中国95后女孩，用一个橘子征服西方？她的笔下充满欲望和情感

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艺非凡（ID：efifan）

她把“火”和“水”画进了生命，

也把孤独和欲望交给了观众。

一个年仅28岁的中国女孩，让全球拍卖场沸腾了。

她只用了一年时间，就刷新记录，以惊人的速度横空出世。

不久前，她的作品《在死的冰上起爱的火灾》以139.7万港币成交，超出了估价的两倍。

▲《在死的冰上起爱的火灾》

有人说，她是艺术市场的黑马；也有人说，她的作品像一场无法预设的实验。

在一次次高价拍卖的背后，她仍在追问：什么才是让创作真正成立的瞬间？

▲ 李黑地

她就是炙手可热的百万新锐艺术家——李黑地。

01

对话

在工作室里，李黑地常常喜欢和材料“对话”。

她把陶土捏成奇怪的容器，用竹条搭起看似随意的结构，再让色粉从高处倾泻而下，留下一道道不确定的轨迹。

那一刻，她不是在完成一幅画，而更像是在表演一场关于偶然和必然的实验。

▲ 《当我们的唇一起说》

这种创作方式，几乎成了李黑地的标志。

不同于许多青年艺术家习惯先打草稿、再逐步推进的流程，她更愿意接受不确定性，让水、火、色粉、金属甚至身体的痕迹一起参与创作。

对她来说，艺术不是在展示一个精心设计的结果，而是不断寻找“成立的瞬间”。

这个瞬间可能只是一块陶土塌陷的形态，也可能是红色颜料在水里晕开的姿态。

▲ 《丛林中的糖妈咪》

正是这些不经意的瞬间，成为了她作品里最打动人的部分。

02

“火舌”系列

在李黑地的个展“火舌”里，展厅仿佛被一层厚重的红色包围。

那不是单一的红，而是从火焰般的炽烈，到血液般的深沉，再到丝绸般的柔润。

观众一走进去，便被这股热烈的能量所裹挟。

▲ “李黑地：火舌”展览现场。佩斯画廊，香港，2025

长期以来，李黑地的作品总与“水”有关。

水的流动、沉溺、吞噬，是她表达自我与记忆的一种方式。

▲ 《The Unforeseen Flooding the Abyss》

但在“火舌”中，她选择了另一种极端的元素：火。

火与水并非对立，而是一种相互转化的存在。

水让人“沉没”，火让人“燃烧”。

▲ 《一袋来自未来的泪》

李黑地在这两个极端之间，寻找的是同一条关于生命的脉络。

观众站在画前，会不自觉联想到《东方不败之风云再起》中红袍翻飞的场景，那种凌厉、孤独又热烈的气息，正是李黑地想要营造的氛围。

▲ 《丰收时节的草火》

她称这种红色为“火舌”。

“它像是一把刀，把日常生活中那种湿湿闷闷的感觉切开，是一道锋利的舌头，舔向点燃湖面的火星。”李黑地在访谈中这样解释。

在作品里，红不仅是颜色，更是一种情绪的具象化。

▲ 《I’m Not Ready to be Born a Child Again》

它是欲望、是愤怒、是生命的沸点，也是一种重生的力量。

李黑地把它放大到极致，观众在这种压迫性的视觉氛围里，不得不直面自己内心的某种“火”。

▲ 《She says her love is big, Like she loves wind, Like she loves trees》

李黑地的作品，从来不只是视觉的游戏。

她在工作室中有一个习惯：无论是在绘画还是雕塑创作时，总会让有声读物在一旁播放。

那些流淌的文字和颜料混合在一起，像化学反应一样，生成了独属于她的画面语言。

在“火舌”系列里，“舌”的意象不仅仅是感官器官，更是语言的出口，是叙事的工具。

▲ 《初秋的野苏⽊》

李黑地把它变成了一个核心符号——既能舔舐、感受、制造欲望，又能切开、撕裂、留下伤口。

观众在看这些画时，会感觉到某种“说不清的故事”在暗处流淌。

▲ 《Drowing in the Thick Air of the Dissolute》

比如《怪兽就在我们之间》这幅作品，就深受韩江小说《素食者》的启发。

小说里女主人公逐渐“植物化”，身体被花朵覆盖，和姐夫发生了一种超现实的“植物式交合”。

这种充满破坏性的场景，彻底打碎了李黑地对身体边界的固有认知。

▲ 《怪兽就在我们之间》

她在画布上创造出花瓣状的伤口、血管般的根系、膜状的巢穴——仿佛肉体不再是坚固的容器，而是自然暂时借来的脆弱外壳。

李黑地说：“欲望像藤蔓，既能缠绕生长，也能窒息绞杀。”

她的画面因此充满繁复的有机形态，既生猛又脆弱。

▲ 《春风沉醉的夜晚》

观众站在画前，像是同时看到了身体的内部与外部，看到了人作为个体和自然的一体性。

这种魔幻现实主义的特质，让她的作品常常游走在现实与幻象之间。

▲ 《把⾁⾝里的⽩压住厌倦这⼈⽣粉扬的事态》

李黑地不直接讲故事，而是营造一种氛围，一种介于语言和图像之间的张力。

那种若隐若现的叙事，就像小说里的暗线，需要观众自己去解读和感受。

▲ 《洪水展开》

在李黑地的创作序列里，《时间在我耳窝咆哮如河流》无疑是一幅极具代表性的作品。

它不仅在视觉上拥有宏大的气势，更承载了她对“时间”和“记忆”的独特理解。

▲ 《时间在我耳窝咆哮如河流》

创作的种子，在一次旅行中悄悄埋下。

2019年，李黑地去到墨西哥，站在一片墓园前。

她看到成片的万寿菊覆盖着大地，橙黄色的花海延伸到视线尽头。

而就在花海之上，一对年轻情侣紧紧拥抱亲吻。

▲ 《Adulterated Wind & Unmowed Grass》

那一刻，生与死、爱与离别，在同一个场景中重叠出现，既荒诞又温柔，也让她第一次如此清晰地意识到“时间”的存在。

带着这种震撼，她在巨幅画布上开始探索如何把这种并置感呈现出来。

她先用绿色金颜料打底，为画面奠定一种厚重又流动的基调；接着，她用那不勒斯黄铺满大面积的空间，再以淡紫色点缀局部。

▲ 《时间在我耳窝咆哮如河流》局部

随着创作推进，黑色的形状不断涌现，像散落的罂粟，又像沉在水底的影子。

最后，她把橘色万寿菊般的色彩泼洒上去，并在表层留下带有石灰质感的白色斑痕，让整个画面仿佛带着土壤的肌理。

完成的画作看上去像是一片巨大的湖面，时间的沉积层在其中一层一层展开。

观众走近，会看到色彩像在流动，像河流一样从耳边呼啸而过。

▲ 《Oscillating Womb》

对李黑地来说，这幅作品的意义在于：它不是再现一个具体的场景，而是承载一种感觉，一种“时间如何在我们身体和记忆中流淌”的感觉。

她说：“我希望画布像土层一样，可以吸收和保存时间。”

这种处理方式，既延续了她对有机形态的偏好，也展现了她如何在具象和抽象之间找到平衡。

▲ 《Slow Dip, A Billion Worlds Rise》

既能让人看到花、看到水，也能在抽象的色彩关系里感受到一种难以言说的情绪。

03

文学音乐的交织

在李黑地的工作室里，很少安静。

她习惯让有声书、音乐甚至诗歌的朗诵声在空气中流淌，那些文字与旋律会和颜料、色粉一样成为创作的材料。

她常在创作时听古典乐，也会放上爵士或电子乐。

▲ 《The heaviest of burdens crushes us, we sink beneath it, it pins us to the ground》

节奏快的时候，她会让笔触更急促，色彩更浓烈；而在舒缓的旋律中，她的线条则变得轻盈，甚至像呼吸般一收一放。

有评论家形容，她的画作仿佛能“听见节拍”，这种带有音乐性的流动感，成为她作品的一大特点。

她自己也承认：“我不是那种先想清楚再动笔的人，我更像是在和音乐、文字对话，它们说一句，我在画布上回应一句。”

这种创作方式，使得她的作品带着一种开放性，不是单纯的视觉符号，而是一种跨媒介的感官体验。

这种跨界的吸收，也解释了为什么李黑地的绘画常常被评价为“魔幻现实主义”。

▲ 《Unquenchable Laughter, Inescapable Desert》

既有文学的叙事影子，又有音乐的节奏感，画面看似抽象，却让人觉得背后有故事、有声音、有呼吸。

尽管接受过系统的人物绘画训练，李黑地却一度对具象形象心生困惑。

▲ 《Of Mercy to Shelter and Shield》

早年她的画作里常出现人物，甚至努力去追求形似，可她很快发现，这种“像”的表达缺乏真正的力量。

看似准确，却无法触及内心深处的情绪。于是，她开始尝试抽象，让色彩和形状代替语言，去传达那些不可言说的感受。

▲ 《Empty Your Heart with Mortal Dreams》

然而，人物从未真正离开过她的画布。它们像是被压抑的欲望，总会在某些时刻悄然浮现。

她逐渐意识到，画面里人物出现的频率，往往反映着她与自我的关系。

在作品《We’re Already Baptised》中，人物与抽象的元素同时存在。

人物形象的肢体蜿蜒扭动，与大片的色彩、纹理交织在一起，既像是挣扎的身体，又像是一团燃烧的能量。

▲ 《We’re Already Baptised》

这种暧昧的状态，恰恰展现了她不断拉扯、寻找平衡的过程。

对李黑地来说，抽象并不是逃避，而是一种延展。

它让人物摆脱了现实的局限，成为情感和经验的投射。而人物的回归，也使画作不至于完全抽离，依然留有与观众共鸣的桥梁。

▲ 《我在荒岛上迎接黎明》

她喜欢用“成立的瞬间”来形容这种平衡感。

那是当一幅画中具象与抽象终于相互拥抱、相互解释的时刻，也是她最为期待和痴迷的创作高点。

04

新星

在当代艺术市场趋于谨慎的环境下，李黑地的名字却像一颗突然升空的星。

2024年，她的作品《橘泳》在富艺斯拍卖会上以95万港元成交，创下个人纪录的同时，她也成了西方国家的宠儿；

▲ 《橘泳》

不到一年，《洪水展开》又以127,000美元（约99万港元）的价格落槌；

紧接着，《在死的冰上起爱的火灾》更是以139.7万港元成交，超出估价两倍。

这一连串的纪录，让年仅28岁的她，成为同辈中最受市场瞩目的中国青年艺术家。

▲ 《一整天，我看陆地分裂成海洋》

这种速度，几乎可以用“现象级”来形容。

毕竟，在当下保守的市场氛围中，新锐艺术家的作品往往需要经过漫长的积累，才可能被收藏界认可。

▲ 《四月，最残忍的季节》

但李黑地似乎打破了常规，她的画不仅在一级市场畅销，在二级市场也屡屡拍出高价。

然而，面对“价格飞升”的热闹，她本人却格外冷静。

李黑地常说：“数字不会带来作品的意义，它们只是附属的声音。”

▲ 《Throat Slit Opened by the Sun》

她清楚地知道，市场的狂热既是机会，也是陷阱。

因为当价值被过度关注时，作品本身很容易被淹没在价格的泡沫里。

她承认自己有过短暂的摇摆。

▲ 富艺斯纽约现代及当代艺术晚间拍卖现场

毕竟，年轻艺术家很容易被市场的快感裹挟。

“当你看到作品在拍场上翻倍成交时，会忍不住想，这是不是一种认可？可转念又觉得，如果创作只是为了迎合价格，那我的画会变得空洞。”

这种矛盾，几乎贯穿了李黑地这几年的成长。

▲ 《陨籽》

她一方面享受被看见的快感，另一方面却格外警惕这种快感会成为束缚。

于是她刻意在市场和自我之间，留下一道安全距离。

她从不追求高产，每年坚持有限的创作数量；也很少频繁出席市场活动，更愿意把时间投入到工作室。

▲ 《競》

在外界看来，这种“慢”的姿态或许并不符合市场节奏。

但在李黑地自己眼里，真正的难题不是卖得快不快，而是如何在每一幅画里，找到那个令自己信服的“成立的瞬间”。

她说：“我不怕走得慢，我怕的是走着走着，就和自己丢了。”

▲ “Li Hei Di: 700 Nights of Winter”展览现场。Pippy Houldsworth 画廊，伦敦，2024

回望李黑地的创作之路，人们很容易被她28岁的年纪、不断刷新的拍卖纪录和国际蓝筹画廊的签约光环所吸引。

但真正支撑她走到今天的，不是这些耀眼的数字，而是她始终对创作本身的执着。

无论是在香港佩斯，还是在北京、上海的群展现场，李黑地始终把作品放在最前面。

▲ 《夜半潜逃》

她用红色的热烈、黑色的冷峻、绿色的暧昧，拼接出一个既充满欲望又带着孤独的世界。

在那里，火与水、肉体与记忆、欲望与自我，都在画布上反复交织。

她的画面既有直击人心的冲动，也有令人细细咀嚼的隐喻。

▲ 《红桃》

她常说：“我画的不是答案，而是疑问。”

也许正因为如此，她的作品才会让人一再回望，仿佛在其中看见了自己的一部分。

在被市场高举的当下，李黑地却依然把自己当作一个探索者。

▲ 《绿菊》

她不急于被归类，不急于贴上标签，而是不断去寻找新的边界。

她的每一次展览，都像是一次自我解剖；每一幅作品，都像是与观众的一场秘密对话。

也许，这就是李黑地最动人的地方。

▲ 《妾堕玄海》

虽然她赢得了市场和学术的双重认可，但她并不急于享受这些荣光，而是愿意一次次推翻自己，再从废墟里重新搭建属于她的世界。

未来的路还很长，属于她的飞升，才刚刚开始。