台留言我~

陈冠希 「音术」

看的是在 UCCA 举行的首展，在我这 20 年 edc 饭看来，即使没赶上现场的行为艺术，还是值回票价的。只是带着脑残粉的心虚，刚看完时没敢专门写一篇。现在对比今年后来一系列票价噱头更离谱的「新媒体展」，更觉得 edc 确实没辜负我的爱。

这是一个有完整体验和线索的展——一首新专的歌对应一件他个人创作、合作或收藏的艺术作品。以下是我最喜欢的两组作品。

数字王国/Digital Domain，《血同》，BLOOD ON THE LEASE，2016，全息投影。对应歌曲：《已经死了》 ALREADY DEAD

Teamlab，水粒子的世界，视频装置，对应歌曲《旋律中的眼泪》

陈冠希本人参展作品包括反思狗仔文化和八卦时代的《以牙还牙》和以登机牌和旅行标签为原材料创作的拼贴作品《请绑好你的安全带》；作品《其实我们都是一样的》展示了现场音乐会所蕴含的无限可能性，《无间道》是艺术家在北极探险期间拍摄的视频；《雅存》是陈冠希献给伴侣秦舒培的作品；《九霄云上》则是艺术家自己创作的布面油画与丙烯风景作品。

参展的艺术家合作作品包括《我的暗黑扭曲幻想》，这件与Syan联合创作的作品以一种调侃的方式观察我们在爱情中寻找什么；与Medicom Toy合作的玩偶作品《这只小屁猴EDC》将陈冠希和贯穿其整张专辑的孙悟空形象融合在一起；《那种不能言喻的感受》由陈冠希与国家地理摄影师鲁塞利·麦克莱克林合作完成；《血同》呈现“作为殉难者的艺术家”的全息图，而在与视效工作室数字王国（Digital Domain）合作的VR视频作品《妳》中，陈冠希和名模秋元梢真人大小的影像将与观众亲密接触；与诺厄·舍伯恩合作的装置《R. KELLY》中包含一组散热器和加湿器，与亚历克斯·以色列联合设计的抽象印刷品《破晓时刻》沿用了艺术家标志性的、梦幻般的粉色与蓝色；装置作品《神 = 你》与时装摄影师尼克·奈特合作设计，探讨自我中心与不敬神等命题。

陈冠希的私人收藏也在展览中呈现，如菲律宾社会现实主义艺术家马克·贾斯蒂尼亚尼的《洞》与其专辑中的歌曲《想要？》呼应；时尚插画家凯莉·比曼创作的两位悲哀女性的肖像《面纸用光了》对应着《别再哭》这首歌；雕塑家东信的《植物学雕塑“杂交植物”第三卷》是一件半有机半合成的组合作品，它与陈冠希的《装》搭配；艺术家韦斯·朗的作品《祈祷者—画纸研究版本》与歌曲《潜意识》对应，莎拉·休斯的表现主义绘画《彷如凝视太阳》则与《承诺》这首歌相对应。

我喜欢这个陈冠希。

之前系 而家系 将来都系

陆扬「脑髓天国」

嘻哈、电子舞曲、朋克、视觉系、游戏、动漫、御宅文化……这些在今天辨识度很高的亚文化元素交汇在一起，为整个美术馆营造出一种如梦似幻的多元氛围。本次展馆空间由艺术家本人设计，炫目的霓虹灯、异教感的神庙、动漫形象以及印度果阿传统降神舞蹈所营造的视觉感互相交织成一种“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）的综合体验。

新媒体艺术专业出身的阿宅陆扬本人倒是不希望别人把她的作品称之为艺术，因为这会拒人于千里之外。

这个展真的很好玩，你可以轻松享受，也可以花功夫去较真——例如她为什么要把自己的头那么可怕的搞到墙上——下图高能预警，现场可没有——好玩死了！

在我看来，大家都想寻找真理，理科是通过公式、计算和实验，而文科的方法更多样更隐晦，有些人选择表达和创作。

Q：从《陆扬妄想曼陀罗》开始，你为什么在作品中放入自己的形象？你可以做到客观地看待自己的形象和自己的肉体吗？
陆扬：在做那件作品时我需要一个人物角色，但不知道用什么形象好，如果用一个别人的形象的话，作品里有一些禁忌性的生病啊死亡啊之类的主题，对别人不太好，有一种诅咒的因素在里面，所以我就用了自己的脸。我觉得在CG的世界里我可以把自己的头放在一个我幻想的完美的身体上，把自己脑中的世界映射出来。

Q：那个脸毕竟是你自己的，当它受尽折磨的时候，你不会有异样的感觉吗？
陆扬：不会啊，好像没有哎。有一种快感。

达利 「疯狂达利」

开始我对这个在北京蓝色港湾举行的展是怀疑的，这还是我认识的达利吗？展览共263件作品，包括2件城市雕塑，23件大型博物馆雕塑，6件小型博物馆雕塑，12件黄金雕塑，10件琉璃雕塑，7件家具，10张水彩塔罗牌，14套版画（共183张）等。

然而现场确实成功带来了达利的疯狂，超现实的雕塑都很有趣，特别是大型的。而我却是在他那些之前少见的插画版画作品上，看到「达利作为达利的狂喜」，当他的想象力变成真实的线条和构图，2D已经足够让人疯狂了！

「比尔·奥维拉」

可能是去年我在广州看过最好的展。

那时我还未开始读哲学，也对影像艺术一无所知。但只需要像《火之女》一样义无反顾地跳进他的影像空间：慢速、高清、火与水、激烈的表情——这些都是宇宙语言，你多多少少能感觉到什么，你愿意解读到哪一步都可以。

“你可以有世界上最好的技术，但是你不能没有想法，没有生活中前进的感觉，不想去做你不知道的事。因为我们总是想做自己知道的事，那样我们感到舒服，但是你必须要明确总是有你不知道的事。你必须逼你自己，这对我来说就是一个旅程。”

“不知道的那些事”，才是比尔·维奥拉创作的真正动力。比如：“我们为什么出生又为什么死亡？”

“在今天的世界，我们依赖科学来回答生活中的各种问题，所以，一方面，在日常生活中我们认为所有的问题都是可以被回答的，而另一方面，在我们的知觉层面，这些问题又是永远无法被回答的，尤其是有关‘存在’的重大问题。”虽然没有答案，也不能停止发问：“因为这些问题就像是火花，它们将激励你去发现和学习。”他觉得神秘感是比知识更重要的东西——当然知识也很重要。

“因为知识只能解释一部分的问题。但是如果放弃这些枷锁，你会发现神秘感像是一个黑洞，这个探索是没有尽头的。所以科学让我们留在现实中，而神秘感可以让我们前进，这种探索就是艺术家们存在的意义。”

救生筏，2004年，影像截图

博伊斯×白南准「见者的书信」

今年看过最舒服、最「沉浸式」的展：现场几乎没有人，空间的节奏很好，豆袋很舒适。即使当时并不是很了解这两个艺术家的我，也差一点成功「穿越」到他们的世界了。

在那之前我一直都看不懂博伊斯，没想到自那以后他成为我最喜欢的艺术家之一。他身上的德味太重了！行为艺术《我爱美国，美国爱我》实在是太魔性了！他的那些行为艺术的残留雕塑，每一件都让人欲罢不能——只是，可能你得跟我一样，要从德国历史看起，再去一趟德国感受下。整体艺术游｜硬核德奥

当时没看过下面这段文字的我，是怎样嗅到这两人身上的德味和战争味的呢？

事实上，白南准从小学习古典音乐，生于首尔的他随父母辗转到日本，并在东京大学学习音乐、艺术史和哲学。那时他迷恋上勋伯格的音乐，毕业论文就是以他为题。

毕业后，为了学到正宗的西方音乐，他进入德国慕尼黑大学进修音乐史。并通过导师认识了当年去他们学校演出讲学的约翰·凯奇，凯奇与东方禅意的不谋而合吸引了他，从此他的艺术生涯发生了改变。
二战期间，博伊斯加入了空军，坠机加中枪逼他到了死亡边缘。这次经历，给他之后的艺术创作影响很大。

他回忆道：“我知道自己中枪了，也注意到飞机的坠落，我我说：我们一起跳吧。然而，我们却找不到他(另一位机上伙伴)，只找到零碎的骨头。从那天开始，我害怕头顶上的风。”

有些玄乎的是，让博伊斯捡回一条命的，是鞑靼人的古法：他们用动物油脂、奶制品和毛毡让他恢复了健康。后来，博伊斯常常用这些材料创作作品。

后来的德奥之旅，自然铺天盖地都是博伊斯。神奇的是，昊美术馆这个展的博伊斯部分到今天都还没有结束。

四月还看了好多展！

Onedaystand丨北京2天18个艺展爽感repo

Onedaystand丨上海3天21个艺展爽感repo

陈维「你今晚去边」

第一次被陈维的摄影作品击中，是3月在香港巴塞尔看到的右下角这张——我如此喜欢，之后3个月都用它做微信头像。

后来，大广州第一家艺术主题商业中心的开幕展便是他，我和K11的品味都很好嘛。除了摄影作品，他的空间装置也玩得很溜。

3月31日-5月20日，艺术家陈维通过5组摄影装置作品，在chi K11艺术空间里搭建一个以“WHERE ARE YOU GOING TONIGHT你今晚去边”为主题的光影空间，灵感来源于广州年轻人日常问候的生活常态。展览还原了城市夜生活状态，引发人们对城市快速发展与自我认知的思考与探索。

彩色的光，可以是天堂般神圣的宗教之光，也可以是城市生活灯红酒绿、纸醉金迷的象征，甚至可以是对理想生活的美好憧憬。有故障的灯箱，就是城市发展过程中留下的痕迹。

「德拉克罗瓦」

德拉克罗瓦30年一遇的大展，去年卢浮宫是第一站，现在纽约是第二站——当然，某卢浮宫镇馆之宝+最近又频频出镜的《自由领导人民》是只在「本场」才能看到的。

我在现场听语音导播时，发现德拉克罗瓦的法语发音实在太像「得了垮」，这和他本人的职业生涯相映成趣。展览分为三个时期：他大部分著名作品都是在第一时期，而后两个时期受摩洛哥之旅影响，风格大变。现场第一时期的人潮占了80%以上。

1822年至1832年的第一个十年至关重要，因为它被对新奇、名誉和自由的渴望所主导，是画家与新古典主义的决裂。但此后德拉克鲁瓦又画了30年，他总是把自己最新的作品在一年一度的官方展览“沙龙”（the Salon）上公开展出。1835年到1855年，以其壁画的辉煌为标志，他的作品展现了与传统的对话，并以1855年那场充满荣光的回顾展作为结束。最后，在他1863年去世之前的这些年里，人们对他作品中的风景，以及记忆和自我反省扮演的创造性作用越来越感兴趣。”

当时我只觉得他明明火了却玩变身，不受欢迎也是活该。而现在对西方古典文化越来越爱的我，变得越来越爱他的后期作品了。

然而德拉克罗瓦一生从未去过意大利，却因一次机缘巧合，在1832年到访了摩洛哥。不同于当时的奥斯曼帝国，摩洛哥这个北非国家对于欧洲人民而言是非常陌生的。这一次摩洛哥之行对德拉克罗瓦之后的艺术创作带来了极大的灵感，因为他认为这里无论是人们的衣着装束，还是建筑和城市风貌，都才算真正完整地保存了罗马文明。1832年6月4月，他还在摩洛哥的一个港口城市丹吉尔时，便在日记里写道：“曾经的罗马人和希腊人现在就正在我门前经过……在这里我真正认识了他们当时的模样……罗马不再存在于罗马了。”他称摩洛哥为“活着的罗马遗迹”。

库普卡「抽象先锋」

又是一位之前不认识，认识以后才发现无处不在的大神。展览开头便展示了他画夫人的两幅分别是具象和抽象的作品，我当时很傻地评论：抽象是个不错的PS手法。对比图可以在 这不是攻略，是96p在巴黎找「艺术体验」高清图 看到。而此展也是以他从具象走向抽象为线索。

回来做功课才知，库普卡的抽象主义最初由维也纳的神秘主义而来，也源于他对中欧国家哲学和神学传统的研究。库普卡是捷克人。国庆我在布拉格王宫门外的华伦斯坦宫（那是个神仙地方！）再遇此展。那时开始略懂德奥文化的我，对他有了新的发现。

可惜，当时不懂就是不懂，后来无论怎么做功课，都无法代替现场感受。然而这些当时半懂不懂的现场，又造就了现在的我。

请期待2018回顾「个展下篇」，以及「群展篇」。