观众请愿抵制春晚老面孔，从欢笑符号到换台信号，审美疲劳终爆发

前言

12月10日，春晚官方按部就班地对外公布了今年的新主题，本以为能激起千层浪，唤起大家对大年三十的传统期待，可点开评论区却是一场声势浩大的“请愿运动”。

这哪是对节目的期待，分明是一份早已忍无可忍的“避雷名单”。

观众的反应从未像现在这般直接且统一：评论区里没人在乎春晚节目安排，大家只想着能不能别让那几位“钉子户”再上台了？那些曾经带给我们欢笑的名字，如今怎么就变成了只要一听就想换台的“劝退符”？

关于“审美疲劳”的清算

当我们把目光聚焦在这五位深陷舆论漩涡的“老面孔”身上时，或许能窥见这几十年春晚语言类节目衰落的残酷真相。

郭冬临，这个顶着光头、喜气洋洋的大个子，一度是舞台上“好男人”的代名词。

想当年“一句话能成事，一句话能败事”不仅成了流行语，更精辟地总结了某种处世哲学，那时的他，是鲜活的。

然而不知道从哪一年开始，他的创作仿佛像一台停不下来的复印机。

尤其是在和黄杨搭档之后，一种令人窒息的公式彻底锁死了他的灵气。

无论哪一年，无论背景是社区还是家庭，人物关系雷打不动地定格在“女强男弱”的怕老婆模式。

剧本的走向更是看了开头就能背出结尾：必然是围绕家长里短的误会起头，中间穿插着毫无起伏的拉扯，最后猝不及防地转入煽情环节。

观众最怕的不是不好笑，而是这种赤裸裸的“说教图谋”。

不管前面吵得多凶，结尾强行“包饺子”大团圆，把一段原本可以很有趣的喜剧硬生生熬成了一锅没滋没味的心灵鸡汤。

当所有的冲突最终都沦为为了“讲道理”而存在的铺垫，喜剧的内核也就随之瓦解了，郭冬临在舞台上卖力地用那套几十年不变的表演风格试图感动观众，却没意识到，屏幕前的人们早就看腻了这种廉价的煽情。

如果说郭冬临是败在了“旧”，那么贾冰引发的反感则更多源于“尬”。

平心而论，贾冰早期的独特风格确实让人眼前一亮，但在登上那个全国瞩目的舞台后，他似乎误解了春晚的能量场。

在他的逻辑里，只要音量够大、动作够夸张，笑声就会随之而来。

那部被网友诟病的《风雪饺子情》简直成了近年来尴尬表演的集大成者。

为了传递亲情立意，他在十几分钟里像是复读机一样说了无数次“包饺子”。

这种表演上的用力过猛，让他看起来不像是来逗乐的，倒像是来宣泄的，更致命的是，有人发现他甚至开始拿着几年前的旧剧本“换汤不换药”地搬上现在的舞台。

前后半段的割裂感也成了他的“招牌”：前半段靠大吼大叫、肢体夸张来硬挠观众的胳肢窝。

后半段话锋一转，强行开启催泪模式。

笑点变得生硬且悬浮，根本不接地气，既不符合现实逻辑，也让人无法代入，当观众意识到自己还要忍受这种“大喊大叫式”幽默时，抵制便成了唯一的选择。

强行拔高的价值升华

而提到“硬挠胳肢窝”，就不得不提把一句口头禅用到海枯石烂的孙涛。

“我骄傲”——这三个字曾经让他名声大噪，甚至在一定程度上成为了他的职业勋章。

可悲剧在于，当勋章变成了拐杖，演员就连路都不会走了，连续十几年登台，孙涛的作品仿佛掉进了一个死循环。

依然是那些鸡毛蒜皮的琐事，依然是那个雷打不动的“包饺子”式结局。

在这些流水线般的情节里，他总是伺机要在最突兀的时候插入那句“我骄傲”，并配上那套仿佛设定好的夸张肢体动作。

这已经不是“致敬经典”了，而是一种让人尴尬的自我重复。

有些网友话说得很重：他是想复制冯巩的成功路径，却忘了掂量一下自己的实力几何。

除了抓取网络上那些快被用烂的热梗硬塞进剧本里，试图以此来证明自己“懂潮流”，他在创作上几乎看不到任何新的打磨。

十几年过去，留给观众的除了那句听得耳朵起茧的口头禅，竟再无哪怕一个值得回味的角色。

然而，更令人心寒的或许不是能力的枯竭，而是态度的傲慢，这一点，在岳云鹏身上体现得淋漓尽致。

那个曾经在小剧场里靠着“贱萌”风格突围的岳云鹏，凭着一首《五环之歌》站稳了脚跟，大家最初是喜欢他的，喜欢那种草根逆袭的憨态。

但不知何时起，这份“憨”变了味。

在那个寸秒寸金、全国直播的严苛舞台上，他竟然能出现忘词、笑场的低级失误。

如果是新人或许还能得到宽容，但作为常客，这很难不被解读为对观众的不尊重、对舞台的敷衍。

他的表演开始变得随意，仿佛只要摆出那副“贱兮兮”的表情，再说上一句“我的天呐”，大家就该无条件买单。

相声讲究说学逗唱，现在的他却总是“说着说着就唱起来了”。

段子里没了扎实的传统底蕴，充斥着廉价的网络流行语。

在春晚前期节目征集的消息流出时，很多人明确表达了对他的抵制，虽然也有粉丝辩解说他还在成长，但一个在顶级舞台上摸爬滚打这么多年的人，还用“经验不足”来做挡箭牌，显然是把观众的容忍度想得太高了。

“毁”在自己人设上的蔡明

谁能想到，当年那个灵动百变的“机器人”少女，如今会变成观众心中“尖酸刻薄”的代名词？这几十次登台的经历，似乎一步步把她推向了观众的对立面。

近年来的作品中，她固执地扮演着那类不讲道理、斤斤计较的“老太太”。

在舞台上，她对搭档（通常是潘长江饰演的受气包角色）极尽毒舌之能事，话语刻薄，还要配上那标志性的刺耳笑声。

一次两次是反差萌，十几次下来，这就是精神折磨。

更糟糕的是，她在脸部状态上的某些改变——那些本意是为了留住青春的医美痕迹，在高清镜头下显得格外僵硬，让很多上了年纪的观众都觉得“出戏”。

本来大家生活中就讨厌好为人师、喋喋不休的长辈形象，她偏偏要每一年都在大年夜强化这个让人生厌的人设。

这种表演不仅不好笑，反而让人打心底里感到不舒服。

这五位演员的现状，恰恰是现在春晚语言类节目尴尬处境的缩影。

很多人会问，为什么当年那句“我想死你们了”能点燃全场，如今同样的声音冒出来却让人头皮发麻？不是观众变挑剔了，而是那份真诚被弄丢了。

从某种程度上说，这种局面的形成，源于一种极度的创作惰性和保守的安全思维。

对于导演组和演员来说，沿用“老面孔”是最保险的策略，因为只要不出错，哪怕无趣也是可以接受的，资历成了护身符，创新反倒成了高风险的赌博。

于是，我们看到了一场场“拼凑式”的演出：剧本像模具，演员像标准配件。

网络热梗被生硬地移植，陈旧的误会被强行制造，为了追求所谓的“正能量”和“大团圆”，创作者们不敢触碰真正的现实痛点，只能躲在虚构的邻里纠纷里隔靴搔痒。

台下的人背负着房贷、工作和情感的焦虑，看着台上的演员在一片祥和的布景里，靠着几个误会和一顿饺子就解决了所有人生难题。

这种巨大的割裂感，让煽情显得苍白，让笑声变得虚伪。

正如12月3日那条征集微博下沸腾的民意：真正的年味，不是靠几个熟面孔强行挤出来的，互联网直播间里的素人，哪怕只是简单吐槽两句生活，都能获得百万点赞，因为那里面有真实的生活纹理。

而剧场里的相声之所以火爆，是因为它们敢于冒犯、敢于创新。

文化如果只停留在旧时光里吃老本，它就会像那部只能打电话的老年机，无论怎么粉饰，都装不下现代人丰富的情感应用。

结语

如今观众手里的遥控器就是选票，当那些缺乏诚意、自我重复的作品出现时，大家的每一次换台、每一句吐槽、甚至每一份“抵制名单”，其实都是在向创作者发出最震耳欲聋的信号。

我们需要的不是一张不会老的脸，也不是一句用了二十年的口头禅，我们需要的是真正尊重智商、贴近生活，能让我们发自肺腑笑出声来的作品。

如果做不到这一点，哪怕演的再华丽夸张，也不过是一层没人关心的包装纸罢了。

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