田卫平 | 从画布到镜头：一位油画家的“黑白+”摄影美学

我是个油画家，照相机是我收集创作素材的主要工具，摄影也就理所当然地成了我的业余爱好。一个画家的摄影作品与一个摄影家的摄影作品的不同，其根源在于他们对结构画面的要求不同。画家总会以一个画家的眼光去发现、选择摄影对象，再有意无意地用绘画中的构图理论、平面构成理论、色彩构成理论去结构画面。所以，画家的摄影作品往往比摄影家的作品更有“画意”。自从有了摄影术之后绘画极力地避免与照片相似。如果有人评价一幅摄影作品象画一样美，这一定是赞美之辞。但如果有人评价一幅绘画作品画得象照片一样，这很可能就是一种批评了，这就意味着这个画家没有什么艺术创造力。

一个成熟的画家的作品一定会体现出明确的个人艺术风格，摄影亦如此，没有个人艺术风格的摄影家不能称其为摄影家，只能算是一个摄影者。艺术风格是无法追求的，它是综合素养的体现。就绘画作品和摄影作品这种以两维空间平面形式展示的视觉艺术而言，体现作品风格的语言就是平面视觉形式语言，简而言之，形式的体现即风格的体现。所以我主张学摄影的人一定要研究平面构成和色彩构成这两门视觉形式语言的基本理论。

艺术创作的关键在于发现美之所在，然后将美表现出来，而能发现美之所在则是长期审美修养的结果。就摄影而言，虽有现代电子暗房的后期处理，但它仍是对客观物象的真实记录。摄影对象是否“艺术的存在”很大程度上决定了摄影作品的艺术含量，所谓“艺术的存在”即符合视觉形式的存在。对于艺术修养不高、缺乏审美判断力的摄影者来说，即使摄影对象“艺术的存在”，也不会被他发现，被他摄取下来。当下照相机的高度自动化已经在很大程度上将摄影者从技术的困扰中解脱出来，当摄影如此大众化的时候，当摄影技术层面的问题不再是主要问题的时候，摄影艺术层面的问题便更加凸显。

我喜欢形式感很强的画面，我也总能发现那些形式感很强的“艺术的存在”的自然景观和人文景观。我是一个喜欢平静的人，画如其人，我的绘画作品、摄影作品中很少有那些热闹的场面，大部分作品都是一些平静的画面。《欧洲纪行》系列摄影是我2015年在欧洲两个月的旅行摄影纪实。这组作品是以“黑白+”的形式结构画面，既大面积黑白+局部色彩。早期的黑白摄影是摄影技术不发达使然，是无奈之举。现在的黑白摄影是在彩色摄影技术发达的情况下对色彩的屏蔽，是一种艺术追求。我的“黑白+”摄影屏蔽了纷杂的色彩使画面基本呈黑白状态，只选择性地保留了局部色彩。局部色彩是在拍摄现场通过sony a7R或黑卡4照相机预设滤镜选取的，通过电子取景器能够预先看到拍摄效果。大面积的黑白构成了画面单纯的品格，局部色彩突出了视觉重点、趣味点，同时也使单纯的黑白画面生动起来。“黑白+”不仅仅是黑白加上局部色彩，而是同时加上了局部突变的差异性，加上视觉重点，加上趣味性，加上生动性，加上作者的艺术修养……。用照相机预设滤镜拍“黑白+”有一点遗憾，就是只能拍jpg格式。

我在摄影过程中非常注重构图，我认为构图是摄影的第一要素，构图是给观者的第一印象。我追求一次性构图的精确性，很少在后期加工中进行第二次构图剪裁，这样可以最大程度地利用数码照相机提供的像素极限，以利于以后的扩印与出版。

文/田卫平来源：田卫平油画）

艺术家简介

田卫平

中国美协理事（第七、八届）

中国油画学会理事

中国国家画院特聘研究员

中国写意油画研究院研究员

黑龙江省油画学会主席

黑龙江省美术家协会顾问

哈尔滨师范大学美术学院教授、博士生导师

黑龙江省外国语学院教授