现场｜“莫兰迪色”究竟是什么颜色，上海邀你来看最完整的呈现

作为20世纪意大利最具影响力的画家之一，乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi，1890-1964）最广为人知的，或许就是“莫兰迪色”以及画布上反复出现的瓶瓶罐罐。6月16日下午，由浦东美术馆与意大利博洛尼亚莫兰迪博物馆共同主办的“乔治·莫兰迪：独白”特展在上海开幕，展览汇集140余件莫兰迪原作及逾200件展品，也是21世纪以来最完整、最系统的一次莫兰迪作品的呈现。

“‘独白’是理解莫兰迪最重要的关键词。它首先意味着这是一次莫兰迪个人展，但更重要的是，它指向莫兰迪的一生。本次展览最重要的线索之一，正是呈现他的转变，看到他如何逐渐放弃对各种艺术流派的兴趣，最终把注意力转向自己的内部世界。”莫兰迪博物馆馆长、展览联合策展人洛伦佐·巴尔比（Lorenzo Balbi）接受《澎湃新闻｜艺术评论》专访时所时说。

通过油画、版画、水彩、文献与工作室原物，展览试图还原这位20世纪意大利艺术家的创作轨迹。正如洛伦佐·巴尔比所说：“莫兰迪的静物画超越了物体本身的描绘，它们是形式与体积的构成，引导观众进入另一个世界。”

乔治·莫兰迪《静物》，1956年（V. n.985）布面油彩30厘米 × 45厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi，1890-1964）

莫兰迪终生未婚，大半生居住在博洛尼亚冯达扎街的住宅里，与三个妹妹共同生活。他很少旅行，也极少参与艺术圈的社交活动。即使已经成为国际知名艺术家，他仍然把大部分时间留给自己的工作室。

展览现场，莫兰迪妹妹的肖像画，其中，完成于1921年的《妹妹肖像》（左一），此前从未公开展出，此次展览是这幅作品的史上首次亮相。

但巴尔比强调，莫兰迪的“独自”并不意味着与世界隔绝。只是，在20世纪艺术史不断被各种“主义”定义的时代，莫兰迪显得格外特殊。他既不是未来主义者，也不是立体主义者，更不是形而上画派成员。某种意义上，他始终保持着独立而孤单的姿态。

因此，“独白”也像音乐中的独奏（solo），只有艺术家与自己持续不断地对话。

展览现场

从塞尚到瓶子：莫兰迪如何成为莫兰迪

进入展厅，首先看到的是莫兰迪的自画像，以及他给妹妹的画像。这件现藏于佛罗伦萨乌菲齐美术馆的自画像，是他一生仅七幅自画像中的一幅，也是他1924年创作的三幅自画像之—。在此，艺术家笔下的自己以正面示人，坐在画架前，手握作画工具。尽管其目光投向观者，却未形成真正的交流：那双沉入阴影的眼睛似乎在回避任何心理层面的探视。

展览现场，莫兰迪1924年的《自画像》，乌菲齐美术馆藏

然而，整场展览，似乎就是观众试图走入莫兰迪的过程，讲述他如何在极其有限的对象中创造出无限变化。

在展览的前几个部分，呈现的是一个仍在寻找方向的年轻莫兰迪。

“很多人以为莫兰迪从一开始就是莫兰迪，其实并不是这样。”洛伦佐·巴尔比说。1910年代至1920年代，莫兰迪始终在寻找自己的艺术道路。他研究塞尚，也关注同时代欧洲先锋艺术的发展。未来主义、立体主义、形而上绘画，都曾进入他的视野。

展览现场，《风景》，1913

展览中一件创作于1914年的作品尤为引人注目。画面中的瓶子与石块被拆解、重组，以不同于传统透视的方法组织空间，明显带有立体主义实验色彩。“这是莫兰迪以一种全新的方式理解和呈现物体的尝试。”巴尔比说。

展览现场，莫兰迪1914年的作品《静物》，带有布拉克“立体主义”的痕迹。

但这种实验持续时间极短。据研究，大约仅仅两个月之后，莫兰迪便开始远离这种语言。

巴尔比认为，本次展览最重要的线索之一，正是呈现这种转变。观众将看到一个不断吸收外部影响的年轻艺术家，如何逐渐放弃对各种艺术流派的兴趣，最终把注意力转向自己的内部世界。

乔治·莫兰迪《静物》，1949年（V. n.691）布面油彩，36厘米 × 45.2厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

他的一生几乎都在重复同样的题材。同样的瓶子、同样的罐子、同样的桌面。甚至连风景画，也往往来自同一扇窗户。如果说展览前半部分讲述的是莫兰迪如何找到自己的语言，那么中段则试图回答另一个问题：为什么他一生都在画同样的瓶子？答案或许可以用巴尔比提出的一个词来概括——“变奏曲”。

展览现场，镜像出现的《静物》左为1960年、右为1961年所作。

展厅中，两组《静物》成对出现。第一眼看去，它们几乎一模一样。其中，分别绘于1960年和1961年的一组《静物》成镜像，1951年的一组仅多了一个瓶子。“它们可能只相隔一两天完成。”巴尔比说，“但正是在这里，你会理解莫兰迪。”

增加了一个瓶子，整个画面的关系随之发生改变。与此同时，莫兰迪还调整了观看视角。桌面比例变少了，地平线位置发生变化，空间的稳定感也因此改变。看似只是微小改动，却让画面拥有了完全不同的气质。巴尔比将这种方式比作音乐中的变奏。“就像改变一个音符的位置，整首乐曲都会不同。”

乔治·莫兰迪《静物》，1951年（V. n.783）布面油彩，39厘米 × 45厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

乔治·莫兰迪《静物》，1951年（V. n.788）布面油彩，36厘米 × 40厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

事实上，这种微小差异构成了莫兰迪创作最核心的部分。他似乎在不断追问：如果多放一个瓶子会怎样？如果转动桌布呢？如果改变背景方向呢？如果让光线再偏移一点呢？

展览现场，不同年代的“白色螺纹瓜楞瓶”，在其中感受不同的“白”。

于是，一只“白色螺纹瓜楞瓶”自1932年后，反复出现在莫兰迪的笔下。这是一只它总是近乎孤立地出现在画面中，带着不同的白色。

展览现场，“白色螺纹瓜楞瓶”部分

展览现场，近乎孤立的“白色螺纹瓜楞瓶”

在别人看来近乎重复的画面，对于莫兰迪而言，却是一系列关于平衡、秩序与空间关系的实验。巴尔比对澎湃新闻说，莫兰迪真正关注的从来不是最终完成的作品，而是创作本身。

乔治·莫兰迪《静物》，1962年（V. n.1280）布面油彩，35厘米 × 35厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

“把观众带进莫兰迪的工作室”

与以往国内莫兰迪展览相比，此次浦东美术馆展最大的特点，或许在于它不仅展出作品，更试图重建艺术家的世界。

展览现场，作品与实物同展

展厅中出现大量来自莫兰迪工作室的真实物件。那些观众在画中反复看到的瓶子、花瓶、人造花和锡罐，画中的对象与现实中的对象并肩出现，甚至莫兰迪的调色盘和所用的颜料粉，也在展览中陈列。

展览现场，莫兰迪所用的调色板、颜料、画笔等。

“莫兰迪习惯亲手制作他自己的颜料和色彩，在那个发明了管状颜料的年代，他依然坚持这种方式。他过去常常请求去伦敦的人帮他带颜料回博洛尼亚。”在展览现场还可以看到一些画笔，以及他过去为了作画是如何用剪刀修剪画笔的。“他之所以要修剪画笔，是为了让笔尖变得更加锋利、更加精准。颜料盘呈现出非常干净、简洁的风格，暗示了艺术家在色彩运用上的某种思考方式。”与此同时，莫兰迪创作版画时使用的印压机也离开博洛尼亚，首次在海外公开展出。这件重要文物自1993年以来从未离开意大利。“我们希望把观众带进莫兰迪的工作室。”巴尔比说。

展览现场莫兰迪创作版画时使用的印压机

莫兰迪铜板和铜板画同展，左边的铜板一直压在妹妹的床板下，因为意大利传统中认为，床底板下放一块铜板，不会腰疼。直到莫兰迪走了之后，妹妹才想起来自己床底板下的铜板。后工作人员拿出来印了第一幅，就是右边这幅。

此外，在美术馆一楼展厅中，工作室历史照片、莫兰迪收藏的书籍、书信等文献，共同构成一个更完整的莫兰迪形象。

一楼展厅现场

在浦东美术馆董事长（馆长）李旻坤看来，莫兰迪之所以能够持续吸引中国观众，或许正因为其艺术与中国传统美学之间存在天然共鸣。他的绘画并不追求照相机式的再现。他关注的是对象背后的精神状态，以及留白、节制和意境。这种对于“写意”的追求，与中国绘画传统中的审美观念有着微妙的相通之处。

乔治·莫兰迪《风景》，1936年（V. n.215）布面油彩，46厘米 × 61.5厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

巴尔比也注意到这一点。他提到，莫兰迪的工作室陈列有中国艺术的书籍，并关注中国绘画传统。因此，他相信中国观众会以不同于欧洲人的方式理解莫兰迪。

乔治·莫兰迪，《风景》，1957年（P. 1957/9）纸本水彩，16.1厘米 × 20.6厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

晚年，因为身体和视力原因，莫兰迪较多创作了水彩作品。在一件莫兰迪去世前一年（1963年）创作的水彩作品中，莫兰迪以更加抽象的方式作画，观众不再能够清晰地辨认物体，也不再能准确把握其具体形态。

1963年莫兰迪以水彩绘制的静物。

“画面中的桌面几乎消失了，那些器物仿佛漂浮在空间之中。那些物体逐渐从真实存在转变为一种关于物体的观念、一种抽象的形象。”巴尔比说，“此次展览挑选了一些特别的作品，并将它们作为理解莫兰迪艺术和工作方法的重要线索，希望借此帮助观众进入他的创作世界。”

·莫兰迪1952年的《静物》与素描稿、实物同展

乔治·莫兰迪，《静物》，1952年（V. n.823）布面油彩32厘米 × 48厘米意大利博洛尼亚市，博洛尼亚市政博物馆管理局，莫兰迪博物馆

当一个生活在20世纪博洛尼亚、终日面对瓶子和窗户的艺术家，跨越一个世纪来到黄浦江畔时，人们依然能够从那些安静的画面中，感受到关于时间、观看与内心秩序的思考。

在这个强调速度的时代，莫兰迪留下的或许恰恰是一种缓慢的力量。

6月16日，展览开幕仪式

展览将持续至2026年10月