第15届上海双年展开幕：花影之间，无处不在的倾听

11月7日，正是立冬时节，风伴着桂花的残香从黄浦江上吹来，弥漫在上海当代艺术博物馆（PSA）的展厅内外，第15届上海双年展“花儿听到蜜蜂了吗？”当天下午在此正式开幕。

日本艺术家山崎阿弥站在上海当代艺术博物馆高耸的空间中，开始了她的开幕演出，在《森之幻影》的黄花之中，发出第一声无词的吟唱。那声音在建筑中回旋。她闭上眼，倾听回声的方向，再以新的音高回应。

第15届上海双年展由主策展人凯蒂·斯科特（Kitty Scott）、联合策展人黛西·德罗齐埃（Daisy Desrosiers）与谭雪共同策划，这也是上海双年展历史上首度由女性领衔的策展团队，展览共呈现67位/组来自世界各地艺术家的逾250件作品，其中中国艺术家16位/组，新委任和新制作作品逾30件。

展览现场，阿洛拉和卡萨迪利亚（Allora & Calzadilla）作品《森之幻影》

“花儿能听见蜜蜂吗？”——这个近乎诗意的科学问题来自以色列特拉维夫大学的研究：花朵能“听”到蜜蜂振翅的频率，从而在几分钟内分泌出更甜的花蜜。这种跨物种的回应机制，成为策展团队的隐喻——艺术，正是人类与世界互相“听见”的方式。在展览媒体发布会上，策展团队一再强调“五感”的打开。

开幕现场来了40余位艺术家，这也是上海双年展迁入上海当代艺术博物馆后，参展艺术家最大一次团聚。

展览现场，梁慧圭作品

“我想本届主题面临的最大挑战是如何从已经形成的理念和研究之中抽离出来，去创造一种新的生命和创作结构。”上海当代艺术博物馆馆长龚彦在展览开幕仪式上说，“但在花园中，也许我们就很难区分自然和文化，生态和政治经济之间的边界，因为，那是充满着涌现、蜿蜒，重合，轮回，偶发、妥协，和共生共构的另外一个世界。”

如同中式文人庭院或日式回游式庭院，展览在不知不觉中徐徐展开。从植物的低语到城市的嗡鸣，从非人智慧到人类社会的能量流动。如同一场穿越视角、孕育着多元的感知的旅程，观者可自行探索与漫游，艺术作品如种子一般散播在上海当代艺术博物馆各处，每一次转折、每一次抬眼都展现出一种新的构图，演绎出艺术作品、建筑以及彼此之间的不断演变。

展览现场，弗朗西斯·埃利斯作品《儿童游戏》

花影之下，加勒比的风相遇上海光影

在上海当代艺术博物馆宽敞的大厅空间，数千朵悬吊在空中的人造花，仿佛一片失重的森林，瞬间把观众带入“花儿”的主题。这件名为《森之幻影》(2025年)的作品来自阿洛拉和卡萨迪利亚（Allora & Calzadilla），他们以回收塑料制成花朵，并将其置成树的形状，但没有树干、树叶和树枝，引发观众思考其失却的源头。

展览现场

作品选择了黄花风铃木，一种原生于加勒比的橡树品种。殖民时代以来，当地生态长期遭受掠夺，这些“漂浮的花”正是来自那片被砍伐、流离的土地。花朵的轻微摆动并非出自馆内空气流动，而是由加勒比海上信风的实时数据驱动——那股曾推动殖民船队横渡大西洋的信风，如今穿越数据网络，跨越万里抵达这个曾是发电厂的空间。

加勒比地区那片因过度砍伐而消失或从未真正长成的《森之幻影》，在这座建筑中绚丽绽放，营造出一种疏离感。

视频：日本艺术家山崎阿弥在《森之幻影》下带来开幕演出。(03:07)

日本艺术家山崎阿弥在《森之幻影》下带来开幕演出

一旁来自同一组艺术家由光线、声音、记忆构成的《浮影朦胧》(2020年)将一个影子投向墙面和地面，这一束光模仿了马提尼克岛阿布萨隆谷中的景象——阳光照射着森林，穿过树冠，透过林间缝隙，洒下光影点点。

1941年，艾梅·塞泽尔、苏珊娜·塞泽尔与流亡的超现实主义者们一道在这片林间穿行，逃离欧洲。他们短暂的相遇中，反殖民思想与诗意愿景交织在一起。虽然展览开幕时下着些许小雨，投影出的《浮影朦胧》若隐若现，可以想象，若是晴天，随着太阳在上海上空的位移，展厅里的光线也实时变化，将两个不同的地理区域汇入同一片光影空间。

当站在花影下、那片光影之中，似乎能感受到一种遥远的、历史的、无法命名的颤动。

展览现场，朦胧的《浮影朦胧》，这是一件容易错过的作品。

花影之下的“THE FORM OF THE FLOWER IS UNKNOWN TO THE SEED（种子不知花模样）”，是来自泰国艺术家里克力·提拉瓦尼（Rirkrit Tiravanija）的作品。它被书写在混凝土墙面上，像是偈语。

里克力·提拉瓦尼作品《THE FORM OF THE FLOWER IS UNKNOWN TO THE SEED（种子不知花模样）》

提拉瓦尼以“社会性行为艺术”闻名——他做饭、搭棚、组织交流，也创作简洁有力的文字。对他而言，这些句子就像是行驶在荒原上的路标，人们匆匆路过，是否被触动，全看它有没有闯入你的意识，就像人们穿着印着文字的T恤，却并不知道那意味着什么。

但在美术馆中，文字的意义却不这是匆匆一瞥，也成为一种哲学和观念的表达，据悉，未来展览现场还将设置了一个丝印站点，观众可以在工作人员帮助下，将他标志性的语句印在衣服上。

展览现场

图像之外，声音几乎无处不在

图像之外，在今年的上双中，声音几乎无处不在，它有时是孩童的歌声，有时是风的律动，有时，是被语言压抑的沉默；它潜伏在空气里、墙体里、呼吸之间，艺术家是从说话者也是聆听者，艺术创作从表达转向共振。

展览现场

冰岛艺术家拉格纳·基亚尔坦松（Ragnar Kjartansson）的影像作品《一个男孩，一个女孩，一丛灌木，一只小鸟》将声音置于废墟与浪漫的边界。他与友人在一座衰败的香蕉种植园内演奏，一首关于渴望的“口袋交响乐”在铁皮与管道间回荡。风声、金属的共振和人的吟唱交织成一种不稳定的旋律。它听上去像一场关于时间的哀歌。声音在这里不是音乐，而是一种存在的见证。

展览现场，拉格纳·基亚尔坦松（Ragnar Kjartansson）的影像作品《一个男孩，一个女孩，一丛灌木，一只小鸟》

相较之下，弗朗西斯·埃利斯（Francis Alÿs）的《儿童游戏》显得柔软而辽阔。屏幕环绕排列成一个声场，孩子们在喀布尔、哈瓦那或利马的街头奔跑、哼唱。游戏的节奏和口哨声、吹贝壳的声音形成了和声，那是一种非制度化的秩序，一种天然的合作。这似乎提醒我们，儿童游戏还存在着超越文化差异的相互完善。

展览现场，弗朗西斯·埃利斯作品《儿童游戏》

而在克里斯汀·孙·金（Christine Sun Kim）的墙绘《沉重的相关性》中，声音被彻底“抽离”。一条被四分音符拖拽下坠的五线谱横亘在上海当代艺术博物馆一整面展墙上，看似静默，却在视觉上构成了一种震动。她用手语的节奏去“重写”听觉的结构，观众在面对这面墙时，往往会下意识地屏住呼吸——那正是倾听的另一种姿态。

展览现场，后为克里斯汀·孙·金作品《沉重的相关性》；前为猪股亚希的作品《如何雕刻雕塑》。

阿尔瓦罗·巴林顿（Alvaro Barrington）的声音装置《回归故里/我说……即我在》，则让“听”回到身体、土地与归属的层面。展厅一楼，他用金属瓦楞板、再生木材与织物搭建了一间“小屋”。观众进入时，空气中飘荡着老式磁带播放的低沉乐音，木屋内部的画作描绘植物与海岸线，一台老式卡带收音机播放着《我说……即我在》（I said I am, I said）中的歌词，它既是一次在移动、迁徙中“我从何来”的追问，也带着归属感。

展览现场，阿尔瓦罗·巴林顿的小屋《回归故里/我说……即我在》

巴林顿出生于东加勒比海向风群岛最南端的格林纳达，他说：“我回到童年生活过的地方，才意识到音乐、建筑和语言早已构成了我的身体。”他的作品让观众坐下来，在由石头制成的雕塑座椅上，听那一首首漂浮的声音如何走进记忆里。那一刻，倾听不再是被动的行为，而是一种积极的、交互的实践。

在“花儿听到蜜蜂了吗？”的主题中，声音在不经意的地方进入耳朵，或起伏跌宕，或浅吟低语，或悄无声息，需要通过观者的切身的体悟去慢慢发现。

展览现场

亚洲视角下的人与自然

在展览的场域中，“倾听”的不仅是艺术家预设的声音，更是生命的各种形式。聆听共生的世界。在这个过程中，亚洲艺术家们的作品，提供了另一种理解“倾听”的方式——不仅通过耳朵，而是通过时间、物质与植物的语言，讲述着在经历了现代性的加速与断裂之后，人类如何重新成为自然的一部分？

中国艺术家胡晓媛的《我有根，但我在漂荡》安静地悬置于一片似乎无声的时空中。海螺、昆虫翼、羊毛、生绡等看似脆弱的物质，被她织入诗与手稿之中，像是在倾听时间留下的呼吸。

展览现场，胡晓媛作品

而在同一展厅，日本艺术家猪股亚希（Aki Inomata）则以幽默与实验的方式让“自然”重新获得创作的主导权。她在作品《如何雕刻雕塑》中邀请河狸参与创作——木块被放入动物园的水池，让河狸啃咬出“雕塑”的形态。之后她再将这些带有牙印的木头放大为三倍，成为展厅中充满原始力量的抽象雕塑。

艺术家、动物与材料之间的界限被打破：究竟是谁在创作？河狸的本能、木头的质地、还是人类的意图？猪股亚希用这场跨物种合作提出一个温柔而深刻的问题——艺术是一种共生语言。

展览现场，猪股亚希对于《如何雕刻雕塑》创作过程的记录。

这种关于“共生”的思考，也延伸到了黄永砅的《桃花源记（421–2008）》。黄永砅早在上世纪九十年代便指出，东方与西方、“我”与“他”都不是固定不变的概念。作品将陶渊明的《桃花源记》与老子、福山、科耶夫等思想并置，揭示乌托邦的幻象与循环。让“桃花源”成为一种流动的思想空间——既非回归自然，也非逃离现实，而是思考何为“共在”的哲学命题。

展览现场，黄永砅的《桃花源记（ 421–2008）》手稿

如同“桃花源”一般，展览沿用发电厂建筑本身的工业语汇，调用素混凝土砖构成人造地形，贯穿整个空间，穿行其间，步随景移。面对的是不断的邀请与发现。在展陈设计团队all(zone)工作室 / 拉查蓬·乔楚伊看来，观者会在展览中找到自己的节奏，沉思可以在静止与行走之间发生。

山崎阿弥的开幕演出。

开幕演出由日本艺术家山崎阿弥带来，她站在上海当代艺术博物馆高耸的空间中，山崎阿弥相信：“每一个地方原本就在歌唱。”建筑的材料、结构、体积，都拥有各自的声学拓扑。她用自己的耳朵、皮肤与声带去探测这些空间的回响，让声音成为连接人和场所的通道。”11月8日 下午3点，山崎阿弥还将在上海植物园盆景园带来特别表演。

除了作为主展场的上海当代艺术博物馆，第15届上海双年展“城市项目”将在嘉定马陆的嘉源海美术馆、上海植物园、桃江路tbh的小屋、上生新所klee klee等与公众在不同地点相遇；同时，展览主画册与《读本》于展览同期面世。主画册以艺术家本人的叙述为核心，并收录三位策展人的文章及大量参展作品文献，这是探究“花儿能听见蜜蜂吗？”又一种方式。

展览出版物

今年，是上海双年展成立的第29年。回顾上双的生长历程，其独特性在于始终都呼应着它所处时空的震荡和契机。“上双正在改变着上海市民对艺术的理解，同时，当代艺术业已成为一种市民参与社会，建立社群的文化生活方式。本次双年展希望在观众、艺术家和博物馆之间建立一种呼吸关系，让艺术机构担当起时代的使命，让艺术家独具的先知先觉的魔力，带给世界反思和希望。”龚彦说。

展览新闻发布会现场

展览将持续至2026年3月31日