<span class="js_title_inner">聚焦唯一席位：首届巴塞尔卡塔尔的画廊人选与策展逻辑

海湾地区被视为2026年全球艺术市场最具潜力的新增板块之一。作为巴塞尔艺术展在全球的第五个展会，首届巴塞尔艺术展卡塔尔展会将于2026年2月5日至7日在多哈设计区核心地标M7创作中心举行，贵宾预展日为2月3日至4日。本届展会汇聚来自31个国家及地区的87间艺廊，呈现84位艺术家的精选作品，其中16间艺廊首次参展巴塞尔，为展览注入了新鲜的视角与多元的声音。

多哈，2025年，照片由Julius Hirtzberger为巴塞尔艺术展拍摄，图片来自Art Basel

本届展会围绕“生成”（Becoming）这一概念展开深度探索，由埃及裔艺术家瓦尔·肖基担任策展人。该主题深刻思考人类文明的持续转变，反映出不断重塑人类生活方式、信仰体系与意义建构的演变机制。肖基表示，海湾地区本身就可以视为“生成”的隐喻：这里是一个加速发展、雄心勃勃的地区，同时也充满了对可持续性、记忆和后果的深刻忧虑。在这一背景下，艺术不仅是历史的见证者，它更是推动人类身份认同重塑的力量。

首届卡塔尔展会采用了全新的开放式、策展先行的展示模式，要求参展艺廊围绕核心主题框架呈现艺术家个展。这不仅强化了艺术家个体创作的完整性，也为观众提供了深入理解作品观念与语境的路径。肖基补充道，“许多知名艺廊申请参展的艺术家，都是他们认为其作品能够融入该地区的艺术家。”

在“生成”主题下，本届展会中的作品探讨了流离失所、坚韧、抵制与进步的脆弱承诺，质疑了传统的线性发展叙事，提出“生成”是一种不均衡、充满争议且悬而未决的流动状态。这些作品反映了海湾地区的变革与转型，既展示了历史的深度，又聚焦于当下与未来的挑战。

巴塞尔艺术展首席艺术官及全球展会总监Vincenzo de Bellis和巴塞尔艺术展卡塔尔展会艺术总监瓦尔·肖基，照片由Jinane Ennasri为巴塞尔艺术展拍摄，图片来自Art Basel

阿尔敏·莱希丨M102

阿里·谢里（Ali Cherri）

b.1976，黎巴嫩

阿尔敏·莱希画廊将于巴塞尔艺术展卡塔尔展会呈现黎巴嫩艺术家阿里·谢里的个展项目“生成动物”（Becoming Animal）。围绕人性与动物性之间的模糊边界，艺术家集结了一系列雕塑与装置作品，回应这一命题所指向的身份流动性与存在状态的转变。

谢里的创作融合神话叙事、象征语言与当代雕塑实践，借鉴吉尔·德勒兹（Gilles Deleuze）与菲利克斯·加塔里（Félix Guattari）提出的“生成动物”概念，质疑以人类为中心的观看框架。作品并不试图描绘清晰的物种划分，而是在形态与意义的交叠中，呈现人与非人之间可渗透的关系结构，唤起脆弱性、不稳定性与相互依存的感知经验。

本次展览涵盖以黏土、青铜等材料创作的作品，其中部分雕塑呈现出人形与动物肢体的杂糅形态，通过不完整、变形与并置的方式，动摇既定的分类系统。这些形象游移于人类意识与动物本能之间，构成一种关于蜕变与杂交的临界状态，引导观者重新思考自身与自然世界之间的原始联结。

Ali Cherri，

Vermilingua Bust

, 2023 ， Unique ， Mumuye Mask, 20th/21st century (possibly made for trade) ， (Nigeria), clay, sand, pigments ， 106 x 78 x 48 cm ， 41 1/2 x 30 1/2 x 19 in ， © Ali Cherri ， Courtesy of the Artist and Almine Rech ， Photo: Dan Bradica

Ali Cherri，

Nocturnal Light I

, 2025 ， Bronze, patina, wax and steel ， 46 x 115 x 52 cm ， 18 x 45 1/2 x 20 1/2 in ， Edition 3/3 + 1 AP ， © Ali Cherri ， Courtesy of the Artist and Almine Rech ， Photo: Nicolas Brasseur

Ali Cherri，

Nocturnal Light III

, 2025 ， Bronze, patina, wax and steel ， 56 x 138 x 56 cm ， 22 x 54 1/2 x 22 in ， Edition 3/3 + 1 AP ， © Ali Cherri ， Courtesy of the Artist and Almine Rech ， Photo: Nicolas Brasseur

白立方丨M116

乔治·巴塞利兹（Georg Baselitz）

b. 1938，德国

白立方将呈现德国艺术家乔治·巴塞利兹的个展项目，展出艺术家创作于2019年的一组镀金青铜手部雕塑，以及一幅同期油画作品，延续了他在漫长艺术生涯中反复出现的核心母题。

自1960年代起，巴塞利兹便持续以手与足作为创作对象。这些肢体形象往往被拉伸、扭曲或夸张处理，早在“英雄”系列中便已成为他回应战后德国历史创伤的重要视觉语言。它们既指向身体本身，也隐含着关于破坏、断裂与重构的历史记忆。

本次展出的镀金青铜手部雕塑以沃尔斯、威廉·德·库宁、卢齐欧·封塔纳等艺术家之名命名，但在巴塞利兹看来，它们并非致敬或肖像，而是“手”这一自我指涉形式的延展——如同史前洞穴中的手印，或护照上的指纹，既指认存在，也标记身份。

在这些作品中，巴塞利兹延续并松动了其标志性的倒置策略。失去明确方向的手部形象在熟悉与陌生之间游移，带有幽灵般的联想，构成一种介于物质与心理层面的不稳定图像，映射出艺术家对主体、形式与材料关系的持续探索。

与雕塑并置呈现的油画同样围绕这一执念展开。画面中，一只孤立的手从暗沉而不确定的背景中浮现，姿态松弛下垂，带着近乎无生命的冷感。正如巴塞利兹一贯的绘画实践所示，这只手既可被辨认，又始终拒绝被完全指认为具体形象，在抽象与具象之间保持着张力。

Georg Baselitz,

Alla mano

, 2019 , Oil and gold varnish on canvas , 165 x 89 cm|64 15/16 x 35 1/16 in. , © Georg Baselitz.Photo © Jochen Littkemann, Berlin. Courtesy White Cube .

Georg Baselitz,

De Koonings Hand

, 2019 , Fire-gilt bronze , 156 x 52 x 3 cm|61 7/16 x 20 1/2 x 1 3/16 in.© Georg Baselitz. Photo © White Cube (Theo Christelis).

Georg Baselitz,

Fontanas Hand

, 2019 , Fire-gilt bronze , 164 x 54 x 2.2 cm|64 9/16 x 21 1/4 x 7/8 in.© Georg Baselitz. Photo © White Cube (Theo Christelis).

贝浩登丨M208

阿里·巴尼萨德尔（Ali Banisadr）

b.1976，伊朗

贝浩登将呈现阿里·巴尼萨德尔的个人项目“炼金术：转化的艺术”（Al-Kīmiyā: The Art of Transformation），通过绘画、雕塑与纸本作品的多重媒介，探讨人类恒久不变的“生成”冲动——指向变化、蜕变与更新。展名取自阿拉伯语 al-kīmiyā（炼金术）之词源，其内涵并非仅指物质的转化，更是一种哲学与精神层面的过程：对感知、知识与存在状态的重新构型。

展览中的大部分作品呈现为夜景：月亮升起于冬日的风景之上，人物在森林中聚集，风暴在无形中翻涌。对巴尼萨德尔而言，夜晚并非视觉的缺席，而是一种使转化成为可能的状态——在其中，意识得以松动，符号开始迁移，潜藏的结构浮现出来。

展览的核心作品是大型绘画《抄写者》。画面描绘了一个莎士比亚式的混合形象——半人、半颜料——悬置于幻觉般的空间之中。这件作品体现了巴尼萨德尔在自身身上所识别的双重身份：思想者与画家、学者与梦想者。

在《当诗人醒来，夜幕降临》中，转化同样扎根于自然世界。作品描绘了狼月之下的森林聚会，灵感来自艺术家与孩子们在积雪覆盖的夜间森林中徒步的经历。

这种符号的迁移在纸本作品《观月者》中继续展开。作品结合粉彩、炭笔与墨水，手势性的笔触与类似 X 光影像的视觉效果相互碰撞，唤起有机与机械之间的张力。巴尼萨德尔在创作中对技术的细腻回应贯穿始终，指向数字系统如何重塑感知方式与视觉文化。

展览中的雕塑作品将这些思考延展至三维空间。它们由最初以黏土、树皮、树枝与石膏塑成的小稿翻铸为青铜，诸如《吉尔伽美什》、《独眼巨人》、《阿尼玛斯》、《阿尼玛》与《炼金术士》等形象，既显古老，又带有未来感，宛如为不稳定时代而生的护符式守护者。

阿里·巴尼萨德尔，《抄写者》，2026, 布面油画, 149.9 x 180.3 cm, 图片提供：艺术家与贝浩登

阿里·巴尼萨德尔，《当诗人醒来，夜幕降临》，2026, 布面油画, 43.2 x 35.6 cm, 图片提供：艺术家与贝浩登

阿里·巴尼萨德尔，《观月者》，2026, 粉彩、炭笔和墨水纸本作品, 104.1 x 139.7 cm, 图片提供：艺术家与贝浩登

大卫·柯丹斯基画廊丨D113

露西·布尔（Lucy Bull）

b.1990，美国

大卫·柯丹斯基画廊将于本届展会呈现露西·布尔的三幅最新绘画作品，为观众提供一个深入理解其近期艺术实践的切入点。其中一件作品宽度逾四米，但其核心魅力更在于作品营造的沉浸感与细腻的情感张力。

露西·布尔的创作以抽象绘画为核心。画面中层叠的笔触、流动的色彩与复杂的肌理结构相互交织，构成一个开放且不具明确指向性的视觉场域。她的绘画并不强调线性时间叙事，而更关注绘画过程中反复生成与修正的状态。尽管作品最终以静态的绘画形态呈现，其创作过程却往往经历多次起始与停顿，这种非线性的生成方式也成为画面张力的重要来源。

在这些作品中，抽象形态的并置与色彩的游移为观者保留了多重解读的空间。露西·布尔既保持着对绘画传统的开放态度，又持续强调颜料在画布上的直接性与物质性，使作品在观念探索与感官经验之间形成微妙而稳定的平衡。

Lucy Bull，

13:23

, 2025 ， oil on linen ， 54 x 168 1/4 x 1 1/4 inches (137.2 x 427.4 x 3.2 cm)

Lucy Bull，

0:46

, 2025 ， oil on linen ， 100 x 76 x 1 1/4 inches (254 x 193 x 3.2 cm)

Lucy Bull，

14:15

, 2025 ， oil on linen ， 100 x 76 x 1 1/4 inches (254 x 193 x 3.2 cm)

高古轩丨M305

克里斯多（Christo）

b.1935，保加利亚

高古轩画廊将呈现克里斯多一组创作于1950年代末至1960年代初的早期雕塑作品，聚焦其标志性的“包裹”与“包裹物体”系列。这一阶段的创作不仅奠定了克里斯多日后艺术语言的核心，也预示了他此后与珍妮-克劳德长期合作的大型公共艺术项目的观念起点。

本次展出的六件作品包括《包裹油桶》（Wrapped Oil Barrels）、《行李架上的包裹》（Package on a Luggage Rack）、《包裹的画作》（Wrapped Painting）、《包裹》（Package）、《搬运车》（Dolly）及《包扎浮雕》（Applique Empaquetée）。艺术家以织物或塑料覆盖日常物件，并通过绳索加以捆扎与定型。在当时先锋艺术思潮的影响下，克里斯多通过对现成品外形与表面的改造，在遮蔽与显露之间建立起强烈的视觉张力：物件的功能被暂时悬置，其体量、轮廓与存在状态反而被凸显出来。作品既呼应家居与城市环境，又刻意切断人与物之间的实用关系，引导观者重新关注被日常性掩盖的细节。

克里斯多从斯大林时期的保加利亚出走，1958年移居巴黎，并于1964年最终定居纽约的迁徙经历，为这些作品赋予了更深层的内在语境。包裹的行为既暗示了物件的短暂性与脆弱性，也指向对私人物品的保护与携带状态，隐含着关于流动、边界与适应的思考。在中东这一长期重视建筑与纺织传统的文化语境中，这组“包裹”作品的呈现，产生了更为直接的文化回响。

Christo,

Wrapped Oil Barrels

, 1958–61 © Christo and Jeanne-Claude Foundation. Photo: Thomas Lannes

格莱斯顿画廊丨M317

亚历克斯·卡茨（Alex Katz）

b.1927，美国

格莱斯顿画廊将呈现美国艺术家亚历克斯·卡茨的三件大尺幅花卉绘画。作品延续卡茨一贯的平面化视角与克制美学，花卉这一主题也贯穿其七十余年的创作生涯。其中，1966年的代表作《香豌豆花》（Sweet Peas）将与近年创作的《百合9》（Lilies 9）及《百合14》（Lilies 14）并列展出。三件作品横跨近六十年，勾勒出卡茨在形式语言与观看方式上的持续自洽与稳定张力。

卡茨的花卉绘画并未被限定于传统静物的范畴。自20世纪60年代起，他便以写生小稿为基础，将花朵放大为近景画面，使其占据画面主体，却始终保持轻盈而平面的视觉效果。进入2000年代后，卡茨再次回到这一主题，将花卉推向壁画般的尺度，同时避免宏大叙事或压迫感，使作品在尺度扩张中依然保有清晰与从容的观看体验。

亚历克斯·卡茨，《香豌豆花》，1969，亚麻布上油画，243.8 x 132.1厘米，245.1 x 133.4 x 4.4厘米（含框）

亚历克斯·卡茨，《百合9号》，2025，亚麻布上油画，304.8 x 213.4厘米

亚历克斯·卡茨，《百合14号》，2025，亚麻布上油画，274.3 x 152.4 厘米

豪瑟沃斯画廊丨M101

菲利普·加斯顿（Philip Guston）

1913-1980，加拿大

豪瑟沃斯画廊呈现了20世纪美国艺术家菲利普·加斯顿的多件代表性作品。加斯顿的创作生涯横跨1930年代至1980年，其绘画实践——尤其是晚期作品中回归具象、带有强烈主观性与本能表达的形态，至今仍对当代绘画产生持续影响。他在1960年代末从抽象表现主义转向暗黑而私密的具象语言时曾引发巨大争议，这一转向如今已被视为现代艺术史中的关键节点。

创作于1978年的《交谈》（Conversation）出自加斯顿晚年最为集中的创作阶段，作品带有明显的自传性线索。画面延续了他反复出现的视觉母题：侧向的头像、注视的眼睛、香烟与烟灰缸，以及逐渐消散在明亮底色中的烟雾。这些元素构成了一种近乎自省的绘画语言，将私人经验转化为内省而克制的叙事。

与之并置展出的还有1970年的大型画作《标志》（Sign），完成于加斯顿具象转向的早期阶段。画面中汇集了红色手掌、窗户、悬垂的灯泡与漂浮的画布等标志性意象，构成一种介于叙事与象征之间的视觉结构。正如加斯顿许多晚年作品所呈现的那样，这些画面并非明确的情节再现，而是通过碎片化的图像，指向艺术家个人经验与时代氛围之间的张力。

Philip Guston，

Conversation

， 1978 ， Oil on canvas ， 152.4 x 132.1 cm / 60 x 52 in ， 159 x 138.5 x 6.5 cm / 62 5/8 x 54 1/2 x 2 1/2 in (framed) ， © The Estate of Philip Guston ， Photo: Jon Etter

Philip Guston，

Sign

， 1970 ， Oil on canvas ， 128.3 x 293.7 cm / 50 1/2 x 115 5/8 in ， 132.7 x 297.8 x 5.7 cm / 52 1/4 x 117 1/4 x 2 1/4 in (framed) ， © The Estate of Philip Guston ， Photo: Alex Delfanne

Philip Guston，

Orders

， 1978 ， Oil on canvas ， 200 x 244.8 cm / 78 3/4 x 96 3/8 in ， 203.5 x 248.3 x 5 cm / 80 1/8 x 97 3/4 x 2 in (framed) ， © The Estate of Philip Guston ， Photo: Jon Etter

里森画廊丨M315

奥尔加·德·阿马拉尔（Olga de Amaral）

b.1932，哥伦比亚

里森画廊将展出哥伦比亚艺术家奥尔加·德·阿马拉尔的一组大规模纤维作品，呈现其围绕材料、抽象语言与形式构造展开的持续探索。阿马拉尔将亚麻、丝线、金属箔等基础材料转化为具有光泽与体量感的色彩场域，在空间中编织出兼具结构性与韵律感的形态，其创作模糊了工艺制作与当代艺术之间的界限。从二维挂毯到具有雕塑感的立体纤维作品，她长达六十余年的创作实践，融合了中世纪圣像画的精神质感、古老裂纹般的表面肌理，以及现代主义网格的秩序感，构成一种独特的抽象语言。

作品《Cobalto》以浓郁的钴蓝色为主调，并辅以钯银色元素，唤起对哥伦比亚自然景观与艺术传统的联想，同时含蓄指涉殖民历史与原住民文化的多重背景。《Cintas entrelazadas》则通过粉红、紫色、黄色与绿松石色的交织，展现艺术家早期对色彩节奏与编织结构关系的探索。

阿马拉尔的创作常被形容为具有“炼金术”般的特质，即通过复杂工序使日常材料获得新的精神与物质价值。这一特征在《Cesta lunar 56》中尤为明显：亚麻、石膏、丙烯、日本和纸与金箔被层层叠加，形成富有流动感与深度的表面结构。在《Lienzo ceremonial III》中，上色丝线经由精确铺陈，构建出具有地形感的肌理，进一步凸显作品在媒介、尺度与感知层面的丰富性。

Olga de Amaral,

Cobalto

, 2014, Linen, gesso, acrylic, pigment, palladium, 102.9 x 163.2 x 2.5 cm, 40 1/2 x 64 1/4 x 1 in © Olga de Amaral. Courtesy Lisson Gallery

Olga de Amaral,

Cesta lunar 56

, 1994, Linen, gesso, acrylic, Japanese paper, and gold leaf, 210.2 x 269.9 x 4.4 cm, 82 3/4 x 106 1/4 x 1 3/4 in © Olga de Amaral. Courtesy Lisson Gallery

Olga de Amaral,

Lienzo Ceremonial III

, 1987, Linen, gesso and acrylic, 160 x 198.1 x 2.5 cm, 63 x 78 x 1 in © Olga de Amaral. Courtesy Lisson Gallery

佩斯画廊丨M301

琳达·本格利斯（Lynda Benglis）

b.1941，美国

佩斯画廊将呈现美国艺术家琳达·本格利斯的组合雕塑作品《大象项圈圆环》（Elephant Necklace Circle）。该作由37个黑色釉陶抽象元素构成，铺设于地面形成环形结构，属于艺术家自2016年展开的“大象项圈”系列。本格利斯通过生物化的打结形态，探讨运动、波动与有机生长在雕塑中的表现方式。

作为1960年代后期美国艺术的重要先锋人物，本格利斯在其长达六十余年的创作中持续推进材料与形式的实验。她尤其关注雕塑与身体、动作及感知经验之间的关系，对当代雕塑语言的拓展产生了深远影响。

“大象项圈”系列延续了她自1970年代以来对“结”这一形态与符号的兴趣。艺术家以手工挤压与塑形的方式完成陶土卷曲结构，将其与高速公路旁破损轮胎等日常形象相联系，赋予作品一种介于身体动作与物质生成之间的张力。本格利斯将这一系列形容为“冻结的动作”，强调形态中所蕴含的速度感与即时性。

在卡塔尔展会之后，本格利斯的个人项目“Lynda Benglis Encounters: Giacometti”将于2月12日至5月31日在伦敦巴比肯艺术中心展出，该项目通过其作品与阿尔贝托·贾科梅蒂的雕塑展开跨代对话。11月，佩斯纽约将于呈现呈现本格利斯个展。2027年巴塞尔艺术展期间，巴塞尔美术馆还将推出其大型回顾展，并于欧洲多家机构巡展。

琳达·本格利斯，《大象项圈圆环》，2016，© Lynda Benglis / Artists Rights Society (ARS), New York. Photo by Brian Buckley

施博尔画廊丨D206

安妮卡·易（Anicka Yi）

b. 1971，韩国

施博尔画廊将携安尼卡·易的个展项目亮相巴塞尔艺术展卡塔尔展会。展出作品包括绘画《ÚK¥》、雕塑《醋蚀裂隙》（Vinegar Fissure）以及两组壁挂式作品《后古典时期III》（Post Classical III）与《后古典时期V》（Post Classical V）等。这些创作展现了艺术家根植于陆地、植物、真菌和微生物物质性的美学理念。

绘画作品《ÚK¥》源于艺术家对机器学习与算法生成的持续实验。作品的图像结构由多个算法模型生成并相互叠合而成，其素材基础来自艺术家过往创作图像的数据库，并在不断引入新的视觉信息后发生演化——这一过程被她称为“自我吞噬”式的生成。

两组《后古典时期》系列壁挂作品由经天妇罗方式处理的花卉制成，这些有机材料被封存于树脂中，并排列于悬挂的有机玻璃面板上；其间可见置于透明层架内的镀铬哑铃。以炸制花卉作为创作媒介，源于安尼卡·易早期对新陈代谢、腐败与短暂性材料的研究。在这些作品中，花卉原本的装饰性与浪漫意象，与其逐渐油腻、腐坏的物质状态并置，而柔软的有机结构与健身器械冷硬、持久的工业质感形成对照，指向身体、消费与自我管理之间的张力关系。

雕塑《醋蚀裂隙》则延续了艺术家对材料与生物过程的关注，属于其“生物淤积雕塑”系列。所谓“生物淤积”，指微生物、藻类或植物在湿润表面形成生物膜，从而影响人造结构功能的现象。该系列作品通过模拟这一过程，暗示自然系统对工业与技术结构的持续渗入与侵蚀，挑战人类对洁净度、效率与控制的既定想象。作品中由玻璃器皿与管道构成的装置结构，以及其中缓慢流动的液体，也进一步唤起对内部器官与生理系统的联想。

安妮卡·易，《ÚK¥》，2025，丙烯、UV打印、铝制艺术家画框，135.9 x 204.5 x 3.8 cm

安妮卡·易，《后古典时期 III》，2025，天妇罗炸花、树脂、有机玻璃、不锈钢置物架、镀铬哑铃， 121.9 x 81.3 x 25.4 cm

安妮卡·易，《醋蚀裂隙》，2025，泡沫、石膏、颜料、天妇罗炸花、玻璃、管材，192 x 74 x 68 cm

*以上图片致谢各画廊及艺术家

出品人： 董瑞、吴双

撰文、 版式设计： Tina

审校：王欣然