《大美天山》广东首展背后的双向奔赴

《大美天山》全卷。

《大美天山》铅笔草图，蔡拥华创作。

《大美天山》创作中期留影。

16米青绿长卷横贯展厅，博格达峰的雪色与天池碧波在宣纸上徐徐晕染，果子沟大桥如银线穿行于云山草原间，草原的静谧与生机顺着笔墨蔓延开来。日前，巨幅国画《大美天山》正式亮相广州美术学院美术馆(海珠区昌岗路校区)，这是该作品继2025年10月上海中华艺术宫首展后，首次回到广东本土面向公众开放。

“《大美天山》是我们立足岭南传统、面向当代公共艺术做出的一次创作探索。”　广州美术学院副院长、作品主创之一的蔡拥华教授在展览现场接受采访时说道。本次展览由广东省文联指导、广州美术学院主导打造，以“系统性研究展”为核心定位，采用“一画一展”的专属展陈模式，除主画作外，同步展出写生手稿、线稿色稿、比例试作、创作大事记与采访影像，构成一份完整的大型美术创作视觉档案。

该画作由广东省美术家协会主席、广州美术学院党委书记林蓝领衔，蔡拥华、许敦平、刘文东、杨峻等艺术家担任核心主创，集结粤疆两地20余位多民族艺术家共同完成，既是岭南画派主题性巨幅创作传统的当代传承，也是以艺术赋能文化润疆的标志性成果。

　　档案式展陈还原创作全貌　　

画面中，天池被置于中心，雪山融水“灵动跳跃，仿佛能听见簌簌水声”，尽显“天上瑶池”的纯净；兰新高铁桥上的文字清晰可辨，果子沟大桥的工程细节与雄浑山景相映成趣；新时代村庄的建筑“色彩丰富，带着洋楼样式却保留民族风格”，取代了旧时泥房，与远景雪山构成“可居、可游、可住”的山水意境。就连羊群的投影、水边的灌木，都经过精心渲染，实现了“远观有气势，近看有质量”的创作追求。

据广州美院附中副教授、作品主创之一杨峻介绍，此次创作的核心主题为“绿美天山”。在他看来，今天的“绿”早已不只是自然山水的颜色，更承载着时代内涵——如今新疆推行退牧还林等生态治理举措，天山的绿色不再只是单纯自然风景，更承载新时代生态建设、民生发展的人文底色，让这份“绿美”有了民生的温度。画面除天山自然风貌外，还融入牧民新生活、群众休闲场景、果子沟大桥、高铁等现代化建设成果，展现新时代天山的全新面貌。

与常规美术展不同，本次展览以“档案式”的展陈逻辑，同步展出海量草图、试色稿、现场工作照片，完整剖开了巨作诞生的全过程。沿着展厅动线前行，观众可以依次看到艺术家赴疆采风的现场记录、天山实景写生手稿、铅笔素描稿、电子试验稿，乃至1/5、1/3比例的完整试作，创作过程中的试错、调整、打磨都被完整保留。对普通观众而言，这是一次读懂巨幅国画创作的沉浸式科普；对美术从业者而言，这更是一份可供研究的鲜活创作样本。

“这次展览是围绕这幅巨作打造的系统性研究展，我们希望面向全社会开放，让大众能完整看到一幅巨作从小稿到成品的全流程——艺术作品只有走入社会、和公众产生联结，才算真正完成它的使命。”蔡拥华说道。　　

　　“双向奔赴”

　　解锁传统山水的当代表达　　

传统青绿山水与现代建设元素的自然融合，是《大美天山》最显著的视觉特征。在很多观众看来，高铁、大桥这类工业地标很容易打破山水的和谐感，但在这件作品里，现代元素却像从山水中自然生长出来一般。谈及这套构思的敲定，蔡拥华给出了核心答案:“我们创作的底层逻辑，是两层‘双向奔赴’。”

第一层是地域空间的双向奔赴。“主创团队都来自岭南，我们不是单纯去画一处异域风景，而是希望以艺术的方式呈现粤疆两地的联结。”蔡拥华表示，岭南画派素来有融合中西、注重写生的传统，对青绿山水的笔墨与色彩有成熟的表达体系；而天山的云山、草原有别于岭南山水的温润，自带雄浑开阔的气质。创作团队将岭南笔墨与西域地貌深度结合，用传统国画笔墨搭配矿物颜彩，既保留了岭南画派的灵动温润，也还原了天山的雄浑大气。而广东长期对口支援喀什的现实联结，也让两地的文化交融有了扎实的现实根基。

第二层是艺术文脉的双向奔赴。“新疆地处丝绸之路核心带，克孜尔石窟等古代壁画遗存，是中国美术史的宝贵财富。”蔡拥华提到，创作团队没有止步于风景写生，而是主动从丝路古代美术中汲取养分，将传统壁画的色彩体系、造型语言与当代国画技法相结合，让作品既有千年文脉的厚度，也有当代表达的活力。古与今的对话、岭南与西域的碰撞，最终让传统山水跳出了旧有范式，拥有了时代的锚点。

谈及为何选择天山作为新疆主题系列的开篇，蔡拥华回答记者，天山是最具代表性的文化符号，它既是新疆标志性的自然景观，也承载着一代广东人的集体记忆:“上世纪80年代五羊自行车的首支广告就在天池拍摄，李宁出镜，那片碧绿是很多广东人对新疆的最初印象。”这份跨越数十年的情感联结，也让岭南画家笔下的天山多了一层温度。　　

粤疆艺术家协作

　　在地视野与外来视角的互补　　

《大美天山》的诞生，本身就是粤疆两地艺术家深度协作的产物。成长环境与文化背景的差异，让两地画家对天山的理解与表达各有侧重，而这种差异非但没有成为阻碍，反而形成了优势互补的创作合力。

“岭南画家和新疆本土画家的创作视角，其实有着非常鲜明的差异。”杨峻坦言，岭南画家作为外来者，初见天山时满是新奇与震撼，这份情绪会直接投射到画面上:“我们在用色、光影表现上会更鲜亮明快，更侧重抒发初见山河的直观冲击力。”

而新疆本土画家的表达则完全不同。“他们从小生长在这片土地上，对山水人文的情感更沉郁、更厚重，对在地细节的把握是我们外来创作者比不了的。”杨峻举例，合作过程中新疆画家能精准讲解每一处山石的地质结构，知道天山的山林有着“根连根”的特点——整片山林的根系在地下彼此相连；画牧民生活时，他们熟悉转场的习俗、日常的状态，笔下的人文场景真实生动。这些来自生活的鲜活细节，让作品避免了外来视角容易出现的表面化问题。

创作全程，两地画家始终保持着互相学习、互相补充的状态:岭南画家带来成熟的创作体系与融合性的笔墨表达，新疆画家提供深厚的在地生活经验与人文素材，双方在交流中碰撞灵感，在协作中完善作品，最终让《大美天山》既有外来视角的新鲜感，也有在地表达的厚重感。

杨峻介绍，此前系列相关作品已在新疆完成巡回联展，受尺寸与场地条件限制，巨幅《大美天山》原作未能赴疆展出，但两地艺术家的作品同台亮相，依然搭建起了深度对话的平台。“新疆创作者能看到岭南视角下的天山是什么样的，我们也收获了更多在地的反馈，这种双向的认知与交流，本身就是文化润疆最生动的体现。”

　　把“后台”搬到台前

　　看见巨幅国画的创作幕后　　

3米×16米的尺幅，在当代国画创作中已属罕见，而国画以笔墨、矿物颜料为核心，落笔后几乎无法修改，容错率极低，巨幅创作的难度更是成倍增长。如何在有限的画布上承载天山的博大内涵，又如何保障作品完成度，是团队面临的核心挑战。

“国画落笔难改，巨幅创作更是容不得半点差池，所以我们从立项之初就搭建了一套严谨完整的闭环式创作流程。”蔡拥华告诉记者，所有构思与细节都必须经过多轮试验、推演周全后，才能正式落墨正稿，这也是本次研究展最核心的价值之一——把创作的“后台”搬到了台前。

为精准捕捉新疆的地域特质，创作前，广东省文联与新疆文联共同组织两地画家赴疆开展为期一周的深度采风。团队从草原走到天池，从高铁沿线探访果子沟大桥，全方位采集地貌与人文素材，同时查阅大量历史文献与地域资料，系统梳理天山的自然特征与人文脉络，为创作筑牢认知根基。

采风归来后，团队进入了漫长的草图推演阶段。“不是画一两稿就定版，是海量试错、反复打磨。”杨峻透露，每位画家都产出了大量写生稿、素描稿、创意草图，还借助电子设备做构图试验、色彩调试；为最大限度降低正稿风险，团队先后绘制了1/5、1/3等不同比例的完整试作，从构图、色彩到笔墨细节，都在小样上逐一验证调整。“仅我个人就画了五六版完整草图，每位主创的创作量都相近，再加上零散的调色样本、局部试笔，各类试稿数量根本数不清。”

数字化技术的介入，也为巨幅创作提供了全新支撑。蔡拥华介绍，采风阶段团队用无人机航拍采集天山全景地貌，获取了常规视角难以捕捉的宏观格局；创作过程中，团队对每日绘制过程全程视频记录，完整留存了作品的成长轨迹。这些素材不仅是创作辅助工具，更形成了一套完整的创作档案，为后续美术教学、理论研究提供了第一手资料。

蔡拥华表示，这场展览也希望帮观众打破对巨幅国画的两个认知偏差:一是觉得国画都是“一挥而就”的写意创作，忽略了背后的反复打磨；二是觉得巨幅国画高深难懂、高不可攀。

“传统文人画多是小幅形制，依托宣纸毛笔与简单颜料，侧重抒发艺术家个人的心绪；而当代中国画要实现更大的文化价值，就要走向公共空间。”《大美天山》以3米×16米的超大尺寸，正是适配了公共场馆的展出需求。

“我们通过闭环式、档案化的全流程展示，让普通观众、青年学生都能看懂一幅艺术精品是如何一步步诞生的，明白好作品一定需要足够的时间打磨。当然，作品最终的价值，还需要观众走到现场，直面作品、和作品产生对话，它承载的文化使命才能真正落地。我们也欢迎广大市民，尤其是假期的学生观众来观展，共同感受文化润疆的艺术实践。”　　

　　梯队“传帮带”

　　深耕公共美育释放社会价值　　

作为广州美术学院主导的创作项目，《大美天山》从诞生之初就带着鲜明的学院基因，也承载着传承岭南画派主题创作传统的使命。

“岭南画派从来都有主题创作深耕细作的优良传统，我们是站在前人的肩膀上往前走。”蔡拥华表示，项目启动阶段，团队就系统梳理了岭南美术史的主题创作脉络:从新中国成立初期关山月与傅抱石联袂创作《江山如此多娇》，留下从小稿到大画的完整路径；到关山月、黎雄才带领师生集体创作《向海洋宣战》，开创师生梯队协作模式；再到关山月创作《历史长城》前后打磨8稿的严谨态度——这些前辈的实践，都是本次创作最核心的精神源头。

这份传承不仅体现在创作态度上，也体现在人才培养的“传帮带”模式中。《大美天山》团队延续了老中青协作的传统，吸纳研究生、博士生参与创作全流程，让青年创作者完整见证一幅巨作从采风立项、草图推演到成品落地的全部环节，近距离学习主题创作的方法论。“这种‘在创作中教学’的模式，能大幅缩短青年美术人才的成长周期，让岭南画派的创作传统代际传承下去。”蔡拥华说道。

在传承的基础上，本次创作也为岭南画学贡献了新的探索经验:全流程数字化档案建设，形成了可复用、可研究的教学与美育资源；尺幅、品质与技法的综合升级，进一步拓展了巨幅国画的表达边界；跨地域、跨文脉的艺术融合，也为岭南主题国画打开了新的题材空间。

“一件艺术作品，只有走入社会、和公众产生对话，才算真正完成它的使命。”这是创作团队的共识，也是本次系统性研究展的核心初衷。蔡拥华说:“我们做闭环式、档案化的展示，就是想打破大家对巨幅国画的认知误区。无论有没有美术基础，观众看完都能读懂创作的逻辑，甚至激发出自主学习的兴趣。”

据了解，展览期间还将配套举办名家导览等公共教育活动，进一步释放展览的美育价值，让文化润疆的内涵扩散到更广泛的社会层面。对于作品的未来，蔡拥华有着清晰的长远规划:后续团队会扩充创作阵容，持续绘制不同视角、不同主题的新疆题材作品，不断丰富创作序列，推动中国画走向更广阔的公共空间。“《大美天山》绝非收尾，而是系列创作的开端。”蔡拥华说道。

本版采写:南都记者 朱蓉婷

图片由广州美术学院提供