假装文艺的电锯人，为动画找回尊严

作者 / 千鳥足

编辑 / Pel

排版 / Rinz

“‘电影感’并没有被完全放弃，不妨说中山龙尝试将《电锯人》打造成写实文艺片，而吉原达矢则把《蕾塞篇》调整为更‘藤本树’的B级片。”

12 月 9 日，《电锯人剧场版：蕾塞篇》终于在万众瞩目中登陆流媒体平台，收获如潮好评。

这部制作成本约10亿日元的动画，自九月上映院线以来已狂揽250亿日元票房；其口碑一路飙升，冲入Bangumi排行榜第70名，在MyAnimeList更是达到了惊人的第2名。（截至1月9日）

在动画学术趴年度最佳动画电影人气票选中，它也拔得头筹——《蕾塞篇》能在极短的曝光时间内获得如此惊人的反响，既因为过硬的质量，也因为其先天自带的流量。

2022年，《电锯人》TV版甫一播出便饱受批评，监督中山龙的争议性发言也被推上风口浪尖——他曾宣称TV版将是很有“电影感”的作品，漫画式的表现则要“全部剔除”。而《电锯人》最终以1735卷的BD销量惨淡收场（同期的《孤独摇滚》有16793卷），中山龙也因此被打成“甲级战犯”。

在此背景下，《蕾塞篇》的上映便不仅是剧情的延续，更是基于TV版展开的“修正”实验。从结果上看，这场实验显然是成功的，舆论也乐于将成功归结于作品的“临阵换帅”——《蕾塞篇》的监督由中山龙换成吉原达矢。

但这究竟带来了什么不同？它是《蕾塞篇》能够一雪前耻的唯一原因吗？当它以电影的形式赢得巨大成功时，它营造的是怎样的“电影感”？

本文将从视觉语言、文本叙事和声音设计的角度，探讨《蕾塞篇》做出的改变和创新。

01

视觉

要讨论《蕾塞篇》的改动，首先要解构TV版争议的核心——中山龙的导演方法论。

中山龙试图在TV版中践行一种激进的“去动画”策略。

他曾在访谈中直言作品“不要太有动画质感”、“漫画式的东西用漫画来享受就好了”、“在作品里加入写实感和电影感的精髓的话，就会变成很有趣的作品吧”。

于是TV版便出现了大量漫反射光照和低饱和度色彩，画面构图也更近似实拍电影。这种处理方式虽然赋予了画面一种沉稳的质感，但却牺牲了原作中高对比度的视觉冲击力。

第一卷封面、漫画彩页与动画对比

该策略的另一处表现，是对动作真实性的苛求。

中山龙还提到“不需要特意去描绘非常猎奇的东西，只是展现实际会看到的情形”。然而《电锯人》广受赞誉的一大亮点恰恰在其夸张荒诞的表现，因此中山龙的主张显然与观众的设想背道而驰，他把生产力着重用于描绘人物的日常动作，控制了打斗场景的表现，堪称“好钢用在刀把上”。

只是，TV版打斗场景的制作似乎还受到场外因素的限制。中山龙提到，TV版在电视上播出，无法筛选广泛的受众，因此有必要合理调整视觉表现、避免画面引起观众不满——从他的角度看，或许具有分级制度的电影本就更适合《电锯人》的发挥。

在电次变身电锯人的场面中，动画版构图更加松散，压迫感相对弱

我们也确实能够看到，《蕾塞篇》在视觉上采用了更加自由的表达方式，它不追求物理上的绝对正确，而致力于更纯粹的视觉冲击。

影片中，对魔特异课对战蕾塞和台风恶魔的场景集中展现了这一特点。监督吉原达矢在访谈中提到，他要求这一段“将动作表现再提升两到三档”：这一段的战斗场景更具表现主义色彩，原本精准克制的线条变得粗粝奔放，画面也会在情绪高潮处发生形变。

同时，该作的配色饱和度更高，更接近原作封面的波普风格，画面调色也更情绪化。吉原达矢明确提出要让角色形象更符合原作，因此调整了帕瓦和玛奇玛的发色和眼神高光。

左TV版 右剧场版

对于本片极具特色的爆炸场景，吉原在常见的爆炸色（橙色和黄色）中选取了更鲜明的色调，并会根据场景的需要对爆炸效果适当调色，避免观众产生审美疲劳。

常规的爆炸色更加鲜明

战斗时的爆炸颜色更加丰富，使场景炫目华丽

可以说，以上这两点处理使《蕾塞篇》的视觉风格更接近于漫画，充分还原甚至放大了原作看似潦草、表现力却很强的特点，也回应了观众的期待。

新释出的刺客篇pv高度复刻了漫画原封面，也表现出对这一策略的延续

但需要说明，吉原达矢并没有将TV版的制作方法全盘否定，我们仍然能在《蕾塞篇》中看到中山龙的痕迹：影片中部分画面颇具实拍手持镜头特有的运动感；即便“电影感”一词饱受争议，影片强烈的迷影特质也并未因此削弱；而无论是本片的色彩脚本师RIKKU，还是吉原达矢点名表扬的主动画师庄一，都是中山龙培养出的新锐力量。

“电影感”并没有被完全放弃，不妨说中山龙尝试将《电锯人》打造成写实文艺片，而吉原达矢则把《蕾塞篇》调整为更“藤本树”的B级片。

02

叙事

除去令人大饱眼福的战斗场面，《蕾塞篇》的另一大亮点在于其优秀的叙事。

在原作中，蕾塞与电次的邂逅堪称最具浪漫色彩与悲剧张力的篇章之一，动人的故事基底已经能使《蕾塞篇》的制作赢在起跑线上。更加如虎添翼的是，这段故事找到了最适合它的影视改编体裁——电影。

在影视创作中，一部作品的篇幅长短与其故事内容高度关联且相互影响。若我们将影视体裁简单分为剧集和电影（包括短片）两大类，便能够发现二者在剧本创作上的侧重各有不同。

前者体量大、能够传递更丰富的内容；其故事以“集”为单位组成，观看上有断裂感，无论是各自独立的单元剧还是层层推进的连续剧，都需要在时间较短的“一集”中讲好一个或几个相对完整的小情节（包括抛出悬念），切忌戛然而止；而后者体量较小，适合观众一气呵成地看完，往往讲求用较长的单位时间讲一个完整的故事。

示意图由Nano Banana辅助生成

在此基础上，我们对比《电锯人》TV版和《蕾塞篇》的叙事模式。

12集的TV版承载更长的时间线，呈现了原作1-5卷的内容，因此不免有篇幅要承担建制和过渡的作用，每集20分钟的长度也限制了改编自由：部分单集可供改编的原作情节较少，提前加入下一话的内容又有失故事的完整性，剧情节奏便容易出问题——在改编时合理调整原情节的先后顺序或适当加入原创内容是避免此状况的良好手段，但这似乎并未在TV版中得到有效运用。可以说，TV版的高潮段落本就不够饱和，配上相对沉闷的观感，更让薄弱的剧情雪上加霜。

相对地，漫画中的“蕾塞篇”是一个长度适中、剧情相对独立、起承转合结构完整的故事，它的体量改编成电影再合适不过。《蕾塞篇》的剧情设计和时长分配也向我们证明：本次的脚本团队充分意识到了这段故事与电影体裁的适配性，并成功地将原作改编成了一个非常工整的三幕式电影。

在剧作法中，我们一般认为一部三幕式电影时长100-110分钟，第一幕和第三幕各占25分钟，第二幕则有50-60分钟。其中重要的剧情节点往往有特定的出现时间，它们可能会因为具体情节而提前或延迟出现，但误差基本不超过10分钟。

此处借用了《救猫咪》的剧作节拍理论，该理论固然在剧作界存在一定争议，但确是帮助我们分析大部分商业剧本的有效工具

就影片具体而言，本片全长100分钟，第15分钟蕾塞正式出场（催化事件）；第25分钟电次答应和蕾塞去学校，对玛奇玛的痴迷产生动摇（进入第二幕）；第48分钟蕾塞咬断电次的舌头，剧情急转直下（中点）；第76分钟电次身处坠楼边缘，蕾塞说出“是时候结束一切”（一无所有）。

因此，《蕾塞篇》固然是充满“血色浪漫”和自由想象的故事，但如果仔细分析，这段疯狂故事实质上有一套精密的剧作逻辑在支撑其运转，这同样是不能忽略的。

如将近期同样火爆的《鬼灭之刃：无限城篇第一章》与《蕾塞篇》进行对比，这点就会更加明显。

《无限城篇》的原作篇幅极长，每场战役几乎同时展开，前后缺乏剧情承接关系，更多是因观察视角的限制而不得不分开叙述，这导致电影改编时更难编排情绪和冲突的起伏，影片结尾也有强烈的未完成感：比起看“完”一部电影，观众更像是不间断地看了许多集番剧。

此外，剧场版还对漫画的未尽之处做了充分的发挥，在忠实还原剧情的同时，对关键场景进行了细腻的原创扩充，感官刺激和浪漫氛围都得到了放大。

泳池段落堪称这方面的代表。从篇幅和分镜上看，蕾塞教电次游泳的情节在漫画原作中的重要性并不是最高，剧情功能也更偏向“卖福利”，但该情节在剧场版中的呈现却堪称惊艳，甚至成为了全片最重要的高光段落之一。

该段落的展开始于场景切换，蕾塞邀请电次“去凉快一下”，二人从教室来到泳池。在漫画中，这一页更侧重于描绘电次对“好生活”的困惑和纠结，甚至用三格连贯描绘了电次低头思考的动作，而蕾塞没有动作和表情，她发出邀请仿佛也只是为了“推动剧情”。

但剧场版显著提高了蕾塞的主动性，电次的动作远离画面中心，取而代之的是蕾塞在思考时的特写镜头，随后，蕾塞把手撑在桌上，俯身到电次耳边对他发出邀请：这让漫画里漂浮在空中的台词被骤然拉到了两人极小的社交距离中，不仅强调了蕾塞的引诱动作，也提前制造了暧昧的氛围。

此后原作以一个较大的画格来交代泳池的全景信息，而剧场版却选择先用四个镜头分别展示场景中的不同细节：

首先呈现水面和蕾塞的倒影，她拨弄池水的动作又一次强调了她的主导地位；两个空镜头渲染静谧氛围；一个蜘蛛织网的镜头暗示危机潜藏。在这里，比起交代信息，剧场版更想要塑造场景中的神秘吸引力。

此外，剧场版还将电次挣扎的心理活动风格化，强调其内心的摇摆。他的紧张表情和蕾塞的邀请反复形成对照，更凸显二人之间的情感拉锯。

正是在这样的铺垫下，电次下定决心跳入水中的动作才尽显释放和升华——段落由此走向情绪高潮，二人沉浮于水面上下追逐嬉戏，结合愈发抒情的配乐，呈现出前所未有的“纯爱”。

而以上镜头又与蜘蛛捕食飞蛾的镜头交叉剪接，营造出既危险却让人难以自拔的浪漫氛围。

通过对原有内容的补足和重新开发，泳池段落得以从一个福利桥段提升为暗喻两人关系、增强影片悲剧色彩的重要段落，这同样体现出了《蕾塞篇》在改编技巧上的出色之处。

03

声音

需要承认，泳池段落的成功还要得益于当段配乐《In the Pool》，进一步说，配乐整体质量的大幅提升对整部影片的成功都有重要作用。

作为近年来炙手可热的动画配乐家，牛尾宪辅在《电锯人》TV版中的表现有些不尽人意。观众的主要批评包括但不限于“音画不匹配/音乐节奏和画面动作不同”、“音乐放一段停一段”、“燃不起来”等等。

当然，以上问题并不能归咎于牛尾一人。在接受杂志《Quick Japan》的采访时，牛尾宪辅提到，自己的创作需要高度配合导演的意图和视觉风格：

中山龙对音乐的要求非常明确，他不想要每个角色都拥有色彩鲜明的主题曲，当牛尾提议使用更加抓耳的旋律时，他常常会摇头反对，最终牛尾选择让观众“通过音色和音调来感受情感，而非仅仅通过旋律本身”。

但在中山龙的干预下，TV版的OST似乎并没有达到预想的艺术效果：整张专辑有较为明确的核心概念，听感上却相对单调；许多曲目的情绪色彩不强，也不如观众所预想的那样“邪道”，部分曲目甚至燃得有些“王道”。

而《蕾塞篇》的音乐制作则走向了相反的方向。剧场版的OST在情感表达上更加大胆和饱满，承载的情绪种类也更为多元：

《Stroke of Genius》诙谐幽默、《Our Film》柔和暧昧、《In the Pool》浪漫抒情、《Parallel Lines》紧张悬疑——几乎每一首配乐都有鲜明的风格和色彩，使人只是聆听音乐就能回忆起相应的画面。

而战斗场面的配乐有尤其明显的进步：摆脱“写实感”的限制后，牛尾宪辅能够放开手脚地使用本就“不那么写实”的合成器。在鼓机和噪音采样的加成下，相应曲目的电子风格和非常规特质大大突显，在充分渲染战斗激烈氛围的同时又极富动感。

当然，《蕾塞篇》的OST远不止电子音乐一种风格。牛尾宪辅自幼学习钢琴，具有扎实的古典音乐基础，又从初中时开始自学混音，跨界背景使他尤其擅长融合不同风格的音乐，增加多元的质感。

因此，在电子风格之外，影片配乐还呈现出古典音乐的色彩。牛尾宪辅在访谈中提到，对于《电锯人》来说，“蕾塞篇”难得涉及到了“初恋”和“夏天”这样转瞬即逝的主题，很适合用古典风格来表现。

前文提到的《In the Pool》是这其中的代表，这首配乐几乎全部由原声乐器演奏：首先由钢琴引入主旋律，弦乐和管乐次第加入；当音乐推至高潮部分时，多声部的弦乐极尽抒情，配以长笛应和衬托，更显如怨如慕；进入尾声时，钢琴回归，营造逐渐冰冷的氛围。

不同于战斗音乐的激情恣肆，这段音乐十分典雅，它精炼而生动地概括了蕾塞和电次之间动人而注定无果的复杂关系，为影片增加了浓烈的悲剧色彩。

值得补充的是，牛尾在创作《In the Pool》时特意借鉴了现代俄罗斯钢琴协奏曲的旋律特色，以呼应蕾塞的过往背景。而在影片末尾，当岸边向早川秋揭示蕾塞的真实身份时，背景播放的《The Secret》（旋律与蕾塞哼唱的俄语歌曲《ジェーンは教会で眠った》相同）亦有俄罗斯民谣风味。

在音乐之外，声优的表演策略也发生了变化。

TV版声优的表演相对克制，中山龙曾经提到，他之所以选择户谷菊之介作为电次的声优，正是因为他“演技中没有演的成分”，再次凸显了他对“写实”的追求；而吉原达矢则在剧场版明确地要求户谷“把脑袋放空一点，尤其是在战斗场面”。

由此，《蕾塞篇》的声优表演整体上更加放飞，这似乎也是为观众喜闻乐见的。

04

结语

现在，我们似乎可以尝试回答开头的问题。

导演的更换带来了什么不同？吉原达矢让《蕾塞篇》从写实主义转向了表现主义：

其色彩更加饱满明亮，并随人物的心情和场景氛围产生变化；其动作更显张力，不惜扭曲物理真实；其音乐更加情感浓烈，致力于将画面氛围推到极致。如果用吉原自己的话说，这部作品更像“漫画原著”。

那么，换导演是《蕾塞篇》逆转口碑的唯一原因吗？不完全是。

首先，《电锯人》的动画化没有采取“制作委员会”模式，而是几乎由Mappa独立开发，更自主的决策权使Mappa能够更快调整制作战略，吉原的迅速上台也得益于此。

其次，正如前文提到，中山龙的创作资产并没有被完全抹去，无论是他培养出的人才还是他的创作方针，都仍在《蕾塞篇》中发挥积极作用。

再次，《蕾塞篇》的剧情有其先天优势，这也为吉原的创作提供了很好的助推。

当然，我们还是可以说，吉原的执导是《蕾塞篇》成功的主要原因，可能也是话题度最高的原因。

再者，作为一部动画电影，《蕾塞篇》营造了怎样的“电影感”？

从字面上看，这问题很微妙，因为一部作品若要营造一种电影的“感觉”，恰恰说明它不是一部电影；而一部电影是不必费尽心思证明自己很有电影“感”的，就像我们不会说一个真正的生命栩栩“如生”。

这种微妙暗示着，我们口中的“电影”实际有双重含义：其一是作为叙事体量的电影，它关乎时长、节奏与结构；其二是作为狭义艺术门类的电影，它在当下的舆论场中往往指真人演出的实拍影像。从作品表现看，中山龙所推崇的“电影感”更偏向后者。

依据这样的标准，《蕾塞篇》天生符合前一条定义，而在内容上，它找回了更贴合原作的叙事调性，将独特的视听与动画的本体特色深度融合，并从中诞生出了独有的“尊严”——在电影面貌逐渐多元的今天，观众们之所以对《蕾塞篇》冠以“Absolute Cinema”的赞美，本质上是因为它带来了极致的视听体验，而非对原教旨主义写实的执念。

相对地，TV版缺少“尊严”吗？可以这么说。

当中山龙宣誓自己要做一部很有“电影感”的作品时，我们不难想象他心中的洋洋得意，而这恰恰暗示着一种“文化自卑”的心理：在媒介鄙视链中，动画似乎天生处于低位，需要借用看似层级更高的实拍电影来为自己贴金；反过来说，我们并不会“夸赞”一部实拍电影很有“动画感”。

中山龙在TV版中对“电影感”的偏执追求，就像是试图跨越鄙视链的影像实验，却因对原作气质的转译偏差，误将“克制写实”等同于“高级”，从而牺牲了动画媒介最宝贵的生命力。

这绝不是说借鉴其他艺术/媒介就必然导致失败。需要看到，TV版虽然受到了许多核心粉丝的批评，但整体评价并没有那么糟糕，其电影化的实验依然在泛大众群体中得到了肯定。

在巴哈姆特和MyAnimeList上，TV版评价良好

进一步说，许多作品之所以成功，恰恰因为它对其他艺术形式保持了开放的姿态——与此同时又保持着自身的特质。

《孤独摇滚》用多种艺术形式丰富自己的演出，但它从不否认自己是一部动画

或许，我们当然应该警惕那种偷懒式的鄙视链崇拜，但也无需以“圣洁卫道士”的心态排斥媒介间的交融探索。当一部作品不再处心积虑地证明自己“像”什么时，它才真正知道自己“是”什么。

好的作品不会在纷繁的标签中迷失，反而会找到更属于自己的表达形式：它只需像《蕾塞篇》这样，在浪漫与血腥的交织中，诚实地演绎出那份独属于藤本树的、自由且癫狂的创作灵魂。

参考资料

1. Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc - Box Office Mojohttps://www.boxofficemojo.com/title/tt30472557/?ref_=bo_se_r_1

2.アニメ『チェンソーマン』中山竜監督インタビュー「藤本タツキ先生の底知れなさ、テンションの高さ、あらゆる魅力を表現したい」。【アニメの話を聞きに行こう！】 | ゲーム・エンタメ最新情報のファミ通.comhttps://www.famitsu.com/news/202212/03284286.html

3.(2ページ目)「新しい人にお願いしたかった」アニメ『チェンソーマン』制作に込められたMAPPAの願い | 集英社オンライン | ニュースを本気で噛み砕けhttps://shueisha.online/articles/-/66777?disp=paging&page=2

4.Chainsaw Man : Reze Arc - Interview with Director Tatsuya Yoshihara and Assistant Director Makoto Nakazono

https://en.mantan-web.jp/e_article/20250919dog00m200000000c.html

5.アニメ『チェンソーマン』から解題する劇伴のクリエイティブ、音楽家・牛尾憲輔が語る - QJWeb クイック・ジャパン ウェブhttps://qjweb.jp/feature/81444/

6.劇場版「チェンソーマン レゼ篇」牛尾憲輔インタビュー｜「レゼ篇」劇伴に宿した“振り幅のダイナミクス” - 音楽ナタリー 特集・インタビューhttps://natalie.mu/music/pp/chainsawman-reze03

— 点击图片阅读更多精彩内容 —

入手小说故事集，把《苏丹的游戏》捧在手心