《穿Prada的女魔头2》除时尚外，我们还能看到什么？

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这一期，我们不从剧情聊《穿Prada的女魔头2》，而是从电影里那些被轻轻放进去的艺术史细节进入：米兰布雷拉美术学院与布雷拉美术馆，达·芬奇《最后的晚餐》，埃尔泰的《乐观与悲观》，以及 Cecily Brown 的绘画线索。

它们不是单纯的高级装饰，而是把时尚杂志、现代插画、当代艺术市场、富豪收藏和视觉权力连接在一起。时尚杂志曾经是一个造梦的地方，它用封面、插画、大片和特稿制造现代女性形象，也训练我们如何观看、如何欲望、如何想象另一种生活。

今天，当纸媒衰落、编辑权威被算法拆散，这些艺术史细节反而让我们重新看见：时尚从来不只是衣服，它是一部关于美、资本、身份和权力的视觉文化史。

「艺术折叠」祝羽捷 ：《穿Prada的女魔头2》除时尚外，我们还能看到什么？。

播客｜祝羽捷

文字整理、设计、编辑｜晨仔

布雷拉美术馆

《穿Prada的女魔头2》电影里有一个极具深意的经典场景：安迪陪着米兰达一行人前往米兰时装周看秀，这场压轴大秀，也就是Lady gaga登台演唱的地方，正是米兰的布雷拉美术馆，也是布雷拉美术学院的所在地。

布雷拉美术馆。

我特别偏爱这个地方，几乎每次去米兰必打卡这个美术馆。有时候我去米兰的初衷甚至就是为了到这里看展，还有两次恰逢时装周，我到了米兰，就看到无数的时尚人士聚集在美术馆外面的街道，他们在这里街拍，好像这个地方也是米兰时装周很核心、很亮眼的一个户外阵地。

大家想到意大利文艺复兴，第一反应永远都是佛罗伦萨，会去看圣母百花大教堂或美第奇家族的美术馆这些老宅、宫殿，很少有人会想到来米兰看文艺复兴的一些艺术瑰宝。但米兰的布雷拉美术馆绝对是不该错过的文艺复兴圣地，因为它不只是一个普通的美术馆，它还代表了整个文艺街区，它所处的街区几乎承载了米兰整座城市的艺术教育体系和经典收藏脉络，更是意大利公认的审美权威中心。

圣母百花大教堂。

电影特意把《Runway》杂志的终极秀场选在这个美术馆，而非常规时装周的一些展馆，或者是老式的建筑、奢华酒店，这本身就充满了巧思和深层的用意，从视觉文化和艺术史的角度来说，这个选址也更加的准确，因为美术馆本身就是一座完成艺术训练、经典收藏、审美正统确立的核心场域。

布雷拉美术馆的馆藏从一些零散的私人审美偏好最终落成了一套标准完整、自上而下的审美规训和观看训练体系，这让电影里面米兰时装周大秀有了一些更深层的隐喻：因为权威时尚杂志《Runway》核心内核从来不只是展现每一季最新的服装款式，深层的本质是要训练大众的审美眼光，塑造人的观看方式、审美判断，也形成了大众欲望的提炼与物化。如此的一个设定就让布雷拉美术馆与《Runway》杂志他们在各自行业里，对于艺术家的培养方面，或对于观看方式的塑造形成高度的契合，他们都代表了某种审美的权利。

布雷拉美术馆的阿玛尼高定展。

《Runway》时尚杂志塑造的是现代人的时尚审美，布雷拉美术馆则是培养能够主导大众审美的艺术权威秀场。在此，不只是时装进入了艺术空间，更是两种顶级审美权威的相互叠加，一个来自学院派的古典艺术权威，另外一个来自顶级时尚杂志品牌与媒体构建的现代流行审美权威。

布雷拉美术馆的馆藏也极具象征性，非常著名的一个作品就是曼特尼亚的《哀悼死去的基督》。我当时看到这幅作品的时候，还在那儿想了半天，为什么它的透视法如此的奇怪，基督躺在这幅画面中，身材显得非常的武短。整个色彩也是非常的灰调，这个作品的确跟以往对于基督的描绘非常不同。另外一幅非常有名的画作就是拉斐尔的《圣母的婚礼》。这幅作品非常的巨大，几乎是每一个到布雷拉美术馆的人必打卡的一件作品。

拉斐尔—《圣母的婚礼》—1504

（Lo Sposalizio della Vergine）

文艺复兴大师拉斐尔的早期杰作，以其完美的透视、和谐的色彩和宁静的构图而闻名。画面中央是圣母玛利亚与约瑟夫的婚礼仪式。

除此之外，这里当然还有很多意大利文艺复兴时期的大师，但是我要介绍的更重要的一幅作品就是海耶兹的《吻》。这幅作品在美术馆里面好像是比较清新的一幅，因为他的整个画面更加浪漫一些，构图也很现代，没有那么多场景的细节，视觉的焦点都集中在了那个吻上面。

我其实看到这幅作品的时候，还想到了后来在二战期间有一个非常重要的摄影作品，也是关于吻，是一个士兵吻了一位美丽的姑娘，所以我不知道这个作品是不是某种程度上也影响到了后来的一些视觉文化。

1945年8月14日，为庆祝二战胜利，一名美国士兵在纽约时代广场忘情地亲吻一名陌生女护士。这一镜头正巧被《生活》杂志摄影师艾森斯塔特拍成照片，并取名为“胜利之吻”，成为了象征二战结束的经典照片。

画中的女子，她身穿的一件蓝丝绸长裙非常有象征意味，暗指的是法国盟友，而男子一身军人的着装，红裤子还有斗篷的暖棕，也呼应了意大利国旗的色彩，好似要奔赴战场，女子双手紧扣着男子的脖颈，她的裙摆则是扬起的，好像对男子也是一种不舍的缠绕，所以画中有那种战争前夕的紧张，还有爱情之间恋恋不舍。

这个画面虽然看上去是一对正在亲吻的情侣，实际象征着两个国家，也就是意大利和法国的友谊，它有浪漫主义的内核的同时带有一些政治性。吻是非常炙热的瞬间，也是一个离别的永恒，这就非常的浪漫主义，就是要在绘画中用非常强烈的一种情感去表达某种悲剧，某种美、爱或者是情怀。所以这个作品也是理所应当的变成了布雷拉美术馆最值得青睐的艺术的名片。

弗朗切斯科·海耶兹的《吻》（1859年）常被视为意大利浪漫主义的典范。

达·芬奇

《最后的晚餐》

另一个古典美的展现，就是《最后的晚餐》，这个镜头非常的经典。在电影剧情中，米兰达带着杂志社的人来到了这幅画前面去采景，因为他们杂志要决定举行的晚宴就在米兰的圣玛利亚感恩教堂里面。

我们都知道《最后的晚餐》不是一幅普通的宗教名作，这幅作品里面有餐桌、有共同体、有背叛、有权力的秩序。其实我后来查资料，发现电影并没有直接在原作前拍摄，原作那个地方很昏暗，需要打灯，但其实这些古老的教堂为了保护他们的历史墙壁，不能允许像电影那种光源出现，那对作品是会有一些损伤的。媒体上说，剧组是是到一个影棚里面重建了 3/4 大小的教堂的空间，整个布景都是由意大利的布景画师团队手绘完成。

圣玛利亚感恩教堂。

这幅作品的本身画的是耶稣宣布自己被出卖的经典瞬间，跟电影里面的一段情节非常的吻合，米兰达有着狐狸般的狡猾和敏锐，她已经感受到有人对他的杂志起了一些歹心，所以这里的设计实在是太妙了。

在画中12门徒被分成了几组，每个人都有自己的身体的姿态、手势、表情，有的人是很震惊，有的人是在辩解状，有的是在追问，也有的人是迟疑。当时面对这样一个场景，米兰达肯定也是想要看到安迪的一些表情的变化。

《最后的晚餐》画面细节。

米兰达说：“人们觉得达芬奇是在表达一个观点，‘我们都是普通人，没有人是完美的’，人类既伟大又脆弱，我们难免会相互欺骗、背叛、彼此辜负，这就是人的本性。”

米兰达是一个对人的本性极其的洞悉和掌握的人，像耶稣那么伟大的一个圣人，也会被自己的门徒出卖吗，这似乎也暗示米兰达会遭受到出卖这样的一个结局。

米兰达与安迪在《最后的晚餐》画面前的交流。

埃尔泰

《乐观与悲观》

还有一个非常有意思的细节，就是米兰达在她的办公室跟大家开会的时候，背后有一幅色彩非常鲜艳、蓝色基调的作品，来自于插画师埃尔泰《乐观与悲观》。这幅插画在第一部就出现了，可见整个电影非常的用心，还原了第一部的场景，在第一部它几乎是一闪而过，但是在第二部里给了大量的镜头，在米兰达的身后。

《穿Prada的女魔头2》会议室片段，米兰达身后是埃尔泰的作品《乐观与悲观》。

埃尔泰出生于圣彼得堡，后来到了巴黎发展。他和高级时装舞台设计、杂志、插画都有着非常深的关系。1915 年他与《Harper's Bazaar》签约之后，长期为Bazaar创作时装插画和封面。据大都会艺术博物馆的资料里面显示，他在 1915 年到 1936 年期间创作了超过 240 幅作品，就连杂志自己的回顾文章里面也提到，埃尔泰长达 20 多年为杂志提供原创的时装绘画和封面艺术。

在这个电影里面出现的作品《乐观与悲观》，巧妙之处就在于它把时尚杂志自己的祖先也请了回来。埃尔泰的图像有非常强烈的Art-Deco气质，我们可以看到它的线条被拉长，他的笔触也比较简约，人物的身体是被装饰后的一种很有美感的姿态。

埃尔泰为《Harper's Bazaar》做的设计。

女性身体在埃尔泰的画里面，从来都不是一种自然主义的身体，而是被设计过、编排过抽象化的身体。他们就像模特，也像演员，像女人，也像一种风格本身，这是早期时尚杂志最迷人的地方，它往往都是在制造一种现代女性的幻觉。在那个幻觉里面有巴黎，有夜晚，有香水，有剧场，有轮廓分明的身体，有精致到几乎不真实的姿态。它不是生活的本身，而是生活被杂志重新剪裁，打光排版之后的样子。

所以我觉得埃尔泰非常适合放在这部电影里面，因为这部电影讨论的问题远远超过了时装，它强调时尚杂志就是一种造梦机器，同时也要经历造梦机器应该有的命运，《乐观与悲观》这个标题仿佛给这个时尚杂志也写下了命运的批注。

埃尔泰《乐观与悲观》。

乐观的一面，就是像 《Runway》这样一本杂志，它拥有深厚的视觉的传统，有在时尚层面的权威，它不是一个简单的购物指南，而是由无数的艺术家、设计师、有才华的人、爱美的人、摄影师、文字工作者、还有漂亮的女孩子们一起共同工作的地方。而悲观的一面就是，这样的一本权威的杂志正在被今天的 AI 、数字媒体、算法、视频、碎片化的信息图像进行重新的分配，它的权利是下滑的，它告诉我们杂志的黄金时代和今天的危机就像乐观与悲观，同时处在这个电影中。

Cecily Brown 的绘画线索

最后一个艺术家，她的作品也是这个电影中出现的唯一的一次当代艺术作品。

电影中，安迪沿着Cecily Brown的绘画这个艺术线索找到了女富豪的联系方式。我当时看到画面上出现的这件作品后，觉得这个编剧非常懂今天的当代艺术。为什么这么说呢，因为美国富豪们最喜欢买的作品就是抽象主义的作品，整个美国的抽象表现主义就是由美国的精英阶层推动的。在电影中，刘玉玲饰演的富豪收藏的正是一件抽象的作品，非常符合美国社会对于“老钱”的想象，或者说符合事实。

电影中，米兰达对女富豪的采访。

一个女富豪收藏一位女性艺术家的作品，这里我觉得也很符合她后来愿意出钱资助杂志女主编翻身的形象，背后其实是有一种女性互助的意味在里面。当然女富豪选择一个女艺术家的作品收藏，最重要的还是是欣赏她的才华，她的作品里面可以看到那种非常大胆的笔触、画面的骚动感，图像和成型解体之间的那种暧昧的状态。

Cecily Brown的绘画风格，一开始也是在抽象和具象之间的摆动，画面中有强烈的笔触、身体感、欲望的感觉，还有视觉的流动。她的作品一看就是受到了美国当时抽象表现主义比如德库宁、琼·米切尔的影响，但是也能看到一些像英国的弗朗西斯·培根的影子，所以她是作品里面有那种非常鲜明的感官的能量。

Cecily Brown及其作品。

Cecily Brown的作品也并不是简单的去重复那些过去的抽表的大师们的创作，她是把自己的作品放在了一个更当代、更暧昧、更身体化的层面上，去继承和发扬，她的笔触、视觉能量，还有昂贵的市场属性，也把自己作为女性的身体、性、欲望、女性的观看结合在了一起，所以它既连接了美国的纽约绘画传统，也代表了整个当代艺术的市场的一些行情，或者是市场的审美。

在电影里面，这幅画不只是一个道具，它像一把钥匙，如果能够看懂这幅画，也就能够看懂它背后所代表的圈层，也能看懂这部电影反复在强调的时尚，不只是审美的问题，更是一个资本品味和社会网络的交叉点。

Meryl Streep身着Balenciaga高定礼服，太有气势！

本文配图均来源于网络，版权属于原作者。

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