OK! 织梦人 | 第19届FIRST超短片单元：用5分钟实现影像革命

时装

FASHION

报道

REPORT

美容

BEAUTY

第十九届 FIRST 青年影展的超短片单元，如一场轻盈的影像盛宴，在西宁的夏日里落下帷幕。

今年，603部来自世界各地的作品汇聚于此，76%的创作者是30岁以下的年轻人。他们握着手机，他们握着手机、运动相机，甚至监控设备，像握着一把把轻巧的钥匙，在5分钟的方寸之间，撬开了生活的肌理，露出那些被忽略的、滚烫的、带着毛刺的真实。最终，20部竞赛作品与20部展映作品亮相，这些散落在时光里的碎片，拼凑出Z世代影像创作的鲜活模样。

超短片的魔力，或许正在于它的“不设限”。当长片还在为剧本打磨、演员档期、后期周期焦头烂额时，这些年轻创作者早已用手机完成了一场场“闪电战”：在拆迁房的废墟里捕捉记忆的残影，用监控镜头拼接爷爷奶奶的日常絮语，让AI的“不完美”成为情感的裂痕，甚至让发条青蛙沾着颜料在画面上跳出随机的诗。正如评审鲍德熹在见面会上所说：“5 分钟能够做到什么，真是了不起。”在电影市场略显低迷的当下，这些“轻量化”的创作反而因贴近时代的锐度与趣味，成为一股不可忽视的新鲜血液。

为什么我们需要超短片？评审陆晔的话或许给出了答案：“它不仅是创作的权利，更是观看的权利。”当手机成为身体的延伸，当每个人都能随时按下“REC”键，影像创作终于跳出了“专业”的围墙。那些用手机拍摄的画面，带着呼吸感的抖动；那些监控镜头里的碎片，未经修饰的真实；那些 AI 生成的模糊轮廓，藏着技术与人性的对话——这些“不完美”恰恰构成了超短片的独特美学。它让创作者不必等待资金、不必迁就档期，只需对生活保有敏锐的感知，就能完成一次与世界的对话。正如鲍德熹所警示的：“电影的模式将在 5 年内发生翻天覆地的变化”，而超短片，正是这场变革的先声——它探索着新技术的可能性，追问着影像的本质，更守护着创作最本真的冲动。

本届超短片单元的荣誉时刻，为这些勇敢的探索者送上了掌声。300 击颁奖授予《我有你没有》《佬石的维权》《吉时已到》三部作品，它们以锋利的社会观察与大胆的形式实验，成为 “持续创作计划”的代表；vivo手机创作奖由《最贵的面条》摘得，导演涂海伦用手机镜头讲述了一个温暖的童话，证明轻量化设备也能承载厚重的情感；影像探索奖归属《机械涟漪》，邱润枫让发条青蛙在颜料里奔跑，用随机的轨迹解构了“机械重复”的命题，让实验性与诗意达成了奇妙的平衡；评审团大奖颁给《篱笆房，苹果园》，周白羽以 AI 技术拼接末班地铁的记忆，将城市通勤转化为一场诗意的逃逸，技术在这里不再是工具，而是叙事的骨骼；年度超短片则被《我取消我自己》收入囊中，韩夏以“中女”视角直面社会结构中被忽略的沉默与愤怒，用 5 分钟完成了一次有力的宣言。

这些获奖作品，恰是超短片多元面貌的缩影。它们证明，5 分钟从来不是束缚，而是一种“倒逼”——倒逼创作者剥离冗余，直抵核心；倒逼他们在有限的时空里，埋下最动人的钩子。正如评审张大鹏在见面会上所说：“现在的商业短片节奏越来越快，年轻人需要更直接的刺激”，而超短片早已抓住了这种时代的脉搏，用高密度的创意回应着我们对影像的期待。

见面会上，评委们的讨论，更让我们看到超短片背后的深层价值。鲍德熹反复强调 “年轻人要更大胆”，他坦言自己看到 AI 技术的飞速发展时，既警惕又兴奋：“当你还在想怎么摇镜头时，AI已经能做出更出类拔萃的画面了”，但他更相信，技术终究是创作者的工具，“内容为王”永远不会改变。陆晔则坚守着超短片的“多元性”，她透露评审过程中 5 位评委选出了11部“最佳作品”，“未获奖的作品依然有可圈可点之处”，在她看来，超短片的意义不在于“评出最好”，而在于“让更多声音被听见”。董子健从导演与演员的双重身份出发，看到了超短片里藏着的长片潜力：“大家相互启发，相互激励，保持胆子大，就有可能走得更远。”

从洞穴壁画到数字云端，人类从未停止用“记录”确认自身的存在。这些5分钟的短片，或许终将被更多新的作品淹没，但它们播下的种子——对技术的好奇、对真实的执着、对表达的渴望，终将在影像的土壤里，长出更繁茂的森林。正如鲍德熹在见面会结尾所说：“奖项只是一个很小的开始，你的下一个作品，才是最好的作品。”

SPECIAL REPORT

OK!独家对话

土豆

喜剧演员

FIRST超短片预选评审/颁奖主持人

作为今年FIRST超短片预选评审与颁奖主持人，喜剧演员土豆幽默表示，“体会到了‘权力’的感觉，之前都是一直被别人审核作品，这次终于有机会审核别人了！”虽是玩笑，但真正到了评审的时候，他还是非常认真细致地去评选这566部作品。他坦言，今年的实验性短片确实不少，剧情叙事相对少一些，但总体上还是把握了一定数量的平衡。“不过既然选择了我是评审之一，我就会按我自己的思考来选择。比如有些作品我很困惑，明明已经是很精细的高质量大制作，为什么要投递超短片这个赛道呢？还有一些表达的议题陷入了‘互联网观点的循环’，很多已经在小红书、短剧中看过了。”对于超短片5分钟的时长，土豆觉得“还是有点长了，有的观点在短视频里40秒就能讲完”，在多样的内容形式冲击下，超短片将更考验创作者的凝练能力。

于此同时，他也被许多“富有生命力和艺术性的片子”打动，比如那部让他印象深刻的入围作品《别抽烟！》，一群大学生用生涩的英文念叨着“不要吸烟”，看似笨拙，却也因那份“纯玩”的个性与率真，在众多作品中留下了鲜活的印记。有些时候，“奇怪”和“不一样”，或许才是生活里有趣的组成。

“做个少数派挺重要的”，土豆说。

OK!:在FIRST超短片当预选评审，看过这么都作品后，有没有跟您平时自己的想法产生一些新的碰撞，或者带来一些影响？

土豆：这566个短片里，好像有一个纯“无意义”的作品，也可以说是“解构意义”，叫《尖叫鸡时刻》。它就是用尖叫鸡演奏音乐，整体好像就一两分钟，也不长，就是表达了这一件事，很荒诞。但我觉得，当大家都选择宏大叙事的时候，这位创作者在做无聊的事情，这很有趣。就像是当大家都在搞抽象的时候，却有一个人站出来表达观点，我觉得做少数派挺重要，这是影响我的。我估计也是这个原因，所以后面的评委选择把它放到展映环节，因为它代表了某种色彩和某种力量，和其他的作品是不一样的，所以“不一样”我觉得就是一个很好的艺术表达。

OK!:日常生活中，您是如何挖掘和寻找创作素材的？

土豆：我主要还是以喜剧，尤其是小品为主。我会看社会新闻，平时也会溜达，我会非常漫无目的地在人口相对密集的胡同和商场进行观察，看看平常大家都是怎么生活的，也许能在平凡中找到一些东西。比如有一次我在胡同溜达，发现大爷大妈的话太密了，我这辈子都没见有人话这么密过，我觉得真这么写成剧本，观众都不会信，“怎么可能有人一个小时不停在说话”，但这就是发生了，我觉得就是观察生活最重要。

OK!:最近有喜欢的书或者影视剧吗？

土豆：我现在除了传统媒介，多了一个新手段，就看听播客。我感觉最近博客的语言密度和知识密度正在增加。我这一年最爱听鲁豫老师的节目，除了主持水平很高之外，它跟其他播客不太一样的是，你还能听到更多嘉宾的声音。现在的播客凝练了很多人的想法，在这个采访和讨论的过程中，很多人说了一些真实的事情，我觉得这个算是我的新“阅读”。

OK!:如果有机会再来FIRST,会想体验点什么？

土豆：我想当参赛选手拍短片。

OK!独家对话

邱润枫

青年导演

《机械涟漪》

让发条青蛙，跳一支随机的舞

获得最佳影像探索奖的青年导演邱润枫，2022年的纪录短片《集会》曾入围第16届FIRST青年电影展，但这几年，他的作品逐渐转向更多领域，做过装置、媒体艺术，最近一直在做手绘动画作品。这次创作的《机械涟漪》更像一场关于“偶然”的实验。他带着 “游戏的心态”，用闲置的手机拍摄，反倒让这部作品成了长项目间隙的“呼吸”。

发条青蛙沾着颜料在画面上奔跑，留下弯弯曲曲的轨迹。他说，发条与机械看似代表绝对重复，但“表面的重复中其实充满了潜在的随机性，颜料的轨迹与变化是这种随机性最直观的体现”。影片中每一幅“画”都是一次拍摄完成，他不刻意控制结果，只是静静观察：“这也是实验动画区别于传统动画的魅力所在。”这种将实拍与逐帧动画结合的尝试，为他后续的创作提供了新的基底。

OK!：超短⽚的时长限制对创作来说是⼀种束缚还是⼀种激发创意的动⼒？

邱润枫：太多的视频和⼴告都试图在五秒钟抓住⼈的注意⼒，相⽐之下五分钟已经显得有些奢侈。可能时长本⾝并不那么重要，⽽是放映结束后，它是否真的在观众记忆中留下印象和回味。

OK!：你觉得过往的创作和表达，受到过哪些⼈、事物、作品的影响？

邱润枫：暂且不论更早更远的影响，这⼏年我们可以明显感受到电影，动画，当代艺术的边界正在模糊，同时海量的AI⽣成图像/影像也倒逼我们思考创作和劳动的意义。相⽐⼀键⽣成式的图像⽣产机制，我开始更加留意⼀件作品的制作过程，不论是静态图⽚还是动态影像。我也对混合媒介制作的影⽚产⽣了更多兴趣，学习如何更有机地处理不同的材料，或是不同的放映空间如何双向影响作品与观看者。

OK!独家对话

马海蛟

青年导演

《来自太阳的光》

西北的墙，晒着时光与诗

超短片入围作品《来自太阳的光》是青年导演马海蛟对于“地域与时光”的深情回望。这次创作始于宁夏驻留时的一个瞬间：冬日正午，一只鸟的影子掠过土坯墙，墙面突然成了“自然的幕布”，阳光是导演，飞鸟是演员。这个发现让他决定用影像“拼接地域的记忆切片”。影片中，从象征农业时代的土坯墙到重工业时期的红砖厂房，再到现代临时建筑的彩钢集装箱，墙体材质的变迁成了西北半世纪发展的缩影。他将牧羊人的身影以木炭质感投射在墙上，又印上海子的诗歌短句——“阳光、麦子、牧羊人”，这些意象与西北的苍茫气质奇妙共鸣。“海子的诗像一把钥匙，能打开观众对土地的集体记忆。”他用多媒介融合的手法，让纪实影像、绘画与诗歌在 5 分钟里共生。

OK!：阳光、墙壁、标语、倒影、诗歌，这些元素在您自己的成长过程中，有没有与之相关的记忆和故事？

马海蛟：我觉得这是一条线索，就是我们的时代记忆，我们在生活中的这种感知，在中国北方的大地上，这些都是随处可见的。我小时候90年代，家住在河北一个家属院社区，那有一条胡同都是用红砖建起来的，我现在回想它应该是基于一种工厂记忆，红砖这个东西给我一种很北方的感觉，后来我十七八岁去南方杭州的时候，感觉那边更多是一种白色的瓷片感觉，到了广东，印象中又是那种马赛克式的瓷片感。所以我觉得墙面它好像代表着一种记忆，一种质感，一种地域，它总会给我这种感觉。而标语也很有时代记忆，比如那些国营工厂、炼钢厂之类的，总会有“力争上游”“团结活泼”这样的标语在墙面上，然后它往往依赖用的是一种发扁的宋体字，我觉得这种也代表着一种时代的审美。另外一条线索，谈到我个人的经历，我一直对文字有一种特殊的感觉，我小时候最开始接触艺术是从书法入手的，我对字体有一种特殊的情感链接。除了这个作品，在我其他视觉艺术的作品里面，文字本身也是经常出现的。

OK!：您之前的创作也有纪实影像、绘画、诗歌文本等多种媒介的融合，为什么会选择这样一种方式去表达？

马海蛟：我觉得是近一两年的一种反思的状态，从以前学书法，后来又接受了一段比较长期的绘画训练，再进入到美院去学习当代艺术，这其中的很多体系都是记录式的、材料探索式的创作，到我毕业10年左右的漫长创作中，我觉得影像视觉艺术的探索，是一个已经相对穷尽的状态，我也在找我个人的影像语言，慢慢形成了现在的状态，像是慢慢地把一些跟个人生命经验有关的东西，一层一层叠加起来，然后这样叠层的关系构成了现在的一件件作品。

OK!：这次拍摄或者创作过程中，有没有让您觉得很意外的部分？

马海蛟：我记忆中比较深刻的一点是。原本我想借用工具去模拟飞鸟飞出的状态，因为一帧一帧画实在是太累了，但效果怎么都不太满意，最后还是选择了手工的方式去做。把真实的影像投影到墙壁，在很大面积的纸上，用木炭条去画。我在勾勒的过程中发现，这种真实跟想象中的真实或者模拟的真实，有非常细节的差别。这种细节的识别让我有一种感叹，好像就是这些微妙的差别，让这个世界变得更真实了。我也不知道为什么我那么依赖于真实。我有时候在想，好像离开了真实，离开了一个具体的物象，我就没有办法工作。比如说有的导演可能会非常自信地去造一个东西出来，按照他们的想象，把一个东西从无到有，但是我好像必须得有一个参照物。这也是我自身的一个习惯，我其实没有答案，可能也是在创作过程中的一种胡思乱想。

OK!独家对话

陈友学

青年导演

《阿珍》陈友学

监控镜头下，藏着爷爷奶奶的“朴素罗曼史”

超短片入围作品《阿珍》的诞生，源于青年导演陈友学老家门前的监控素材。整整一年的监控录像里，他发现了被忽略的细节：爷爷骂完奶奶“别老坐着”，转头会递过一杯热水；奶奶抱怨 “你又乱发脾气”，却总把热菜先夹给爷爷。“监控是冰冷的，但画面里的细节滚烫。” 他没有刻意剪辑，只是截取最真实的生活切片，让这些碎片自己“拼凑出朴素罗曼史”。

陈友学的影像创作总带着“生活的温度”。在成为编剧和导演前，他曾在广告行业打磨十余年，为品牌拍摄过无数精准卡点的商业短片。他坦言，广告创作的经验让他更懂“如何用碎片讲故事”，但这次他刻意放弃技巧：“老年人对监控不敏感，那些吵架、拌嘴的瞬间特别真实，比任何剧本都有力量。”影片没有煽情配乐，只有日常的烟火气，却让观众在平淡里读懂：有些爱，从不说出口，却藏在每一个琐碎的瞬间里。

OK!:为什么会选在5分钟之内来呈现，而不是选择其他的形式？

陈友学：主观原因是相对于15分钟的剧情短片来说，超短片牵扯的精力更少。第二它可以玩很多东西，做完整叙事是比较困难的，但是它打情感是容易的，只要一个点上打到就可以了，这个点是我觉得比较有意思的。还有一个原因就是超短片更容易用一些形式感的东西投射进去，比如桌面电影、行车记录仪的视角，形式本身也是能共鸣观众的一个点，更适合轻量级的超短片去玩。

OK!:选择监控视角，还有什么其他的考虑吗？

陈友学：我之前拍过纪录片，它虽然也不用像剧情片一样去设计和调度，我们可以从中感受到真诚，但只要有镜头出现，被拍摄者还是或多或少有一些表演的成分，只不过可能就是浅一点，所以纪录片其实也并没有那么客观。但是监控视角之下，老年人对它不敏感，也不会抬头看，所以这里面就有很多瞬间打动我，比如爷爷跟奶奶吵架的瞬间，我都会触动很深，因为它确实挺真实的。虽然我自己并不认为真实有多重要，但因为他们是我的家人，所以那些真实片段对我来说很重要。

OK!独家对话

何英杰

青年导演

《现/像》

用胶片，拍一场阳光下的“时空错位”

超短片入围短片《现/像》是青年导演何英杰用超8毫米胶片记录的一场操场相遇。影片里，正午的操场空无一人，两个身影通过电话寻找彼此，声音交错却总不在同一个时空。他后来给画面加了新的对白：站在中央的女孩是“幽灵”，她不知道自己已经消失，还在执着地问“你怎么没来”。阳光越烈，画面越有种诡异的宁静。这正是何英杰的灵感来源，“正午的阳光与午夜时分一样让人不安，感觉这样的时刻会模糊现实的边界”。

他出生于桂林，现居日本攻读武藏野美术大学电影硕士，跨文化的经历让他对“个体意识与现实的缝隙”格外敏感，影像也总在“真实与虚构的边界”游走。成为导演前，他曾在摄影与媒体艺术中摸索，早期作品《分离的预感》入选奈良国际电影节，但那时更多还是依靠传统的叙事、对话与自身经验的表达，而这次《现/像》的创作则使用了胶片拍摄，第一卷胶片因设备故障报废，重拍时教授的意外参演，倒让这场“时空游戏”多了份命运的味道。胶片的颗粒感、阳光的强烈、声音的延迟，都成了“时空错位”的注脚，在5分钟内，让观众掉进那种“似曾相识的恍惚”里。

OK!: 这次创作有什么特别的感触?

何英杰：虽然这次拍的是三四分钟的短片，但它给我创作上理念的影响特别大，比如通过影像重新去配音、构建另一个世界的过程，我也通过自己的经历，把它写成另一个30分钟的传统剧情片剧本，所以这部短片像是第一次的灵感，后面还会有创作的延续。

OK!: 这次胶片拍摄，带有某种“一次性试验”的性质，如果用其他电子设备去拍，可能会出现无数种结果，您会选择哪一个结果留下来？

何英杰：我现在想，即便当初是用数码拍，我应该也不会让他们一遍遍地演，除非是技术上的失误，我应该还是会坚持我最开始的想法，自然地作为记录的态度去拍，而不参与编排。

OK!独家对话

蔡宝丰

青年导演

《爱人絮语》

AI的“不完美”，成了叙事的一部分

超短片入围作品《爱人絮语》是与AI“对话”的产物。青年导演蔡宝丰无论在影像创作方面还是生活里，始终带着对“新鲜事物的好奇和探索”。一次偶然的实拍工作中，他突然有了新的灵感，于是尝试把近期比较热门的AI工具Luma AI NeRF与实拍、叙事的方式结合，竟意外构建出了破碎的人物影像。AI对人物扫描之后，那些随机生成的雾状光斑、线条化的破碎画面反而成了“不完美的叙事”，在“视”、“听”方面真正做到了“与AI合作”。影片中，一男一女的对话从闲聊慢慢变得尖锐，直到男生被问“我们是什么关系”时突然消失，只剩下手机没电的黑屏。这一时刻，AI的“错误”像极了人类的逃避，那些破碎的画面，反而成为对“爱”本质的叩问，温柔又锋利。

OK!:为什么会选择超短片的形式来创作？

蔡宝丰：我创作这部片子的初衷是想试验一个工具，虽然我不是一直在钻研AI，但我觉得超短片很适合去做这种尝试，它的体量小，试错成本也比较低，不会让创作者有什么心理负担，可以很轻松地去探索，正好跟我完成片子的也都是我的朋友，我也很享受这样的状态，在超短片的体量下感受到新的创作乐趣。

OK!:您之前一直在拍纪录片，有没有哪些经验可以帮助到现在的创作实验中？

蔡宝丰：我之前会觉得剧情片大家非常关注取景器内部的部分，外部的所有环节都是服务于它的。但我在拍纪录片时会更注重取景器外面的部分，因为只有整个环境，整个氛围是对的，我才决定把取景器装到哪。我觉得这是两个创作概念，而外部并不是我们导演能够完全掌握的，这有帮助到我去理解跟运用这次的AI工具。

OK!:跟AI的互动有什么出乎意料的感受吗？

蔡宝丰：这次我在使用AI的过程中，更多运用的是它不完美的部分。那些破碎的点，反而融入了某种感性上“情绪崩塌”的感觉，这本来是AI中“错误”的，或者是没有计算到位的部分，但它就像是我和另一个摄像的合作，我在传达的时候，对方大部分能拍到我想拍的东西，但对方也会有自己的观察，这些细枝末节我没有发现的东西，在最终剪辑成片时反而成了创作过程中最精细的部分，这个过程我觉得蛮有意思的。

OK!独家对话

王歌词、王一冉

青年导演

《吃饭了妈》

用数据，拼起妈妈的记忆

超短片入围作品《吃饭了妈》的灵感来自一位阿尔茨海默症患者的故事：母亲总记着要做饭，却忘了家人已难聚首。这也是青年导演王歌词与王一冉这对“兄妹组合”在日常生活里最想表达和留住的珍贵瞬间。王歌词从小喜欢写小说，观察生活，长大后热爱影像创作，他发现“我创作最大的原动力是因为我对这个世界感受到的不公平和不平等，我就希望能够拿起影像的武器去捍卫和发声”。王一冉学的是动画专业，生活中的经历和情感记忆一直都是她的灵感创作来源，“我自己有一个亲情三部曲，想做关于妈妈、爸爸和哥哥的故事”。相似的影像学习经历和来自家人间的默契，让他们选择一起创作一份关于“时间与记忆的礼物”送给妈妈。

创作中，AI修复的画面突然清晰又模糊，像“记忆偶尔的闪回”；母亲做饭的特写与空荡的餐桌交替，藏着“爱与失落的共生”。后期“刻意破坏”的影像数据——画面的波纹、偶尔的卡顿，更像是患病者的记忆状态，AI在此刻实现了技术与情感的平衡。拍摄时偶遇的拆迁取景场地，更像是这部影片同期的消逝“注解”，一边在抢时间拍摄，另一边在快速地瓦解消散，看似波折，却意外呼应了拍摄主题，一切仿佛都是最好的安排。

OK!:为什么会选择超短片这个形式，在5分钟内，会不会缩短了本身的表达？

王一冉：超短片恰恰是我们认为最合适的容器，阿尔兹海默症侵蚀记忆的过程，往往也是碎片化瞬间的一些闪回或者丢失。超短片这个形式本身就呼应了这种记忆碎片的特质，它不是长片叙事的缩略，而是试图在极短的时间内，像诗歌一样捕捉最核心的情感意象，还有这种顿悟的时刻。

OK!:用手机拍摄有没有带来一些新的经验和感受？

王歌词：这次我们有5部手机拍摄，相当于多机位。原本我一直很疑惑，手机能拍片吗？但在实际创作过程中我发现，手机真的好厉害，它的感光在夜晚的处理、灰边拍摄都不输专业拍摄设备，我感觉手机的技术发展真的很快。

从发条青蛙的随机轨迹到监控镜头的日常切片，从胶片的意外到AI的破碎，本届FIRST超短片单元像是一场实验革命，它们证明：5分钟的边界里，藏着影像最自由的可能。正如这些年轻创作者所做的，他们用轻量化的设备、无拘的创意，在有限的时间里，为影像注入了无限的生命力。请继续按下REC键吧！捕捉那些精彩瞬间。