突围与重构 | 王彦萍：唯有纯朴，真诚，才有分量

从上世纪八十年代的思想解冻与先锋实验，到全球化语境下的多元实践与自性探索，中国当代艺术走过了四十年不平凡的现代性追寻之路。在“85 新潮”四十周年的时间节点上，《库艺术》隆重推出学术专题策划：“突围与重构——中国当代艺术现代性追寻的四十年”！

在过去一年中，《库艺术》编辑部通过一系列深度访谈与系统性编撰，汇聚了十一位重要学者、批评家、策展人关于中国当代艺术历史与现状的真知灼见，并对三十二位代表性艺术家的创作方法论和艺术语言的发展路径进行了细致梳理，力图勾勒一幅中国当代艺术在语言建构与观念突破上持续探索的动态图景。这不仅是对中国当代艺术发展中的关键问题与阶段性成果的回顾与总结，也是站在历史坐标轴中对时代命题的回应。

编者按

Editor's Comment

在传统根脉与现代意识相互碰撞、中国画多元探索的时代背景下，王彦萍以特有的敏感与灵动，将生命的真切体验转化为独特的艺术语言，于上世纪80年代跃居于水墨领域的潮头。在王彦萍的笔下，一切仿佛信手拈来，却处处暗藏匠心。她的绘画将纷繁的自然形态提炼为真朴的形貌，用看似稚拙的笔触、漂浮似的构图、梦幻般的色彩，在随意与精微之间达到美妙的平衡，蕴含着独特的艺术魅力。

王彦萍的创作始终从自我的感受和体验出发，艺术表达也随着人生的经历而自然流转：学生时代前往云南写生，在热带雨林的蓬勃生机中捕捉到一份幽然的静谧，映照了时代和青春的悸动；异国生活期间，“屏风”成为她笔下的精神符号，隐喻着中国人含蓄内敛的民族性格；重回旧居整理家具，她把它们的形貌勾勒于纸端，在木纹的痕迹中阅读着岁月的沧桑……

在这个标新立异的时代，王彦萍以难得的清醒守护着内心的真实。她的画笔在宣纸上自由行走，不拘程式，不问归处，不仅突破了水墨的程式窠臼，更以当代的视觉语言，激活了传统美学的精神内核。她的水墨探索已超越画种类别，成为这个时代一枚独特的心灵印记。

王彦萍：

唯有纯朴，真诚，才有分量

Only simplicity and sincerity carry real weight

没有必须遵循的规则，

也不拘泥于某种传统

库艺术=库：您本科和硕士均毕业于中央美术学院中国画系，您的艺术成长阶段正逢“文化热”与“85 新潮”，您对这股潮流有何切身的印象？

王彦萍=王：1982年我从中央美院本科毕业，1987年又回校读研究生。本科阶段的教学还比较封闭，记得那时国画系很敏感学生对图书馆的西方画册关注得过多、总防范传统被改造。我甚至记得有同学刻了一方印，内容大约是石涛的意思“我自作我家画”，我那时也欣赏这句话。但那位同学在毕业展上用了这印，老师们非常不满。从那时我意识到，画自我认可的画是有阻力的。

△粮站

230 × 30cm

工笔、绢

1981（本科时期作品）

△粮站（局部）

△沙发

176 × 98cm

墨和色、宣纸

1995

在研究生时期，约1988年，陆续出现了一些展览，如星星画会、“中国现代艺术大展”，轰动一时的中国美术馆“第一届中国油画人体艺术大展”，那时感觉社会在开放，文化氛围有新的变化。记得大约那年我去云南写生，租住在一个两层傣式建筑群的宾馆，围绕着各种热带植物，小楼形成四合院。郁郁葱葱的植物和傍晚的朝霞、隐约从二层的灯光中传来一股原始振奋的唱声和旋律，再往前听到歌手的意思是“我总是问个不休，你何时跟我走？可你总是在笑我一无所有！”虽然他说“一无所有”，但唱得那么坦然直接、让人震撼，中间过渡的旋律像江河像火焰，又像一种原始洪荒的力。他唱态憨、随节奏傻傻跺脚，衣着朴素，与他的唱词和旋律那样的搭。过很长时间才知道他的名字——崔健、中国摇滚的创始人。我想人的情感表达无论是唱出来、画出来、写出来、都需要这份由衷的真，就是艺术前辈吴大羽那句话，创作是“人和天之间的活动”！

△红鸟

68 × 68cm

墨和色、宣纸

1996

库：在中央美术学院读研究生期间，您的老师卢沉先生倡导的“中国画的现代转型”以及“水墨构成”理念，对您产生了怎样的影响？

王：卢沉先生八七年倡导的水墨构成、对我有重要的影响，坚定了我的创作方向和手法。我1982年本科毕业后分配到出版社接触到封面装帧设计、以及包豪斯平面构成的法则。1987年读研，很快理解了卢先生的主张。在长期的国画教学中卢先生观察到，传统国画往往虚空较多，天地留白，处理得好是意境，处理不好就显得画面空洞。在展览会中，国画往往显得苍弱无力，而构成法则是对国画构图的有效弥补，如统领关系、对比关系、剪切重叠等等是科学的、规律性的方法，对结构画面有重要的推进。后来全国院校的国画专业，尤其是年轻学子，都非常关注和实践卢沉先生的主张。这与上世纪80年代末90年代初的学术开放及崔健摇滚等现象，都是那个伟大时代的一部分。

△欧洲印象——海滩阳光

12 × 16cm

墨和色、宣纸

1997（目识心记）

△欧洲印象——海滩（二）

12 × 16cm

墨和色、宣纸

1997（目识心记）

库：您虽然也有对西方现代主义的学习，但仍选择了在水墨领域进行个人化的探索。您当时是否有一种内在信念，要找到一种现代的、属于个人的表达方式？

王：我实际有多年没有作画，近两年才开始，其实我也运用了水彩和水彩纸、丙烯和油画布、甚至还有陶瓷，只要能表达我的感受我就会尝试。

△远山

40 × 50cm

墨和色、宣纸

2012

库：80年代后期到90年代初，您多次前往云南进行考察，并在同时期形成了一种带有超现实主义和梦幻色彩的相对成熟的个人风格。您如何形成这种独特的视觉语言的？

王：我对生命力的感受，源于1988年在云南的写生，那儿热带环境充满旺盛的生命——绿色植物、各种牲畜、人物慵懒天然，甚至觉得电线杆也在长叶。加之我对古典音乐大师布拉姆斯和巴赫作品的理解，创作了一系列名为“回声”的作品。人物和动物都沉浸在宁静的自然景色中，那是存留在我心底的、悠远的回声。

△天空

54 × 43 × 12cm

陶瓷、木、铁丝、丙烯色

2024

△禅凳

25 × 25 × 17cm

陶瓷

2024

也持续描绘热带女子在水中的形象至今，之后去西班牙，被海滩女吸引，将东西方的水融合。水中的女人对我而言，象征着生命的存在、延续，水和女性共同诉说着我对自然和生命的理解，之后由于女儿的到来，出现母与子系列。

△花瓶

60 × 50cm

水彩、水彩纸

2024

△山水

50 × 60cm

水彩、水彩纸

2024

库：您的“屏风”系列，将周围世界收束在屏风的轮廓中，这其中包含着怎样的观念？

王：自1997年开始，几次欧洲展后，我的创作开始出现转变，以“屏风”为形象的系列诞生了。在我的理解中，屏风不仅在实际空间中起到隔断作用，还有着心理空间和遮掩的意味。一方面，它是可移动的遮蔽物，暗示里面的不便与藏的意味，另一方面，也象征着中国人某种含蓄、内敛的品性。这种若隐若现的特质很符合中国人的处世观。根据史料，屏风起源于战国，发展于历朝历代。

△屏风系列——夜与昼

168 × 148cm

墨和色、宣纸

2007

我的“屏风”系列最初是画屏风后面隐约可见的物品，后来发展为中国古典家具置于屏风之中，如《民国桌》、《夜与昼》、《八仙桌》、《生日聚会》等（这些作品均被美术馆收纳或拍卖）。

△屏风 - 都在酒里了

150 × 70cm

水墨色、宣纸

2017

2012到2017年间，我的屏风作品开始带有更多的社会批判性，比如描绘人们在屏风中饮酒的习俗以达到各种默契。

一条线既是形，

又能表达体积，

既可意象又可抽象

库：您的画作中常以中式家具为题材，为何对这些承载着历史与生活痕迹的物件如此着迷？它们有着怎样的文化隐喻或象征意味？

王：我从小在一个有古典家具、墙上挂着古画的家庭。但在那个特殊年代，我亲眼见它们被毁坏，消失。1982年改革开放，我考取第一届央美国画系本科。国画和古家具是一个传统系列，我尤其怀念曾经的古家具。因此从上大学开始我就痴迷古家具收藏，渐渐把它们当成年代不同、设计装饰不同、木质不同＇但实用的雕塑去欣赏和使用。至今已有四十多年。

△搬运家具图1

45 × 60cm

水墨、元书纸

2024（根据运输草图绘制）

近年搬家，对我来说是个大工程。我不得不仔细包装分类，避免混乱遗漏。我习惯勾出形象代替文字。后来，这些运输草图成了我近年创作的参考，对古家具的痴迷和收藏，让我对表达古典家具有特殊的情感。

△搬运家具图3

45 × 60cm

水墨、元书纸

2024（根据运输草图绘制）

近期的家具表现与早期有不同，更加性格化。木质和造型装饰体现了地域区别和主人的阶层。它们随社会动荡、主人的经历，有过不同的磨难。我见过各种散架的老家具“缺肉”，或者是拼凑的“插帮活”。我理解它们曾被打成“四旧”的经历，像它们的主人一样沦落，它们的款式、用材、磨损痕迹、散落状态都在诉说着自己的身世经历与主人的命运。我画它们的热情就来自于它们携带的故事与记忆。

△禅桌

40 × 30cm

丙烯、亚麻布

2025

库：您如何理解线条在您创作中的表现维度？

王：一条线既是形，又能表达体积，既可意象又可抽象，是最简洁的表现方式。这与传统西画线的意义完全不同。西方专业人士往往能直觉地感受到我线的内涵表现。

△昆虫

40 × 50cm

丙烯、亚麻布

2025

库：您对线的关注是一直以来就有的吗，或是在与西方艺术的对比中逐渐明确起来的？

王：早在1978年大学之前，我喜画速写，当时有人推荐我学习叶浅予先生的线条，非常简练概括，助长了我很大信心。但内心觉得我还能画得更好。后来报考美院国画系、听说张仃老师很喜欢我的速写。另外，大学期间我就出版了两三本速写集（人物、动物、小景）。本科时，临摹了很多传统经典，其中有著名的《八十七神仙卷》。1981年在我的本科创作课上，吸收敦煌风格，创作了表达藏区的工笔长卷《粮站》，记得当时创作很少有长卷形式，《江苏画刊》编辑卢浩前来征集发表，说陈丹青向他推荐了这件作品（但陈丹青至今未向我提过此事）。

持续的线描训练，加上早年的速写积累，使我得到线条的能力。近年在搬运家具时，几车几组、各种款式在脑中、勾画如兔起狐落。

△红与黑

40 × 50cm

丙烯、亚麻布

2025

库：传统中国画以墨为骨、色为辅，而您却格外凸显色彩。为什么采取这样的手法？

王：在上世纪90年代，我的作品就开始大量运用色彩，“以色当墨”，本质上是一种类似积墨的绘画方式，需要层层叠加才能产生丰富的层次感。

△重叠

157 × 142cm

墨和色、宣纸

2025

不过近年来这种创作意识渐渐淡化了，墨色趋于平薄，作品就失去了那种独特的韵味，这让我自己感到不太满意。这也是因为创作密度过高时，人往往会陷入疲惫，就无暇深入琢磨这些细腻的层次。最终让我意识到需要调整创作状态。

△飞跃

142 × 157cm

纸本水墨

2025

实际上，我始终追求的是画面中的肌理感——这本身是画面的重要组成部分。无论是色还是墨，我认为最重要的是能呈现出丰富的层次变化。这当然不是追求形式，而是一种深层的心理需求。

△仓库

157 × 142cm

墨和色、宣纸、拼贴、红棉线

2025

艺术家简介

王彦萍

Wang Yanping

1982 毕业于中央美院学仕学位

1989 毕业于中央美院硕士学位

2009 毕业于中央美院博士学位

2005 年任教北京工业大学建筑系教授

《突围与重构：中国当代艺术现代性追寻的四十年》

文献图书艺术家王彦萍内页展示

六位学者·六个面向

重新搭建起现代艺术

与当下观看、实践之间的对话桥梁

与大师同行：现代艺术六讲

从经典到当下的认知路径

Walking with Masters:

Six Lectures on Modern Art

From Classics to Contemporary Perspectives

特邀主讲人

（排名不分先后）

方振宁、马树青、范晓楠

倪军、顾黎明、王鹏杰

首讲时间：2026年3月14日

课程时长：六讲共十二小时（每人一讲、每讲两小时）

课程形式：线上腾讯会议内部讲授，每周六、日晚间

为参与者提供讲座回看

主办方：库艺术教育

报名微信：jiangtao_kuart

咨询电话：010-84786155