五官乱飞、演啥毁啥，《新闻女王2》这位“戏混子”，该醒醒了！

一部开播便引爆争议的续作，焦点迅速飘向演员与呈现。

据行业观察与公开信息，续集在关键环节做了明显取舍。

马国明与原有角色的延续被中断，换角、场景调整以及商业考量同时入场，牵动着整部剧的叙事走向；我觉得这些变化不是孤立的决策，而是制作方在市场压力与艺术诉求之间进行权衡的结果。

综观全局，观众的期待基于第一季所建立的情感记忆，因而任何权衡的失衡都有可能产生连锁冲击；这是为什么呢？

难道不是观众对角色一致性的要求更高吗？

说白了，换人没错，关键是怎么把角色重新做回形状。

看表演。

古肇华这个角色本应是一个有策略、沉稳的高层，宛如一枚棋子里藏着整盘局的棋手。

现在的表演倾向外显，面部动作与小动作被放大，导致权威感被稀释。

仔细想想——一场会议里的一个沉默，比连续几句高调的表情更能说明问题。

相比之下，第一季里对手戏的张力来自于细节的节制与眼神的博弈，那是用静态牵动观众情绪的方式；而当前的表现更像是把角色的内核换成了个人标签，结果天差地别。

个人认为，表演风格与角色定位不匹配，直接牵动了观众对整部剧的感受。

确实，制作选择也有其商业逻辑。

为了扩大覆盖，部分场景向内地视觉习惯靠拢，选角时把流量值列为重要参考，类似于许多合作项目里的常见做法。

面对市场这一现实，制作方采取了短期可见的策略：用更高的关注度换取更宽的流量入口。

换个角度来看，这种做法未必不能奏效，但前提是不丢掉作品的职业诚意与叙事核心。

换做现在，不少观众会在细节处察觉到那种被“迁就”的痕迹，从而对整部剧产生怀疑与失落。

商业植入的密度也在影响观剧体验。

画面频繁放大品牌或商品，观众的沉浸感被拉扯；像是在看新闻背后的职场故事，结果却被不断插入的商品镜头割裂情绪链条。

真没想到，镜头语言会在不经意间成为“带货平台”的延伸。

有人会问：难道不能把植入做得更自然吗？

难道不是应该把故事放在第一位？

我觉得这是一个值得反思的地方，毕竟广告与叙事的边界一旦模糊，作品的核心价值就会被削弱。

再说叙事与观众期望的错位。

第一季建立的情感联结、对新闻职业理想的刻画以及职场现实的讲述，构成了观众的核心记忆。

续集中，若没有将这些核心继续耕耘，而是把重点放在短期话题热度与商业回报上，观众便会感到被背弃。

细细品味，这不是单纯的口碑问题，而是信任的裂隙；观众不会轻易忘却那种把角色当作“活着的存在”去演的诚意。

换个比喻：将一部剧的灵魂拿去换流量，就好比把老房子的梁柱拆掉再装饰门面，门面可以闪亮，房子却不稳。

行业层面的反思也值得注意。

影视制作在当下既要面对资本的追逐，也要对创作质量负责。

综观全局，若每次都以关注度作为第一准则，长此以往，作品的长期竞争力会被侵蚀。

依我之见，制作方可以在几处入手：首先是角色与演员的适配必须先行，其次是表演导演要更注重细节指导，避免个人化表达过度扰动人物本质，再则是商业植入要做到不破坏镜头节奏，最后是保持与观众的沟通与调整机制。

仔细想想，这些都是可以做得到的改动，也并非牺牲商业目标的绝对代价。

观众的反馈不是无的放矢。

站在今天回头看，公众的批评既有情绪成分，也带着对行业生态的理性关切。

事实上，影视作品的信誉建立在一次次把角色当成生命去演的行为上；若这种行为被削弱，口碑便会呈现出累积性的下滑。

不得不说，当前的争议不仅仅是针对某个演员的表演，而是对一种趋势的警示：当“流量优先”替代“内容为王”时，整个类型都可能因此受损。

结语并非结论，但值得留意。

港剧的复兴需要时间，也需要回归到作品本身的打磨上。

观众不是无根的流量数字，是真实的审美群体。

若行业能够在市场与艺术之间找到新的平衡点，保住那份对职业真实的尊重和对角色生命的诚意，那么期待仍有可能变成现实。

换个角度，或许这次争议正好给了大家一个机会：重新审视什么是剧集最要紧的东西，重新思考该如何去守护。