《雅歌》展对话后记：女性于角色多重间，守护创作之勇与自由

文/海珍

北京的冬日寒意渐浓，《雅歌》展览却为这座城市注入了温润的艺术暖意。此次展览汇集何韵兰、裘兆明、林萱、邱坚、孙路、范一冰六位艺术家近年来的新作与代表力作，六位创作者以各自独树一帜的创作语言与艺术风格，跨界对话、交相辉映，共同谱就一曲沁人心脾的艺术乐章。至此，为期一月的展览已悄然落幕，而展期内次第开展的十五场沙龙雅聚，仍历历在目——艺术家们以艺会友，在思想的碰撞中激荡灵感，在深度的探讨中沉淀感悟，更在坦诚的交流中凝聚起真挚绵长的同行情谊。展览虽已收官，余韵却如雅乐流转，久久不散。这场一期一会的艺术之约，不仅为凛冽冬日晕染开一抹温润亮色，更在时光中留下了隽永的艺术回响与人文温度。

其中，于2025年11月16日，由《雅歌》展委会与北京女美术家联谊会联合主办的“女性·艺术·人生”对话沙龙尤为深入人心，沙龙邀请了陈雅丹、潘缨、韦红燕、刘丽萍、安佳、胡里、袁玲玲等数十位艺术界朋友齐聚一堂。在对话开始之前，由六位参展艺术家分别介绍了自己的作品。

艺术家何韵兰介绍，本次展出的作品包含多幅今年下半年完成的新作，是继她在中国美术馆个展之后，想要有更放松的表达。她感慨，在当下多元的艺术环境中，保持自我并持续探索“好玩”的表达并非易事——这也是她仍在追寻的方向。她特别提及老师黄永玉先生所给予的启示，即艺术最珍贵的莫过于心灵的自由。这种自由的状态，她至今仍在寻觅。

艺术家裘兆明言，自己的创作始终扎根于鲜活的生活肌理——绍兴水乡的小桥流水、云南村寨的吊脚楼，还有年幼时“逃难”途中的见闻印记，皆为灵感的不竭源泉。受老师们熏陶，她的作品既重色彩的灵动表达，更执着于捕捉内心最真切的情感共鸣，让生活的温度与感知的深度在笔墨间自然流淌。

艺术家林萱向观众介绍，她的作品寄托着对家乡的深切怀念——重庆的山水、乐山的古佛，都在笔触间凝成静谧而深沉的回响。她希望借由这些熟悉的景象，传递出对世界和平的诚挚祈愿。

艺术家邱坚介绍自己从漆画到油画的历程，以及最初想要去“打基础”，学色彩，受先生影响，开始注重自己想要表达什么。对她而言，是一条从“学习如何画”走向“明白为何画”的路径。

艺术家孙路分享了她对坦培拉这一古老画法的理解与创作实践。她细致介绍了坦培拉的历史渊源、传统技法及其细腻严谨、富有层次感的特点，特别提到其在创作中常常带来一些“难以预设的肌理与微妙的色彩变化”，这也正是坦培拉的魅力所在。

艺术家范一冰介绍道，这批作品均为此次展览全新创作，其中部分甚至尝试在非常规材料——如洗碗布上完成。它们在风格上与以往截然不同，用色大胆鲜明，同时她也首次探索抽象语言的表达。这一切尝试，旨在突破自我创作的边界。

在赏析完展览作品之后，嘉宾们围绕创作、生活与成长展开了一场真诚而深刻的对话。她们中有资深前辈，也有中青年力量，虽经历各异，却在艺术与生命的交汇处呈现出惊人的共性：在多重社会角色的挤压中坚守创作，以柔韧而坚定的姿态，将生活转化为艺术的养分，并在自我觉醒与集体共鸣中不断前行。

多重角色与时间争夺：女性艺术家的生存现实

沙龙中，多位女艺术家不约而同地提到女性在家庭、职业与社会责任中的多重身份。陈雅丹以“水”为喻，指出女性需灵活适应生活赋予的角色：“结婚、生子、做家务……这些都是绕不开的责任。”她坦言自己曾排斥这些琐事，但最终选择“坦然接纳”，并“挤出所有能利用的时间去画画”。

北京服装学院教授安佳的经历也很有代表性。她身兼行政职务、教学任务与家庭重担，却仍在1993年牵头在学校成立新的学系并推动硕士研究生平台的建立。东北锡伯族后裔血液中的那份大气豪爽一直在她内心涌动，“总觉得自己还能做点什么。”是驱动她一直前行的动力。

退休后，她欣慰地看到该系发展为美术学院。她说，“总觉得自己还应该前行！”

这种“挤时间创作”的状态，几乎是所有在场艺术家的共同体验。她们并非生活在真空的“艺术象牙塔”中，而是扎根于现实土壤，在琐碎的日常生活与家庭负重中寻找创作的缝隙，并尽可能地保护着自己身上的力量，不甘心被磨损。

艺术作为精神轨迹：从现实到表达的转化

“艺术创作对我来说，启发了我对世界的感知和感物的兴趣，也启发了我想表达这种兴趣的探索。”韦红燕在沙龙开场时的这句话，为她的艺术哲学定下了基调。她提出了一个独特的“生命双轨迹”理论：“我感觉我的生命有两个轨迹。一个是无常的日常生活，吃喝玩、工作等等，形成了一种生存方式；另一个是艺术上的轨迹，是现实生活背后的心理活动形成的，看不见摸不着。”

这种对生命轨迹的深刻认知，使她的创作超越了单纯的技艺层面，进入到精神表达的深度。她将创作过程精辟地概括为：“把现实的信息转换成精神信息，再把这种看不见的非物质的东西物化出来，形成作品。”在这个转化过程中，她特别强调心理活动的重要性：“这种心理活动里有对生命、对各种事物的问询、疑惑、感知和感悟，很多没有结论，但有情绪上的活动。”

生命阶段的转变在她的创作中留下鲜明印记。她坦言："等结婚生子后，从孕育到养育孩子的这段时间，人就变了，现实变了，心态也变了，有了前所未有的爱，我觉得女人大概都会走过这样的路程。"这个时期的代表作《三月风景》，源于她带着年幼孩子在小区转悠时的敏锐感受。

随着人生阅历的丰富，她的创作主题也走向更深层的思考。《诱惑》系列的创作源于她对罂粟花的独特感悟：“花本身没有罪恶，是后来被人利用变成了毒品。我借用罂粟这个道具，创作了《诱惑》系列，想表达世界上各种各样的诱惑。”在创作过程中，她进一步深化认识：“画着画着我感悟到，诱惑源于欲望，没有欲望就没有诱惑。”

胡里的创作则是对生活物象的深度共情。2015年莱州写生时，一艘残破却坚韧的老式木船触动了她，由此诞生了“老船”系列作品。她以蓝色调勾勒船的筋骨，既展现其驰骋大海的辉煌过往，也传递出残破之下的生命力量；而“老椽”系列则源于雨中写生时对残留房梁的凝望，那些缺失梯子的老旧房屋木架，承载着家庭的温暖与烟火气，最终以长卷《灵界》被妇女儿童博物馆收藏。

对胡里而言，这些看似普通的物象早已超越了本身的意义，成为承载情感与故事的精神载体，而仰视的创作视角，正是对生活本身的敬畏与珍视。“这些作品已不能用单纯的物象来界定，它们承载着过往的故事。”

“创作过程中并不需要想太多，也不用一定要去画宏大的题材，那些生活中琐碎的、不经意的发现都是创作的素材。”刘丽萍在沙龙中的这句话，恰是她艺术道路的最佳注脚。

1987年在附中图书馆，她第一次看到弗洛伊德作品时深受触动：“他竟然能将生活中琐碎、甚至像垃圾一样的日常事物，组织成完整的画面。”这个发现让她确信，艺术的真谛不在题材大小，而在于发现的眼光。

“最初画静物花卉，有时候绘画中被鼓励，比如画小菜园，被广军老师鼓励，于是继续画了下去。”对日常生活的敏锐感知，奠定了她始终扎根生活的创作态度。

刘丽萍用她的艺术实践告诉我们：真正的创作，就是在生活的土壤中深耕，在寻常处发现不寻常。

性别意识与自我觉醒：从“被定义”到“自我定义”

潘缨的发言直指性别议题。她虽成长于“男女平等”的教育环境中，却在生活中遭遇诸多男女被区分对待的不公：小学因肤色白皙被批评“娇气”，中学劳动时，饿了想多吃个馒头，会被妈妈教育“要比男生少吃一个馒头才好”，画儿在画廊卖得很好，却因为买家知道了作者是女性而因被退货……即便是如此，她依然没有改变要强的个性，在部队中，坚持参加跑步比赛，且成绩比男生更强。越是被外部环境挤压，越是激发出了她内在的力量与个性。这份逆动力也一直驱动着她不停歇地大步向前。她在男性主导的环境中坚持成长，20多岁时因“女性的觉醒”创作出一批代表作。她说：“我的成长更像一场赛跑——要和男性一样强大！”

袁玲玲则坦言自己曾害怕被贴上“女性画家”的标签，担心失去话语权。后来她逐渐打破性别壁垒，“开始真正追求自我作品的质量，直面和探讨问题的本身”。

这种从“被定义”到“自我定义”的转变，是许多女性艺术家共同的心灵历程。她们不再回避性别身份，而是将其转化为创作的动力与视角。

创作与生活的互文：艺术是生命的另一种叙事

陈雅丹提到，她不仅画画，还作曲、写诗、缝制衣服，并参与公益环保，“这些看似和绘画无关的事，却让我的生活变得格外充实”。她的艺术不再只是叙述个人，而是与整个时代与社会链接。作为“五彩石”元老级艺术家，她发起了颇具影响力的“蓝丝带”公益行动。陈雅丹说：“我们始终相信，这个世界缺了女性艺术家的作品是不完整的。”

如今，她和日常生活相互滋养着的，从不得不做一些家务，到享受家务中的乐趣，她与自己已经达成了完全和解。

刘丽萍的那句话“年轻的我们无所畏惧，根本不担心未来如何，只是凭着一股冲劲硬着头皮画。”让现场很多人动容，这种勇气源于她对创作本质的理解——真诚比技法更重要。当有国外评论家说她的作品“有点像德国画家基弗的风格”时，她坦诚回应：“我画的只是北京郊区的土地，比如圆明园和颐和园边上的荒地。”这种不刻意追求风格，只忠实于自我感受的创作态度，让她的作品自然流露出独特的艺术个性。当艺术创作完全忠实于内心，就会获得极大的自由。

韦红燕自我评价作品有点庞杂，但她认为这正是生命轨迹的真实写照：“回顾自己的作品排列，会发现这其实是生命另一种形式的轨迹，是成长的轨迹，可能在不断成熟，也可能还在幼稚，因为有些问题永远解决不了，我们一直在成长、一直在询问，作品也是如此。”这种将艺术与生命成长紧密相连的状态，也正是无数艺术家的成长路径。

艺术家何韵兰在沙龙尾声时感言，女性艺术家展现出一种动人勇气与坚持，从感知到感受，从精神到心灵，是经历了很多挣扎与不放弃之后才获得的创作自由，那些“漂亮的小叛逆”所成就得不止是艺术上的个性探索，更有人格上的完整与饱满。

是的，在这场沙龙中，呈现的不仅是各位艺术家的个体发言，更是一幅女性艺术群体的精神图谱。她们在家庭、职业与社会的多重角色中穿行，在时间与精力的挤压中守护着自己内在最本真的感受与创作的力量。她们不将性别困境作为羁绊，反而转化为动力，她们将如水的智慧融入生活与艺术创作中，从不言放弃，永远在场。

策展人、艺术家孙玉珍总结说：“女性的美，既藏在艺术作品的灵动笔触里，也显在人生旅途的步履中。”这句话或许正是对这场沙龙最好的总结。艺术于她们，不是逃避现实的乌托邦，而是与现实对话的另一种生命呈现方式。在彼此的温暖的交织中，活成了自己最想抵达的样子。这也是此次沙龙最动人的地方。

沙龙在陈雅丹优美的诗歌朗诵中温馨结束，而属于女艺术家们的内心对话，才刚刚开始。

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