SEEWELL访谈 | “游园物语” · 张依楠：小时候的记忆，是闪烁的星星

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对80后来说，红白机、街机的游戏角色和像素风的视觉经验格外熟悉。“游园物语——中日韩潮流艺术展”的参展艺术家张依楠，利用这些童年的记忆结合当下喜好的潮流元素进行创作，形成独一无二的艺术作品。

正如前言中，梦话所说的：“ 张依楠将冰激凌、像素风、安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的美元符号等毫无关联的潮流元素植入画面，产生了一种融洽的冲突感。他拒绝物质与物质之间的联系，反叛又自由。镜面作为他独特的视觉符号，将现实世界与创作世界串联，画面中的游戏人生也是他现实生活中的游戏人生。”

此篇访谈中，我们与张依楠谈到他的童年记忆、创作经历、东亚三国（中、日、韩）的潮流艺术关系和潮流文化未来的发展趋势，挖掘艺术家创作背后的故事。

“游园物语——中日韩潮流艺术展”访谈

采访者（Q）：张梦华

受访者（A）：张依楠

Q： 了解到您大学是学油画的，是什么样的契机让您开始尝试制作拼贴作品？

A : 我最早接触到拼接是在高中。当时有一门专业课是上拼贴创作，我们用了杂志作为素材来进行拼贴，这是算对拼贴艺术的第一个初步接触和拼贴作品的尝试，当时的整个创作状态出奇的好，用这种状态做创作我觉得很自由。

张依楠 《FRSH MEAT》 2011

张依楠 《大观园》 2018

张依楠 《生命不能承受之轻》 2018

Q:在2020年的时候，什么样的契机让您的创作方向往数字艺术上转变了？

A：我早期的拼贴艺术其实都是做成电脑稿，然后由不同的团队帮我进行综合材料的再创作。随着大众对数字艺术、数码版画的接受度越来越高，我开始把我的这些拼贴原稿作为数码版画的方式来开始进行销售，是这样的一个契机。

张依楠 2019-2020作品展示

Q：您在“游园物语”展出的每一幅作品都有用到镜面的元素，这个材质对您有什么特别的含义吗？

A：艺术家或创作者本身，就是一个实践者。在我最早做拼贴系列作品时，有一个《甜甜圈》的系列，它的中央是镂空的。这个系列的1.0版本在展陈时，我觉得它有一些突兀，于是就尝试在其中央加一面镜子。通过1.0、2.0、3.0的升级之后，整个《甜甜圈》系列就都通过镜面的方式去呈现。

同时，传统的艺术作品都是中间是构图，外部是装裱。我的作品一直强调观众和我的互动性，那么我当时就提出一个概念：把画面中央留给观众，观众才是主体。然后再把我想说的话、我的一些记忆碎片放在镜子的周围进行呈现。

《甜甜圈》系列作品 1.0版本

《甜甜圈》系列作品 2.0版本

《甜甜圈》系列作品 3.0版本

Q：像素风也是您创作中的一个特点，为什么采用像素的感觉进行呈现？

A： 像素风是用矩阵的方式来进行呈现。当图片放大之后，会产生一定的模糊，模糊会造成一种不清晰的状态。但是当照片放大到更大之后，却变得更加肯定。因为每一个方格、每一个像素会组成自己的一个画面。在我学习传统绘画时，从小稿放到大稿会有一个九宫格的放大作品方式，简单来说就是用3×4或不同的纵向和横向的方格，将小样的作品放大到大型的油画布上。所以对于我来说，矩阵式的像素化会给我安全感，同时我觉得像素的呈现也是非常有趣的，具有很强的灵动性，这是像素比较打动我的部分。

Q：像素跟您童年的视觉经验有联系吗？

A： 会有。因为以前的电视机它不会像现在这么高清，所以我所认识的原来的世界就是像素化的。没有后期这些非常高清的游戏版本出现的时候，我们对于游戏的认知就是这种电子化的、以颗粒化的方式来进行呈现的。所以像《魂斗罗》、《坦克》、《飞机大战》这些游戏，它对于我来说都是小时候的记忆，我把它形容成一种闪烁的星星或者波光粼粼的光的感觉。

Q：您的作品中出现了安迪·沃霍尔的美金、招财猫、魂斗罗、多啦A梦等各种看上去似乎没有太多关联的元素，为什么会想要将这些元素放到一幅作品里进行呈现？是否想要表达一些意想不到的冲撞感？

A：你刚才所说到的安迪·沃霍尔等这些元素，对大部分学习过美术的人来说，这些美术史上非常有名的符号化的东西都是非常熟悉的。对我而言，我一直在做的是挑战视觉的陌生感、突兀感，同时又会有一些碰撞火花。我的《甜蜜蜜》系列和《Good Luck》系列，它的外形就是大家所熟悉的金汤宝罐子的外形。画面的中央会呈现大家所熟悉的数字货币、比特币和米老鼠这样大家很熟悉的动漫形象。

《Good Luck》的创作灵感还蛮有意思。是在某一天晚上，我跟一个朋友吃完饭散步回家，聊到安迪·沃霍尔的美金版本中，哪个视觉形式是最好看，讨论的结果是觉得“$”的绿色呈现方式最好看。

同时，眼睛是我在作品当中一直在表达、在呈现的一个出口，所以在我的作品《眼里有光》或者《眼不见为净》系列中，你会看到在米奇的眼睛当中就出现了安迪·沃霍尔的“$”，去呈现一种纸醉金迷的感觉。

《眼不见为净》系列作品

《眼里有光》系列作品

Q：接下来有没有什么新的创作方向呢？

A：因为“游园物语”这次展览开幕，我来了福州三天，感触还蛮深的。福州我第一次来，这个城市能让我慢下来。回到上海工作室之后，将原来收集的Art Deco（装饰主义）建筑当中的一些元件进行梳理，梳理成自己的一个形状、建筑形式或是说张依楠的特殊形态的这样的一个语言。它最终的呈现可能是在绘画 上，可能是在装置作品上，也有可能在雕塑上。

与此同时我也在进行一些数字编程及AI生成的尝试。我现在在学一个叫TD的软件，它是将不同的元件拼合，最后组成一个触控动态影像。

我觉得艺术创作其实也是一样的，我作为一个积累者也好、播种者也好，更多其实是在做事情的准备，比如将建筑的元件用 AI进行生成，以及一些作品的互动形式尝试、或是代码艺术的尝试 。 我现在在进行系统地学习，最终呈现的作品暂时也是未知，但我很期待通过这种方式去碰撞出一些有趣的反应。

Q：我们本次展览“游园物语”意在探讨东亚国家潮流艺术的发展趋势，您认为东亚国家的潮流艺术是否是互相影响、和谐共生？其发展的异同点在哪里？

A：这个部分也是我一直在思考的。

本次参展艺术家李庆美她本身是一个基督教徒，所以她的创作中有呈现对于宗教的关注，同时也有对她生活的关注，像《Nana的宇宙》系列和《气球》系列，她以这种方式来怀念自己的亲人。同样的，北林南的作品当中有丛林、海洋、人物，也是大家所熟悉的视觉。

从这个切入点来看，我觉得大家都在做一件相同的事，就是大家都在表达自己的“乡愁”。这种“乡愁”是每个人内心深处最基础的东西。乡愁的组成可能来源于故乡的记忆、成长的环境或是一位故人。通过乡愁构成了这三位艺术家的共情的部分，也是与观众最直接的联系的部分。大家都会在李庆美的作品当中想到自己的童年；看到Nana会想到自己收养的流浪猫或者自己的小宠物，这都是共同的记忆。不论是艺术家也好，还是观众也好，大家都在用这种方式来进行自我治愈。

Q：您认为潮流艺术未来的发展趋势是？

A：我分别从两个方面看待这个问题。

第一个方面，我会去考虑潮流艺术视觉呈现的状态，比如说它会是绘画、或是雕塑等等。它最终给人的感觉如果是纯符号化的，那大家会对于这种视觉有些疲劳。这也是蛮矛盾的，它既强调符号化，又是去符号化的；即强调资本主义的状态，同时又是反资本主义状态的。但是我觉得，由于现在受众群体的更迭和区别，大家对于自我关注都在不断的强化，所以从视觉的呈现的结果来看，我觉得它是更提倡有未来主义的陌生感的。

而第二个方面，从作品的结果定向来说，大家更希望其在线上作品或数字作品本身有更多的呈现。但我觉得在一段时间内，视觉形式会是未来主义的状态，但呈现方式还是会以实体的绘画和雕塑。

“游园物语——中日韩潮流艺术展”展览现场

摄影 | 池越悦

编辑&排版 | 张梦华

作品图片由艺术家提供

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