古二爆料王家卫之后，我们如何看待创作者的尊严？

一名创作者从默默无闻到被观众知晓，需要多少时间？

常规情况下，答案是：一部作品。

只不过，现实里，每个行业都难免有一套达尔文式的权力逻辑存在。发生“反常规”的状况也在所难免。

美剧《纸牌屋》截图

比如，影视行业屡见不鲜的署名风波。掌握绝对话语权的大导演、大编剧，也时有公案在身。

这些风波争议形式各异，缘起却大同小异，都指向行业里一个老问题——

署名权与创作贡献的认定。每一次不“体面”的风波，映照的也不仅仅是当事方的对错罗生门。

纪录片《宇宙》截图

创作者的智慧和心血不被尊重和保护，无疑是种巨大的伤害。

无论来自知名电影人还是独立创作者，每一部好作品都是一股力量，汇集成每个你我认知艺术和世界的来源之一，共同拓宽时代的审美边界。

反之，如果努力创作得到的只是粗鄙的评价和漠视，越来越多创作者就会失去创造动人影像故事的动力。

好作品也会像清水滴入泛滥的洪水，影视文化变得愈加浑浊、同质、缺乏原始生命力。

纪录片《宇宙》截图

所以，相比为个案里孰是孰非伸张正义、表达立场，热度之下，或许我们还可以冷静去想想：

“尊重创作”这个更像是高高挂起的口号，在具体落地过程里，应以什么为坐标？创作场域里的话语权，从专业学科素养的视角审视，又该由什么决定？

对电影语言的掌握度

YIQIYINGCHUANG

导演、编剧、制片人王曦德在一次电影创作分享中给出一种答案：“理论上，对电影视听语言越精通，就越能通过使用技术和工具等办法，更好完成电影创作。”

电影是极特殊的艺术形式。于大众而言，它可以不是理论，可以是抽象的、个人化的美学感受。一旦上升到创作专业层面的讨论，与任何学科一样，需要有系统的“将直觉感受转化为专业术语”的知行合一能力。需要在讨论感受和技术时，在进出之间各有依据。

比如普通观众看《一战再战》，可以沉浸在感受里谈“因文化隔阂难以共情”，或是大赞“故事节奏”、“画面质感”值回票价……

有关注偏好或熟悉领域的资深影迷则可能从不同视角解读：故事讲述方式是正序还是倒序，为什么，起到什么作用；音乐为什么用旋律并不优美的巴洛克式流行乐，而不用传统好莱坞大片惯用的管弦乐；

从演员的形体动作和眼神里感受到什么情绪，表演有哪些痕迹，哪里演得好是演员自己感受角色以后的发挥，还是归功于导演的调教……

电影《一战再战》截图

专业的拉片则会分析：导演如何用长焦镜头把公路拍成像“波浪”一样；如何在追车戏里通过连贯的运动镜头、准确的剪辑点，构建有呼吸感的视听节奏画面；技术操作层面，用了哪些视听语言手段去服务叙事的紧张感……

电影《一战再战》截图

理论上讲，有规范和共识地明确“主观感受”和“创作思维”在专业表述上的差异，能让创作讨论从模糊的“我认为”、“我感觉”，转向更理性、清晰的“是什么”、“为什么这样可以更好”。进而创作决策也更透明、公平、可协作。

一旦具备这样的专业视角和对电影的“解释力”，再反观行业内的许多纷争，就有了新的审视坐标。

因此，每一个热爱电影、从事影像艺术工作、对创作自己的作品有渴望的人，都有必要系统学习电影视听语言，徐徐图之，构建自己对影像艺术精准的解释力。

电影《死亡诗社》截图

深入系统掌握电影视听语言的意义，也远不止拍出好电影。

它是创作者在合作中捍卫创作想法、清晰沟通的能力和底气；以及在有限条件下，最大化实现艺术表达、让创作贡献得以被清晰识别、公正评价的根本。

比如，当一位摄影师坚持某个复杂的运镜方案，或一位美术指导提出一个超预算的美术设计，如果导演和制片人无法从视听语言、叙事逻辑层面理解其必要性，讨论就会滑向关于立场的无效言语争论，而非创作本身的精益求精。

导演王曦德在公开分享中提到自己的创作理念——“用合理的成本做性价比高的电影”时也谈到独立艺术判断的重要性。究其根本始终依赖于对视听语言的精通程度。

“先要拥有自己的审美体系，把这个东西转化成一个剧本后，就具备了被拍摄的可能性。”

王曦德导演作品《山河小叙》，入围国内外多个电影节展

因此，只有具备学科专业之内的、精准的、对影像语言的解释力，才能打破在片场里、创作讨论会上、与制片方的对话桌上……因专业素养认知差造成的沟通问题甚至言语对抗。

也唯有在这样的前提之下，“尊重创作”和技术进步带来的“创作平权”，才能公正地落到具体的、可辨识的、有判断标准的专业维度上，而不仅仅是空中楼阁和道德口号。

在没有大量实践机会时，通过专业拉片分析、模拟倒推真实实践场景，是创作者逐步建立起对电影语言系统感知和掌控力的唯一有效途径。

如果你想系统学习电影视听语言，学习对电影内外世界不同的观察视角、分析方法，知道或更确定自己未来可以朝哪些方向探索和获取所需，这门《电影视听语言全解析》课值得你用心学。

酷且独立的创作精神

YIQIYINGCHUANG

课程里，老师会带你把八部风格迥异的影片，从视听语言、导演意图，到故事创作背景、演员表演等等角度一一拆解揉碎，进行一次外科手术式的视听赏析和审美训练。

你不仅能听到聚焦于电影本身的各类专业术语——编剧叙事、导演风格、摄影美学、声音配乐、片场实际拍摄中会遇到的问题及解决方案等等。

也会通过视听语言的解构和对故事深入本质的挖掘，收获别样的生命体验。

《百元之恋》中，你能听到低成本电影创作，一部成本不高的日本电影如何做到流传极广，现实主义题材叙事框架如何搭建。

《宠儿》里，你能听到影片独特历史背景及视听风格分析。

《东京！》里，你会跟随他的细密拆解，感受到米歇尔·贡德里、莱奥·卡拉克斯、奉俊昊三位“带刺”导演独具风格的个人化创作。

《爱 Amour》里，你会剖析到一个看起来是“治愈”的生命故事，其表象之下隐藏的尖锐、残酷的叙事内核。

还有《爱哭鬼的奇迹》《帕特森》《第一头牛》《私恋失调》。这些导演和影片都具备“新锐”和“带刺”的特质，分析他们的作品，能让你感知到这个时代依然存在的、酷而独立的创作精神。

在王曦德老师看来，电影更准确的划分是“商业电影”和“作者电影”，而非“类型片”和“艺术片”。并非所有类型片都能赚钱，关键在于影片是否符合市场需求和时代语境。

一部影片除了本身的艺术质量，鲜明的“议题”往往是重要的加分项。无论是女性议题、家庭问题，还是社会关怀，明确的讨论点更容易被市场识别和关注。纯粹的个人化的抒情或情绪表达，除非在电影语言上极为出色，否则在电影市场这个大的竞技场上，难有竞争力。

因此，拆解这些影片视听语言、导演风格同时，他也会把视野延伸到创作之外的产业逻辑，放到更广阔的国际舞台和市场，通过不同文化和时代背景，不同市场环境下创作的作品，带你看懂电影作为媒介，如何展示文化的多样性和复杂性。

听完这些分析，能助力你未来的创作既有独立艺术风格，也能被国内外不同电影节展、电影市场所接受。

对于有志于拍摄第一部短片或长片的新人导演，他的建议是：行动起来，完成比完美重要。

电影创作工作需要综合能力，包括编剧、人际沟通、审美、视听语言判断、后期剪辑等。这些能力不能一蹴而就。但可以通过持续学习和实践积累。

每一个想打开电影创作大门的人，这门课都适合你来尽情探索↓

作者 |轻舟

排版 | 马东西要去看鬼灭了

「注：本文部分图片来源于豆瓣及网络，

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