中国台湾当代艺术家蒋友柏：在单色里活成彩色，让作品与观者共生

当艺术的表达愈发多元——有人在色彩的绚烂里寻找共鸣，有人却在单色的极致中探索自我。蒋友柏，这位40岁才踏入纯艺术领域的创作者，始终以独有的节奏解构艺术、对话时代。

2026年，中国台湾当代艺术家蒋友柏携2026 年度计划全国首展“万物有灵 | 万像”亮相成都。在3月14日开展前夕，蒋友柏接受了川观新闻记者的专访。这一次，他以工业材料为墨，以东方写意为骨，在蓉城的艺术语境里，讲述关于自我、时代与艺术共生的思考。

川观新闻记者（左）对话蒋友柏（右）

01

四十而立入行

不断检验自我能力

蒋友柏的艺术之路，起步于不惑之年。“全世界比较知名的艺术家，一辈子到70多岁办展400多场，我40岁才出来，是不是要先赶20年的展数？”这份直白的自问，成为他近年密集办展的核心动因。

在他的艺术规划里，办展从来不是简单的作品陈列，而是自我精进的试炼与专业的验证。“第一个好处是让我借着这个目标不断精进，另一个是接触的观者、机构越多，越清楚自己是不是块料，能不能在艺术专业里立足。”

“赶进度”的背后，是极致的自我要求：“我的展览每一次都是新的作品，基本上不会出现旧作品，没有新作品我就不展览。”于他而言，每一场展览都是一次自我挑战，拒绝巡回式的作品展示，只为让观众看到当下最真实的创作状态，也让自己在不断的创作中，触摸艺术的本质。

将大陆作为展览的核心阵地，源于他最朴素的创作观：“我不喜欢飞行，欧洲的邀约也有，但都没说服自己。更重要的是，在自家都没做好的事情，跑去国外干什么？”这份扎根本土的坚守，让他的作品始终与当下的土地、人，保持着深度的联结。

02

AI是对话者而非替代者

不可复制方为艺术

当AI视觉大模型席卷创作领域，传统艺术的边界被不断试探，蒋友柏的态度，清醒而开放。

他坦言，自己每天的工作，都有一件事：“看AI能不能画出我的画，目前还画不出来。”这并非对新技术的排斥，而是对自身创作独特性的笃定。在他看来，AI的价值，不在于替代创作，而在于成为创作的对话者：“我会用AI，但用法和别人不一样，我可以把所有已存在的艺术家都叫出来对话，和梵高对话，和达利对话，它辅助我去思考艺术创作。”

而在工作室的数位影像创作中，AI早已成为重要工具：“3年前就开始大量使用，它把很多技术门槛降低，成本门槛降低，效应完全提升，这在数位艺术里非常重要。”但他始终保持着对艺术本质的思考：“如果现在你没有办法拍出AI做不出来的影像，那摄影算不算是艺术？”

在他的认知里，艺术的核心，在于不可复制的独特性：“我认为，如果可被复制的，就不叫艺术。”面对AI带来的冲击，他毫无焦虑，反而乐见其成：“它会让大家重新去思考，今年我给自己最重要的课题，就是思考要成为什么样的人，怎么活成一个人。”

这份对“人”的坚守，成为他对抗技术同质化的核心底气。

蒋友柏

03

单色是烙印

亦是活成彩色的起点

本次成都展，蒋友柏以单色为核心创作系列，这组被他定义为“孤品”的作品，背后是他对人生、自我的深度解构。“我之前就做过单色系列，但这次变成展览，短期内应该不会再这样创作，困难度太高。很多作品在创作时，因为媒材、光泽率的问题，我真的不知道自己在做什么，只是凭感觉去做。”

选择单色，并非对色彩的舍弃，而是对自我本质的回归。“每一个人出生，就会有自己的颜色，随着社会的教育、结构、阶级，这个颜色会越来越固定，这是不可避免的。但不表示，用这个颜色就活不出彩色。”蒋友柏直言，自己也曾想过挣脱与生俱来的“颜色”，但最终发现，“这是一个烙印，而烙印也没有什么不好，它就是你为什么独特的原因。”

为了让这份单色的表达拥有更长久的生命力，蒋友柏大胆运用工业材料创作：“除了设计师的背景，我喜欢探讨复合式媒材，这些作品耐到用水泼、酒精泼、火烧，3分钟内都没有问题。”他打破传统艺术作品“娇贵”的桎梏，让艺术走进日常：“我希望大家接触它，而且它越晒层次越多，阳光的颜色会让它的纹路、色彩发生变化。”

在他看来，工业材料的运用，亦是对当代艺术的深度诠释：“大陆的工业非常强。工业，能不能够变成艺术？所有的当代艺术，都是用当代的材料在做，我就在思考，我的当代是什么。”这份思考，让他的创作既有东方美学的内核，又有当代的时代印记。

04

作品是画框

观者才是最后一笔

“我的作品绝对不是一个完成品，永远都只是一个画框。观者，才是我作品的最后那一笔。”这是蒋友柏始终坚持的创作理念，也是他的作品充满生命力的核心原因。

在他的眼里，作品一旦诞生，便有了自己的命运，创作者无需过度左右：“你觉得它是什么，它就是什么。”所以他常说，自己的作品回到藏家的家中，会与他们产生持续的对话，成为生活的一部分。

这份对观者的尊重，源于他对艺术价值的理解：“我要求自己在创作的时候，要表现的是正向的感觉。我没法接受回到家看到一幅画，每次看到都觉得人生毁灭了。就算他是再好的艺术家，我也没有办法把它放在家里。”在他看来，艺术的终极价值，是滋养生活，而非制造焦虑。

本次展览中，反复出现的动物形象，是蒋友柏对人心、对时代的投射，“动物不再是动物，它是一种人性的投射，一个时代的镜像。每一幅作品，都是我对当下的人和社会的映照。”其中的“猩龙”形象，更是他的自我写照——猩猩与龙的结合，既是他属龙的身份印记，也是他对人生不同阶段的反思。

05

结缘成都

未圆的大熊猫梦藏着创作的期许

成都，是蒋友柏艺术之路上的重要坐标。早在2019年，他曾来蓉做设计演讲，太古里的“上下茶室”的设计出自其手；2021年的成都双年展，也有他的作品。“成都是舒服的”是他对这座城市最直观的感受。

在这份缘分里，藏着一个未圆的心愿——大熊猫。“最早来大陆和父亲去北京，小时候想看大熊猫，以为国宝一定在北京，结果没有。长大了，来成都做设计师论坛，才知道成都有这么多大熊猫，做上下茶室时还做了大熊猫的动画。之前双年展没看成，这次来也没时间看。”

这份对大熊猫的执念，背后是他的创作期许：“大熊猫是最国际的动物，又黑又白又亚洲，全世界的大熊猫，代表的都是快乐。”他坦言，自己早年间曾创作过一幅9米的《熊霸天下》，画了88只大熊猫，“用白描的手法，用油漆在做，到目前为止都不拿出来展，因为我知道自己画不出来了，回不到那个状态。”

此次来到成都办展，让他对这座城市的艺术氛围有了新的期待：“馆长真的很用心，我的作品没办法用常态的方式呈现，他还在不断调整，希望让作品的美更好地展现。”他直言，麓湖A4X艺术中心的沉浸式人文景观，让他看到了艺术与空间融合的更多可能。

蒋友柏

06

艺术的本质是融合与分享

而非对立与割裂

在蒋友柏的艺术理念里，融合，是永恒的关键词。无论是东西方文化的融合，还是不同艺术家之间的融合，亦或是艺术与生活的融合，都成为他创作的重要底色。

本次成都展，他与杨加勇、陈晓东两位艺术家共创，“从去年5月北京展开始，这会是我以后每一场展都会做的事。”在他看来，艺术应该带给人的是美好的东西。”他希望打造一个融合的艺术平台：“我的也是你的，你的也是我的，你可以在我上面随便画，我可以在你上面随便做，这才是艺术的本质，它没有绝对的对或错，但有绝对的分享。”

有人说他的作品有着西方式的大开大合，他表示，从小受大写意艺术的熏陶，让他的作品根深蒂固地带着东方的内核。这种融合，不是简单的拼接，而是深度的“缝合”：“我的脑中随时有两种语言与世界并存，东方与西方。所以当我用英文思考的时候，其实写出来的是中文；用中文思考的时候，写出来的是英文。我的话，是一种缝，把东与西缝在一起。”

07

五十知天命

活在当下便是最好的创作

即将迈入50岁，但蒋友柏身上看不到对年龄的焦虑，反而有着超越年龄的活力。他打趣说，“把每一天都当作第一天来活。”

蒋友柏坦言，自己从来不会去考虑未来：“你当下没有活，未来来了有用吗？你当下没有活好，就算明天怎么样，又有什么意义？”而人生的美好，在于每一个当下的体验、每一次与世界的联结。

从设计师到艺术家，从商业领域到纯艺术领域，蒋友柏的每一次转身，都带着破釜沉舟的勇气，也带着对自我的深度探索。他以单色为底，活出了人生的彩色；以作品为框，邀请每一个观者共同完成艺术的创作；以融合为核，在东西方文化的碰撞中，寻找当代艺术的本土表达。

此次成都展，是他艺术之路的又一次全新探索。关于艺术、关于自我、关于时代的思考，他仍在继续。正如他的作品，永远未完待续，永远在与每一个当下的人，产生新的共鸣。

记者手记

蒋友柏的艺术，从来不是高高在上的精英表达，而是扎根生活、关照人心的真诚创作。他用工业材料打破艺术边界，用单色创作诠释自我本质，用开放的心态拥抱时代变化，最终让艺术成为连接自我与他人、连接传统与当代、连接生活与美好的桥梁。

在蓉城的春日里，这场“万物有灵 | 万像”的展览，不仅是蒋友柏的艺术表达，更是一次邀请，邀请每一个观者，在单色的世界里，看见自己的彩色；在艺术的画框里，写下属于自己的那一笔。

来源：川观新闻记者 肖姗姗 摄影 向宇

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