边唱边变魔术 音乐剧《大魔术师》演员：“手指都在抖”

1月16日，原创音乐剧《大魔术师》首登北京天桥艺术中心，拉开了为期三天的演出序幕。当天下午，导演刘晓邑携四位主演舒杨、徐泽辉、杨皓晨、王泽乾亮相第五届北京天桥音乐剧演出季音乐剧赏析公益活动，现场不仅爆料排练的“崩溃瞬间”，更揭秘了舞台上那些惊艳魔术背后的“手忙脚乱”。这部融合魔术、戏剧与复杂音乐的作品，让演员们直言“每天都在挑战极限”。

舞台上的惊心动魄：“魔术棒掉地上，只能踩住再捡起来”

“如果歌唱过去了，魔术没变出来，那就很要命了。”导演刘晓邑一句话道出了这部剧对演员们的最大挑战。音乐剧《大魔术师》要求演员在演唱高难度曲目的同时，完成精准的魔术表演，两者必须严丝合缝。

饰演弟弟的演员舒杨分享了首演时的惊险一幕，“魔术棒掉地上了，我只能临时反应踩住再捡起来。”他坦言，单独练魔术时很顺利，但一旦加入情感表达和音乐节奏，“不熟练的时候真的会掉”。为此他自购道具在家苦练，“后来没出过大意外，但每次上台肾上腺素飙升，手上的活儿必须特别稳”。

饰演哥哥的徐泽辉压力更大，“我在台上变第一个魔术时，胃就开始疼了，手指都在抖。”这位自学过一些魔术技巧的演员发现，舞台上没有语言分散观众注意力的空间，“必须卡着节拍完成，节拍过了就没机会补救了”。

最有趣的是，剧组里藏着一位“卷王”。王泽乾爆料，“首演前有人在家练魔术球练哭了，压力特别大。”这个魔术原本不在设计内，是演员自己加练的，“就因为怕晚上效果不好”。

超高音挑战：“音高写到B，简直是噩梦”

如果说魔术考验的是手上功夫，那么音乐挑战的则是演员的声带极限。由英国皇家莎士比亚剧团作曲家Ruth Chan创作的配乐，让演员们又爱又恨。

舒杨最先“吐槽”，“第一次拿到demo时，我们看到音符都惊了。”他饰演的弟弟凯尔有一首关键唱段，“一般男高音唱到A已经是很高的音了，但这里写到了B甚至更高，而且是连续的高音，还是在失去哥哥后的痛苦状态下唱的，这对演员来说是极大的挑战。”

但正是这种高难度的音乐设计，塑造了独特的戏剧氛围。杨皓晨形容，“音乐运用了很多弦乐，第一首歌一出来就把你带到那个世界，不是阳光明媚的伦敦，而是有些朦胧、阴郁的十九世纪雨雾中。”

导演刘晓邑解释了这种音乐风格的来源，“作曲老师是英国人，他先确保音乐有那个时代的味道。”复杂的和声与频繁的转调，让每首歌都成为人物性格的延伸。

现场演员们也纷纷亮出自己最爱的曲目。几乎所有的演员都推荐那首让舒杨又爱又恨的高音曲目《死去的名字》，“它一开口就很高，为整部戏定下了基调。”

“永远不封箱”的创作哲学：“开场前十分钟都可能改”

“昨晚我们又改到12点。”徐泽辉的这句话，透露了《大魔术师》剧组的工作常态。在导演刘晓邑这里，戏永远是“活”的。

“导演有句座右铭：‘开场前十分钟都可能改。’”徐泽辉分享了一次排练经历：前一天导演改了调度，他没参加，晚上就反复看录像学习，“首演后导演说不会再改了，但是，下周回来之后又改了”。这种持续调整甚至延续到北京演出前夜，“我们演出的头一天晚上改到了12点，演出当天还在调整。”

面对演员们的“吐槽”，刘晓邑调皮的笑说，“是你们真诚的表演给了我灵感。”在刘晓邑看来，“好戏就是改出来的。”他回忆自己早年演出经历，“演出前十分钟还在改戏，反而让演员迸发出巨大能量”。在《大魔术师》的创作中，他坚持“不把所有细节都固定死”，“如果排练一个月就完全固化，角色就停止生长了”。

这种创作理念深刻影响着演员。王泽乾坦言他对角色的理解一直在变化，“我每天都在摸索怎么演，没有定式，包括一些即兴发挥。”而杨皓晨则庆幸在合适的年纪遇到了合适的角色，“他很直接，不掩饰自己想要成名。如果再年长一些，可能就演不出那种纯粹的冲动了。”

当观众问及为何没有沿用导演招牌的“下雪”设计时，刘晓邑给出了既实际又浪漫的回答，“这个戏的剧场空间和情节不适合下雪，下次可以试试雨夹雪（笑）。”但他随即认真说道，“我们在下雨效果上做了技术改进，实现了水循环系统。作为创作者，能在剧场里实验新技术，这很珍贵。”

文/北京青年报记者 田婉婷

摄影/北京青年报记者 杨益

编辑/张丽