专访画家鲍莺：AI时代，画让人看不透的画

鲍莺的名字前不乏颇有分量的头衔：上海市美术家协会副主席、上海中国画院创作部主任……前不久，她刚刚获得了“文化和旅游部优秀专家艺术家”称号。

她多年来一直低调，始终在用画说话。最近，她的个人展览“花开有时”在刘海粟美术馆举行。

在展览现场，她向记者坦露了自己20多年来的心路历程。

鲍莺 《故乡的路》 2006年

不纠结写实还是写意

上观：这次展览题为“花开有时”，您对花的情感始于何时？

鲍莺：花鸟和人物我都喜欢画，进入上海中国画院工作之后，我开始更为集中地画花鸟。

我曾经在人物画中进行过一些超现实主义的尝试，但人物造型本身还是比较写实的，还有很多问题需要解决。特别是新文人画兴起后，不少画家开始尝试人物的变形，而我并没有快速地找到合适的形式，于是就想“曲线救国”，通过画花鸟去找寻自己的造型规律，让画面能更自由一些。

上观：您笔下的花总是朦胧的、淡淡的，似乎红色不是很红、绿色不是很绿，这种色彩风格从何而来？

鲍莺：我在上海市工艺美校读书的时候上过一门色彩课，当时读过一本《怎样画油画》。书上说：没有必要像照相机那样去记录色彩，绘画的色彩应该是主观的。我有一种顿悟的感觉，后来就在实践中逐渐找到了自己的色彩偏好。你所说的“绿不太绿，红不太红”的朦胧效果，比较能体现我想要表达的情绪。

上观：在您的作品中既能看到工笔的细腻，又能感受到写意的洒脱。您对这两种画法的运用有哪些心得？

鲍莺：中国画无论是工笔还是写意，都带有一定的写意性。我从大学时代开始就画过很多工笔画，但我对那种制作性很强的工笔画并不感兴趣。于是我尝试从熟纸上的没骨画法进入到生宣上的没骨画法。在生宣上画画有一种生发感，很随性，难以完全把控，所谓“神来之笔”是一种玄妙的境界。

这些年来，我从工笔到写意，再回到工笔，又回到写意，在两者之间不断切换，并通过对细节的刻画，努力让画面呈现一种可看性。

上观：写意和写实其实并不矛盾。

鲍莺：是的，历史上那些看似随性的文人画大写意其实也是讲究细节的，比如齐白石笔下的草虫，甚至徐渭的墨色中也有非常丰富的变化。

我画的小写意，其实是介于中西之间的，虽然是中国画，但也会运用一些西方的绘画元素，比如画面的构成、点彩派的笔法，甚至还有符号化的元素。

无论是写实还是写意、传统还是当代，我都不会为此而纠结。我希望能够超越技术层面的派别之见，最终通过画面表达我的思想与情感。

鲍莺 《乐园》 2010年

画让人看不透的画

上观：这次画展是对您20年绘画历程的一次回望。20年前刚进入上海中国画院的时候，您曾感到一种无形的压力，后来是如何找到自己的绘画语言的？

鲍莺：20年前，我有幸进入上海中国画院成为画师，面对那么多前辈大家，我确实感到了巨大的压力——站在这个队伍最后的我，怎么让自己跟上？

当时我的内心还常常有一种拉扯感：一边是伟大的传统，一边是自由表达的欲望。一边画着工笔，一边又向往写意。传统是翻不过的大山，而现实又是必须穿越的森林。

每当我在创作上跨出一步，就会产生自我怀疑，这样画对不对？于是就往回退一点，然后再鼓起勇气向前一步。

现在回想，这种反反复复的自我怀疑何尝不是一种锤炼？我选择的绘画形式、语言、技法、内容是不是真的契合我的艺术理念？这是需要不断审视与探索的。因为不是每一次新的尝试，都真的适合自己。

上观：您的艺术理想是什么？

鲍莺：这些年虽然一直在自我怀疑与审视中前行，但我的艺术理想一直没有变——希望我的画能够治愈人心，也治愈我自己。

绘画的过程，其实是找寻自我的过程，回望这20年来的创作，虽然辛苦却乐在其中，我庆幸自己内心始终有一种定力。《故乡的路》《希望》等不少作品，当时一画就是半年，甚至更长时间，但画完之后，我获得了一种精神的愉悦，也积累了自信，让我相信自己可以战胜眼前的艰难。

鲍莺 《没有围墙的音乐殿堂——上海音乐学院》2022

上观：您有多件作品曾入选上海市重大主题美术创作项目，但您的主题创作似乎并不走寻常路。

鲍莺：我在一些主题创作上并没有表现鲜明的“主题”，甚至有点“借题发挥”，把自己的视角与个性融入其中。画画必须要有真情实感，才有可能治愈人心，而艺术的力量正在于此。

我相信，绘画应该是充满人文关怀的艺术，是见古人、见造化、见自己、见众生，不断晋级的过程。从临摹古人开始打基础，然后对自然写生，再到表达自我，心怀大众。我现在还远远没有达到最高的境界，但我希望有一天能够为观众提供一些解决问题的灵感。

上观：艺术真能成为人生的“解药”吗？

鲍莺：曾经有一位朋友对我说：“你们总是把自己的喜怒哀乐倾注在艺术作品里，传递给观众，但并没有提出解决方案。”这句话对我触动很大。

提出解决方案，并不等于强加一些东西给观众。我想画的，是让观众一眼看不透的画，看上去不是那么直白，但能让人产生联想。因为只有产生联想，才有可能治愈心灵。

所以我会把我想要表现的内容聚集在一起，先浓缩，再磨平、淡化，让观众获得感受与想象的空间。

鲍莺 《城市山民》2021年

重新思考绘画的意义

上观：您的目光似乎一直没有离开过这座城市，花与建筑的呼应、人与建筑的互动，都在您的笔下流露。

鲍莺：我很喜欢一句话：大隐隐于市。我一直在用他者的视角观察城市的变化和城市人的生活。真实的生活可能比戏剧更戏剧，有时候提炼出来会很有画面感。

我画的花观众可能都很熟悉，但又觉得不是很像，原因就在于我把一些细节剥离了。我画城市题材也是如此，高速公路也好，篱笆也好，你仔细看就会发现和实物并不完全相同。

《隔》之三 2019年

上观：在这次展览中，您拍摄的短视频《隔》与您的水墨画《隔》系列相呼应，为什么会做这样的尝试？

鲍莺：绘画作为平面艺术更擅长表达一种情绪的切面，如同一个被定格的电影画面。而表达更为复杂的情感或者观念，则是电影所擅长的。

在如今这个AI时代，我们身处的环境和过去大不相同了。一幅画无论是挂在家里，还是在美术馆里，它的意义何在？或许是需要重新思考的。

我拍摄短视频《隔》是希望借此带给观众一些有关人生与情感的联想。我也很好奇，当观众把视频和水墨画对照起来看，会更喜欢哪一种形式。

上观：除了传统绘画，您也喜欢摄影及数字艺术？

鲍莺：是的，我不排斥各种艺术形式的尝试。在这次展览中观众还会看到我新创作的马年装置作品，是我用丙烯马克笔画的。

上观：展览中还有一件特别的点题之作“花开有时”，通过这件数字交互作品，您想表达什么？

鲍莺：这是一件与观众互动的数字艺术作品，我用工笔的手法画了一只绣球花插在水杯里，花瓣会“感知”观众的声音，然后进行飘散或聚合。我想借此探索传统工笔画在当下的可能性。

我相信，中国画在AI时代也能够充满生命力。我想在延续传统绘画思想与审美的前提下，运用各种新科技来重新演绎传统，让中国笔墨插上想象的翅膀，幻化成时代的表达。

鲍莺在创作《溪山图》

保持内心的澄明

1970年，鲍莺生于上海。儿时，她的窗外有一片遮天蔽日的梧桐树。她常常望着窗外，想象着小精灵在枝杈间演绎有趣的故事。多年后，她画室的窗外，也有这样一片繁茂的梧桐树，她用画笔描绘了这番景象。

上高中时，刘小枫的《诗化哲学》偶然间开启了鲍莺对世界的思考。书中对人生之谜的诗化解答，让她向往精神的自由。“用诗意消解理性的异化，实现人与自然及自我的和解”“保持内心澄明的世界，以审美救赎现代人的精神困境”，这些语句如种子一般植入了青春的灵魂。

从上海市工艺美校的科班启蒙，到上海大学上海美术学院的专业深造，再到进入上海中国画院工作，鲍莺一直在画生活中点点滴滴的感受，画对人生的思考、对生活的祝福。她把画画视作一种诗意的表达、自我完善的途径，以及那条通往澄明世界的阶梯。

鲍莺钟情于没骨画法，却不追求纯粹的工笔，她的画面中既有工笔画的细致和重重叠叠，又有逸笔的随性。在色彩上，她借鉴了印象派绘画的用色，却回避光影和立体的塑造，更回避了焦点透视的运用。因为如实地记录客观世界并非她的本意，她的画并不是真实物象的图解，而是一种情绪的发散、想象的引导，她希望观众看了她的画能想想自己的心事，甚至是发呆。

鲍莺 《法国鸢尾》 2021年

24岁那年，鲍莺凭借作品《流光》入选第八届全国美展。10年后，作品《横溪》获第十届全国美展优秀奖、上海美术大展优秀奖。此后，她又有多件作品入选全国美展。

她说，自己是幸运的，成为上海中国画院的画师，让她内心有一种使命感和秩序感，而最幸运之处就是她能始终遵从自己的内心进行创作。

“人一旦觉得一件事情没有意义，是做不下去的。”她对记者说，“我庆幸自己的内心始终是坚定的，没有迎合市场，而是画自己想画的画，用画说话。”

鲍莺喜欢画绣球花，花间偶有蝴蝶飞过。绣球象征着一个纷繁复杂的世界，同时寓意希望与光明。蝴蝶由蛹羽化蜕变而来，每一步艰辛都是其破茧成蝶的养料。蝴蝶也恰如她的内心，向往自由却并不期冀成为老鹰那般的猛禽。

原标题：《专访画家鲍莺：见古人，见造化，见自己，见众生》

栏目主编：龚丹韵

来源：作者：解放日报 陈俊珺