东方灵性史诗《一念》在京首演大获成功 解忧渡以当代艺术语汇重构东方美学精神

（记者 陈艺文）2025年10月2日，北京解忧渡国际艺术中心内座无虚席，由制作人张枫林倾力打造、导演李梵歌执导的原创舞蹈音乐剧《一念》在此举行全球首演。这部历时三年精心打磨的东方灵性史诗，以其深邃的哲学内涵、创新的艺术表达和极致的审美追求，在首演当晚赢得了观众长达十五分钟的起立鼓掌，标志着中国原创舞台艺术又一次震撼人心的突破。

首演盛况：一场跨越形态的心灵仪式

当晚的解忧渡国际艺术中心仿佛与外界隔绝，化身成为一个充满灵性能量的修行道场。从观众踏入剧场的那一刻起，便被精心营造的仪式感所包围：场刊设计成可展开的经卷形态，开场前悠远的埙声缓缓流淌，引导观众从喧嚣的都市节奏中沉静下来，做好“观心见道”的准备。

大幕初启，一束青白色光柱中，身披暗赭石色织物的玄狐如婴儿般蜷缩，她的每一次呼吸、每一次指尖的微动，都伴随着极低频率的大地脉动和清越的编钟声，将观众瞬间带入“时间尚未被刻度”的混沌初开之境。随着剧情的推进，当玄狐在月光下颤巍巍地尝试站立，当她与自己的影子嬉戏，当她望向代表更高存在的白狐时，台下观众仿佛也成为了这个灵性世界的一部分，与她一同经历着从蒙昧到觉醒的每一个瞬间。

创新突破：用世界语言讲述东方哲学

《一念》的独特之处在于，它完全跳出了传统神话叙事的窠臼，构建了一个充满象征与隐喻的寓言系统。制作人张枫林在首演后的媒体见面会上表示：“我们创作的初衷，不是要复述一个古老的狐仙传说，而是要打造一面镜子，让每个现代人都能在其中照见自己的心灵困境。《一念》探讨的欲望与超脱、契约与自由、个体与集体，都是跨越时空的永恒命题。”

导演李梵歌的创作理念在这部作品中得到了淋漓尽致的体现。他开创性地将中国古典舞的韵律、现代舞的张力以及戏曲身段的写意性深度融合，创造出独特的“仙侠”身体语汇。在“书斋共舞”段落中，墨生挥毫泼墨的每一个笔锋走势，都直接引导着玄狐的舞蹈情绪——他的笔锋刚劲，她的舞姿便激昂；他的笔锋柔和，她的旋转便婉约。这种将中国传统书画艺术“以形写神”的美学原则融入戏剧叙事的创新手法，赢得了现场艺术评论家的高度评价。

音乐革新：传统乐器与现代音效的灵魂对话

《一念》的原创音乐无疑是全剧最受瞩目的亮点之一。作曲家大胆地将古琴、箫、埙等传统乐器与电子音乐进行创造性融合，不仅营造出空灵超凡的意境，更让音乐本身成为了推动剧情发展的“无言角色”。

在“雷劫”这场全剧的高潮戏中，音乐设计展现了惊人的戏剧表现力。当玄狐在神山使者的围攻下承受天刑时，古琴弦发出刺耳的断裂声，电子音效如玻璃般撕裂，狂暴的交响乐与沉重的心跳鼓点交织，最终在所有声音戛然而止的绝对静默中，只留下一声悠长的、心碎般的琵琶轮指。这种将听觉体验推向极致的处理，让在场不少观众感动落泪。

中国艺术研究院音乐研究所所长王立平观看后评价：“《一念》的音乐创作是革命性的。它不是在简单地将中西乐器混搭，而是让古老音色在现代语境中焕发新的生命力。古琴的苍古不再是博物馆里的标本，而是活生生的、能够与当代灵魂共鸣的情感载体。”

视觉奇观：写意美学的当代化呈现

《一念》的舞台视觉同样令人叹为观止。舞台美术设计摒弃了传统的实景布置，转而运用数层深浅不一的纱幕、智能光影和水墨投影，以极简的方式营造出无限丰富的空间意象。

在“青丘仙境”段落，淡蓝色的纱幔模拟出瀑布的形态，月白色的平行光勾勒出舞台的纵深感，地面铺设的半透明地胶下方，灯光营造出灵气流动的效果，整个舞台仿佛一个会呼吸的生命体。而当场景转换到“人间市集”时，温暖的淡黄色灯光瞬间取代清冷的月白，悬挂的布幌、可移动的货摊道具，配合着欢快的民间乐器旋律，瞬间将观众从仙境拉回到烟火人间。

这种通过光影和色彩实现时空转换的手法，不仅展现了技术上的成熟，更体现了主创团队对东方写意美学精神的深刻理解。中央美术学院实验艺术学院教授邱志杰认为：“《一念》的舞台设计是对中国传统文化中‘留白’概念的完美诠释。它不追求再现真实，而是通过激发观众的想象力，让每个人都成为创作的参与者。这种审美境界，代表着中国舞台美术的真正成熟。”

表演艺术：肢体语言的叙事突破

《一念》的演员阵容展现了中国舞蹈戏剧表演的新高度。饰演玄狐的青年舞蹈家苏晴，用她极具张力的表演，完美诠释了角色从野性、迷茫到幻灭，最终获得超脱的完整弧光。她的独舞段落，特别是“撕裂自我”中那些充满地面翻滚、身体扭曲与痉挛的动作，将灵性世界的痛苦挣扎外化为震撼的视觉语言，每一个停顿与爆发都精准地叩击着观众的心弦。

饰演白狐的芭蕾舞者谭雪，则将狐仙的至纯与优雅展现得淋漓尽致。她的“拜月”独舞，结合了中国古典舞的身韵和模仿狐类的动态，那些轻盈的腾跃、柔韧的下腰、清澈的凝望，仿佛让月光有了具体的形态。

双人舞段落更是全剧的精华所在。玄狐与墨生在书斋的“笔舞交融”，白狐与柳明远在竹林的“月下初遇”，以及两狐在结局时跨越形态的“深情共舞”，每一段都展现出截然不同的情感质地和美学特色。北京舞蹈学院教授刘青弋点评道：“这些年轻舞者不仅技术精湛，更重要的是他们具备了用肢体书写复杂内心世界的能力。在他们身上，我看到了中国舞蹈戏剧未来的无限可能。”

文化意义：传统哲学的当代共鸣

《一念》最值得称道的，是它成功地将深奥的东方哲学思想转化为当代人能够感同身受的艺术体验。剧中“玄狐修自我”与“白狐历情劫”的双线结构，暗合了中国传统文化中“阴/阳”、“出世/入世”的辩证关系；而角色从“本能”到“秩序”再到“超脱”的修行之路，更是对《道德经》“道法自然”思想的生动演绎。

全剧结尾处，玄狐抛却象征“正果”的华服璎珞，说出“不居仙阙，方为真仙；不住红尘，乃证菩提”的台词时，台下响起了经久不息的掌声。这一场景之所以能引发如此强烈的共鸣，正是因为它触及了现代人在功成名就与内心安宁之间的普遍困境。

现场观众在观剧后表示：“《一念》让我感到惊喜的，是它没有落入简单化的道德说教，而是忠实呈现了修行路上的全部复杂性——欲望的美丽与危险，规则的庇护与束缚，爱情的拯救与毁灭。这种不提供标准答案的尊重，恰恰是最高级的艺术教育。”

制作历程：三年磨一剑的艺术坚守

《一念》的成功绝非偶然。制作人张枫林在采访中透露，该项目自2022年启动以来，经历了长达三年的精心打磨。创作团队不仅深入研究了中国古代神话、道教哲学和宋代美学，还多次前往青城山、武当山等道教圣地实地采风，感受传统的修行氛围。

“我们拒绝快餐式的创作，”张枫林说，“每一个动作、每一束光、每一个音符，都经过反复推敲。比如玄狐的服装，我们尝试了十七种不同的面料，才找到那种既有原始粗粝感又极具垂坠感的材质。音乐部分，古琴与电子乐的平衡调整了不下百次。”

导演李梵歌更是将这次创作视为自己艺术生涯的一次重要修行。“我们想做的不仅仅是一部戏，而是一场能够引领观众进行内观的心灵仪式。在现代社会的高速运转中，人们太需要这样的时刻：停下来，安静地面对自己的内心，思考生命的本质意义。”

行业影响：定义新中式美学标杆

《一念》的首演成功，已经在中国表演艺术界引发广泛讨论。许多业内人士认为，这部剧作的创新实践，为中国传统文化的当代转化提供了宝贵经验。

中国戏剧家协会主席陈平评价道：“《一念》找到了一条将传统文化精髓与现代表达方式完美结合的道路。它既不迎合西方对东方的刻板想象，也不固守传统的僵化形式，而是以高度的文化自信，创造了一种属于今天这个时代的东方美学语汇。这种探索对中国整个文创行业都具有启示意义。”

据悉，《一念》在完成北京首演后，已收到来自上海、广州、深圳等多个城市的巡演邀请，并有望参与明年举办的阿维尼翁戏剧节和国际剧协世界大会，向世界舞台展示中国当代舞台艺术的创新成果。

结语：在喧嚣时代照见本心

在这个信息爆炸、众声喧哗的时代，《一念》的出现犹如一股清泉，它以艺术的方式提醒我们：真正的智慧从来不在远方，而在观心见道的每一个当下；真正的自由也不是为所欲为，而是认清生命本质后的自觉选择。

当演出结束，观众漫步走出剧场，抬头望见夜空中那轮真实的月亮时，不少人驻足凝望，仿佛在回味剧中那句点题之语：“一念红尘，千年孤月。”这部作品的成功，或许正在于它让每个观众都在狐仙的故事中，照见了自己的影子，并在月光般的诗意中，获得了继续前行的勇气与智慧。

正如制作人张枫林在谢幕时所说：“愿《一念》成为每位观众心灵旅途上的一盏灯。当大家在生活中面临抉择时，能记得今晚的月光，记得玄狐最终的选择——真正的仙境，不在远方的琼楼玉宇，而在我们每一个向善向美的念头里。”

《一念》的演出持续至10月14日，这部注定载入中国当代戏剧史的作品，正以其独特的艺术魅力，为每一位有缘相遇的观众，开启一场属于自己的“观心见道”之旅。