直击上影节圆桌论坛：观众“主体性觉醒”与产业“结构性之困”

如何平衡艺术表达与观众需求，如何化解产业困境，如何善用技术赋能，最终实现观众、创作者与产业的共生共荣，将是中国电影在新时代持续焕发活力的核心命题。

读娱 | yiqiduyu

文 | 零壹

近日在盛夏的上海，第二十七届上海国际电影节盛大开幕。本届上影节恰逢世界电影诞生130周年、中国电影诞生120周年的历史节点，也是暑期档的开端，从历史和当下来说都是中国电影产业的一个重要时刻。

本届上影节一系列聚焦产业痛点的深度论坛，成为了引发行业集体思考碰撞的引擎。这些论坛摒弃空泛讨论，直击电影产业面临的核心问题。开幕论坛上，万达、大麦、光线、上影、华策等头部企业代表直面内容供给断层、产能过剩、技术冲击等严峻挑战。

而在随后举行的“内容创作新力量”的圆桌论坛上，资深电影人与青年创作者代表齐聚一堂，直指当下电影生态在内容创作上面临的核心挑战：深刻变化的观众群体、创作者面临的抉择与压力，以及电影产业本身的结构性困境。这些议题相互交织，勾勒出中国电影人在变革中寻求突破的思想凝结。

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观众之变：从被动接受到主体性觉醒

“内容创作新力量”论坛的讨论起点，直指当代观众需求的剧烈变化。青年导演陈茂贤敏锐地观察到，今天的观众对故事品质和电影口碑的要求空前提高。导演董润年则通过自身“刷短视频”的经历，提出了一个具理论深度的观察：当代观众的核心变化在于“主体性”的强烈觉醒。

他认为，互联网生活，特别是长时间、沉浸式的短视频使用，已成为观众构建自我认知、彰显个体存在感的重要途径。观众不再是信息的被动接收者，而是主动的解读者和意义的共创者——他们热衷于评论电影片段、将其纳入自身价值讨论的素材库。电影只是观众彰显主体性、寻求自我表达和存在意义的一个环节，而非全部，更非与之博弈的对象。

这一观点引发了广泛共鸣。李少红导演坦言自身也是短视频的重度用户，她强调网络世界已经打破了观众与创作者的传统界限，两者形成了一个“共同体”。观众通过网络表达观点，创作者则通过网络了解世界、洞察观众，两者在情绪价值层面存在深刻的共情基础。

黄建新导演也指出，短视频等平台以其即时性、真实性，填补了电影在时效性上的巨大短板，观众带着从网络获取的“已知知识”来审视电影，对电影创作提出了更高挑战。

观众主体性的觉醒，以及随之而来的审美变化和信息获取方式的多元化，构成了当代电影创作必须面对的现实。

“观众从原来把看电影当成一个仪式感或者生活方式，到现在他更多希望从电影里面，不仅是类型的、娱乐性的部分，更多是一种情感共鸣，或者是心理代偿，或者是一种社交话题，更要求创作者提供更丰富的内容和观众连接。”魏书钧导演说。

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产业之忧与创作之思：结构困境下的探索

面对觉醒的观众和复杂的媒介环境，产业面临的困难、创作者自身的状态与选择成为论坛的另一焦点。

黄建新导演直指当下电影产业的结构性问题对创作造成的巨大压力。“我现在见到导演就问：这两年进电影院的次数是多了还是少了？结果都说少了。连我们专业的人都不进影院了，凭什么要求观众必须看？”

黄建新导演详细分析了影院经营面临的严峻挑战：低上座率（平均仅5.7%，远低于健康的12-15%区间）与高盈亏平衡点（需600-700亿票房）的矛盾，导致排片高度集中于少数头部影片，大量预估良好的中小成本项目失去生存空间，进而引发投资萎缩，形成恶性循环。

黄建新导演认为这种困境非单一创作环节所能解决，而是涉及投资、制作、发行、放映全链条的结构性问题，需要“更大的布局”和“宏观概念”进行调整，要设法将全国平均上座率提升至10%以上。

这种产业困境直接传导至创作端，尤其是青年导演。黄建新导演指出，年轻导演在项目初期就被迫陷入成本核算和市场预期的焦虑中。导演的核心价值在于想象力和艺术表达，市场压力极大消耗了他们的创作能量，导致本可达90分的作品可能滑向及格线。他呼吁制片人和监制应承担更多责任，为导演“减压”，使其能专注于创作本身。

这种压力之下，如何坚持创作初心？几位导演分享了他们的实践与信念。

陈茂贤导演以自导自演作品《破·地狱》为例，一开始片子剪了48版还是觉得不对：“后来我们从广州到香港，找了1000多位观众做调研，他们说哪里节奏慢了、哪个镜头情绪没到位，我们就一条一条改。最后第49版能公映，真的是观众跟我们一起“剪”出来的。所以导演在创作内容的时候一定要面向观众，把观众拉进来，一起做作品，这样才能有好东西出来。”

董润年则提出，创作者应思考“站在哪些观众中间”讲故事，而非抽象地“面对观众”。

文晏导演同样强调创作需“发自内心”，坚信真诚表达和深入生活是好电影跨越时空、抵达观众的根本。

魏书钧导演则补充道，创作者既要“忠于自我”，也要“敞开怀抱”，选题应具有“寓言性”，捕捉生活中深刻且持久的命题，而非追逐短暂潮流。“可能有更深刻的、停在每个人生活中的东西，需要创作者挖掘出来，找到这样的东西，才是找到不变的一种角度。”

他们的共识是，在压力之下，坚守创作的本真与诚意，建立与目标观众群体的深层连接，是破局的关键。

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技术浪潮下的创作者理念

技术既带来了挑战，也蕴含着破局的机遇。李少红导演结合自身参与AI工具测试的经历，表达了对技术的开放态度。她回顾了胶片到数字化的转型，指出技术变革虽曾引发疑虑，但最终拓展了电影的可能性。她认为AI等新技术是伙伴而非替代者，关键在于如何利用其提升创作能力和表现力。

黄建新导演分享了AI技术能以极低成本制作出高质量内容的案例，一个两万八千美元成本的短片，给好莱坞专业制片人们估值成本达到数百万、上千万。这预示了AI带来成本下降的巨大潜力。黄建新导演随后引用专家观点，提出未来电影可能由真人电影、动画电影和AI电影共同构成。“AI是介于动画电影和真人电影之间的一个新的似是而非的电影类型，它会建立自己的美学体系，建自己工业标准，建自己电影生成模式。”他鼓励电影人积极拥抱新技术，学习新知识，拓展创作边界，以延长创作生命。

这表明，在应对结构性困境的同时，主动拥抱技术变革，探索新的电影形态和成本结构，亦是产业突围的重要方向。

结语：

本次论坛揭示了一个清晰的共识：中国电影正处于一个观众觉醒、创作承压、产业转型的关键节点。观众主体性的崛起要求创作更具诚意、共情与创新；产业的结构性困境呼唤更宏观的调整与支持，尤其是为青年创作者减压；而技术的洪流则要求电影人以开放心态拥抱变革，探索新可能。

挑战重重，但论坛传递出的并非悲观，而是冷静的洞察与积极的探索。如何平衡艺术表达与观众需求，如何化解产业困境，如何善用技术赋能，最终实现观众、创作者与产业的共生共荣，将是中国电影在新时代持续焕发活力的核心命题。

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