《鸣潮》第一次，熟练得吓人

文/二弦

导语

一种《鸣潮》气质

做编辑做到现在，我也算是个二游演唱会常客了。

不过，我大多时候不会去写一篇演唱会。

为什么呢？

因为我自认为，实在难以用文字去转述现场那一份荡漾在成千上万颗心之间的共感。

我每次想要去还原，希望更多的人能够理解二游演唱会意义时，就会无比认同齐泽克所描述的，所谓象征的匮乏，即象征秩序永远追不上真实的经验，语言抵达之处，总留着一块无法被符号收编的剩余。

文字是苍白的，能传达的，可能不及现场玩家情感的十分之一。

所以，在7月16日晚上，我走出上海东方体育中心的场馆时，心里除了在想，“上海的酷暑真不是人能消受得了的”之外，就是：“要不干脆不写了吧”。

需要澄清的是，这绝对不是我想偷懒。

周围玩家意犹未尽的讨论、脸上挂着的笑容，让我觉得，既然情绪已经这样饱满地留在了每个玩家身上，有关演唱会的感受，又何必要我去复述？

再者，一些玩家，对于自身感受的刻画，远比我作为旁观者去临摹更有说服力，他们在社交媒体上吐露的肺腑之言，恐怕比我去大书特书“看哭了”，要纯粹得多。

那，为何各位又看到了这篇文章？

因为，后来我意识到，即便无法还原现场的同心共鸣，但我必须要说，这次《鸣潮》“致予新世界”演唱会，作为库洛第一次举办以游戏音乐为唯一主题的大规模线下活动，所呈现的效果和完成度，并不像是库洛的第一次。

就好像和你一起长大的发小，突然甩了张清北毕业证在你面前一样的莫名其妙。

我想表达的是，库洛在去年FEST实现大型漫展式线下场景搭建的0到1跨越之后，再一次成功完成了纯演出形的线下场景尝试，关键是，这场成功的演唱会，依然带有鲜明的、独属于《鸣潮》的质感。

01

演出的线索

在讲《鸣潮》演唱会之前，大伙先不妨思考一下，到底什么样的现场演出，才配得上一个好字？

这个问题听来有些空泛，如果非要说，自己喜欢的当然就是最好的演出，但如果不那么主观，其实，一场演出的好坏，也是有评价标准的。

这里牵涉两个专业概念，其一是戏剧构作，这个概念原用于戏剧理论，但我想借其指代演出一二，拿演唱会来讲，就是我们应该关切曲目与段落之间的关系，关切整场演出有没有一条清晰的内在脉络，有没有起与落。

如果有，那么就是好。

再一个标准，叫总体艺术作品，是由瓦格纳提出的概念。他反对把歌剧写成一连串炫技咏叹调的拼贴，主张音乐、戏剧、诗歌、舞蹈与舞台美术应当作为平等的伙伴彼此咬合，共同服务于同一个表达。

顺着这条思路延伸到今天的舞台，一场好的演唱会，那么舞台的灯光、布景与走位，都应该与音乐居于同等位置，彼此成全。

概括来说，一场好演出，既要有贯穿全场的整体思路，又要有各元素之间的协同。

如果我们带着思考去审视《鸣潮》演唱会，那么就会发现，它与这两点不谋而合。

首先，整体结构层面，这场演唱会基于漂泊者旅程脚步的时间线索串联而成，瑝珑、黎那汐塔、拉海洛的三大组曲，共同构成了这部浓缩了过去近两年时光的索拉里斯乐章。

瑝珑系列组曲，为了避免报菜名，我就简单提俩代表曲目，比如《鸣潮》1.0系列版本的登录界面主旋律《Saving Light》，尤其对开服玩家而言，这段旋律近乎一种听觉上的条件反射，作为序曲，再合适不过。

而几个角色的角色曲，比如岸宝的EP《繁星、新生、与你》、椿的角色歌《一千万种可能》，则负责调动玩家的情绪和回忆，慢慢收拢到一个个角色的悲欢上。

二游的玩家记忆，基本浓缩于角色身上，而曲目的作用，则是在这座位于上海，远离索拉里斯的数百平米的现实空间中，激活玩家的记忆。

同时，情绪的递进，也交由组曲切换的衔接曲来做，在瑝珑向黎那汐塔过渡的过程中，这首曲目毫无疑问的属于仇远的《剑匣破》。在剧情中，他既是黎那汐塔故事的关键人物，又有着前瑝珑镇抚司千户的身份，本就是桥梁式的角色。

其用一段凛冽的剑意，把瑝珑那股东方气韵稳稳兜住，不让它过早泄掉，让演唱会自然行进到城邦文化，展现更加多元的调式风格。

在黎那汐塔组曲中，尤为重要的《愿戴荣光坠入天渊》&《逆潮》连携，弗洛洛《酣梦于彼岸深红》还有《远光点》，电子与摇滚的现代骨架里，混杂着凯尔特曲风的悠远和格里高利圣咏的庄严等等风格，接连轰炸。

我之前在写3.5时，提到过《鸣潮》的风格变量，可以说在现场再次深刻意识到了这一点。

如果说《剑匣破》是组曲之间的桥，那么黎那汐塔就是整场演唱会的桥，更是情绪调动的桥，在这一段，crywolf等歌者的漂亮演绎下，全场情绪已经被完全拉升，而《鸣潮》选择让攀升的情绪倾泻在拉海洛的部分。

在这一部分，不得不说的就是Tarokiki老师，在我看来她足以称得上撑起了构成拉海洛印象的关键段落，也就是和爱弥斯有关的曲目，三天三场，《纸飞机》《远航星的告别》《那颗星梦见的春日》，切入爱弥斯在玩家心中留下的最刻骨铭心的一段故事。

《拉海洛之心》和毕业歌，又是一重全新的情感组合，分别象征着拉海洛故事底层昂扬的探索精神、以及离校之日的情绪，现场的不少玩家，都是高考之后，离开校园，又即将踏入新的人生阶段的准大学生，作为毕业歌的《星炬不熄》，他们，或许会更有感触。

曲目与曲目之间，夹着今汐的述说、夏空的大招大合唱、铸币大头的暖场串联，让这场复述《鸣潮》索拉里斯旅程几乎没有Pee time，尤其对于一路玩到今天的玩家来说，杀伤力尤其显著。

这便是我上面提到的“戏剧构作”在《鸣潮》演唱会结构上的落地，库洛想做的，是让全场玩家跟曲子重走一遍回忆，同时，演唱会也在不经意间回扣了《鸣潮》的设计概念。

即声音、频率，串联着索拉里斯中玩家经历邂逅与分别，是组成《鸣潮》的基本粒子，也在此刻，成为了让台上台下彼此共振的关键介质。

二游音乐几乎从不独立存在，每一段旋律背后都锚定着剧情、角色、和玩家的情感，重听旋律，本质上就是“唤醒记忆”，共同的记忆，会调动同样的感受，所谓的共情，就此形成。

说到这，回头再看瓦格纳的主导动机，你也会发现，这场演出用三十多首歌的长度，谱成了一支属于漂泊者的历史，有着明显的叙事调度。而且，它还从音乐中外溢，漫进了灯光、布景与舞美。

这也带出了我们的第二标准，舞台元素之间的协同。

02

舞台之上，皆是主角

这些年，游戏音乐的现场演出已发展得相当成熟。

基本上，二游的线下演出都是表演者在前复现游戏配乐，身后大屏游戏画面流转，唤起观众的记忆。这套做法没啥问题，但是，谁才是舞台真正的重心，其实很难说清。

多数时候，游戏音乐的现场是一场听觉主导的怀旧，画面是旋律的视觉注脚。

但正如我上面说的，如果一台演出视觉的部分只停留在放播片，那么我们就可以说舞台是失衡的。

《鸣潮》的发力点也在于此，库洛让台上的视觉元素主动参与到“演出”这件事里，格外加重了舞美的分量。在这个过程中，《鸣潮》瓦格纳那套关于整合舞台的理想，真正落到了现实中。

首先，《鸣潮》把不少曲目重新编排成了带有戏剧动作的舞台段落。

比如卡提希娅的相关曲目，舞台演员对于被束缚的戏仿，游戏中的荆棘链条化作白娟，束缚住舞者，形成了现实与虚拟的互文，《逆潮》终末，芙露德莉斯一剑开海的高潮，也借助东方体育中心可变舞台、超分超宽大屏带来的视觉强化，实现了张力的放大效果。

有时候视觉就是靠硬件堆上去的，这个不能不服。

再一个特别能体现《鸣潮》舞台整合度的，依然是仇远的《剑匣破》。

这个段落的舞台之所以典型，是因为被库洛处理出了纵深，首先大屏，不是单纯放播片和2D形象，水墨与竹影，没有还原游戏里任何一张具体的场景，它只是一组被高度提炼过的属于角色的视觉母题，作为一种符码存在。

关键是前景，也就是两名对剑的侠客伴舞，这是相当典型的形体剧场手法，以身体动作本身作为叙事的主要媒介。两名舞者的这场对剑，早已越过了装饰性伴舞的功能，他们用身体的攻防、进退与定格，把角色歌里那些原本抽象的东西外化：两人的对峙，宿命般的紧张，既是仇远本身的武侠气质，又可以是他剧情中与哥舒临的对决。

这个段落里，浓缩着贯穿《鸣潮》演唱会始终的特质，也就是一种“通感”的协作。

旋律与演唱入耳，前景是一场看似与游戏无关却又能带来相关联想的表演，后景的水墨为这一切垫上情绪的底色，视听感官通道被完全调动，歌手、舞者、舞台、巨幕、灯效，没有一个是配角，它们共同撑起了一个饱满的叙事空间。

这种整合度出现在许多歌曲中，黎那汐塔组曲中，奥古斯塔的《烈阳啊，请见我真名》，尤诺的《月终恒常与瞬息》就展现了装置艺术的作用，黎那汐塔《一出好戏》和《昼梦盛宴》动用了大批舞台表演者，他们扮演着声骸与愚人乐团成员，还原了黎那汐塔狂欢节式的多人舞台。

还有让星空铺满视野的《若能触及群星》的大屏幕行星拖影、西格莉卡《L!!!!ght》的群舞。

亦或者说，演出后端，“安可”捏他“安可”的设计，每一个桥段，都让《鸣潮》演唱会从歌曲的延长，升格为了通感空间。

即便《鸣潮》用的仍是最常规的镜框式舞台，由于深度采用了沉浸式剧场那套用满场调度去制造包裹感的逻辑，让坐在台下的人产生一种温柔的错觉，仿佛短暂地站进了真实的索拉里斯。

在这数小时内，你能明确感受到，《鸣潮》让旋律司掌听觉，舞者司掌形体，灯光司掌空间氛围，造景则负责强化印象，而这套整合思路，贯穿了整个演唱会全程。

这份综合性的成熟是视听效果的地基，而真正让它成立的，是那些早已刻进玩家心里的剧情与角色，台上每一个精心设计的瞬间，都是点燃情绪的引信，而记忆，负责让这一切真正进入人心。

结语

这两年在《鸣潮》成功之后，库洛显然是在积极尝试IP的继续发展，我曾在之前不止一次提及线下场景对于二游的重要性，其最重要的作用，就是为二游后置的“社交属性”提供了载体。

二游的体验大多是个人的，玩家先要独自经历剧情里的悲欢，但那份并在体验中累积的情绪，终究需要一个出口。

拿这次演唱会来说，在由东方体育中心这方场馆圈定的有限空间里，《鸣潮》的玩家们终于能够彼此看见，意识到原来为同一段剧情哽咽的，不止他一个人；原来同样的悸动，不止他一个人感同身受。

孤独的私人体验，在那一刻兑现，成为了共同的集体记忆。

这正是线下场景无法被线上替代的地方。

而这背后，正是因为，《鸣潮》对于版本内容的持续累积、打磨，带来了足够令人印象深刻的故事与角色，以及足够优质的音乐储备；库洛的号召力，请到了足够有线下实力的合作音乐人；再加上明显经过设计的选曲动线与舞美搭建，诸多力量拧在一起，才让《鸣潮》演唱会的整体舞台效果显得这样成熟。

并能够承担得起，数千玩家的情感振荡。

写到这里，我真的想追问一句：库洛第一次，凭什么能熟练到这个地步？

转念一想，这份熟练其实一点都不突然。

对库洛而言，这的确是第一次办线下演唱会，却远算不上第一次“做演出”。

《鸣潮》这款游戏本身，就是一件把演出刻进骨子里的产品，这两年，它在过场动画里的运镜，在角色演出里对动作与情绪的编排，在剧情关键处对节奏与留白的拿捏，都得到了长久的锤炼。

当场地换到线下，当画面换成了真人、舞者与实体舞台，或许，《鸣潮》演唱会，也继承了用视听语言把故事讲好的肌肉记忆。

而这，也是我在开头所说的，那种只属于《鸣潮》的气质。