奢侈品牌“入侵”艺术行业：时尚与艺术共生

在当代艺术和时尚的交汇点上是否有什么问题可以被探讨。不管我们对艺术未来的展望是乌托邦还是世界末日，对预期未来的尝试已经刻不容缓。

作为学科化的结果，艺术拥有了相对明晰的界限。与此同时，当代艺术的发展又将其不断拓展。由于艺术与生活的边界的缩小，在消解对抗与冲突的过程中，艺术在被一种多样化、日常化的方式重新诠释。今天的艺术已不再是个纯粹的艺术本体的问题，而涉及诸多领域。

源自法国宫廷文化的时尚领域与艺术尤为难舍难分。时尚能否等同于艺术的话题被不断地探讨。1860年，随着巴黎高级定制时装业的出现，促成以Charles Frederick Worth为首的第一批真正意义上的时装设计师的诞生，完成了从“裁缝”到“设计师”的转变——处于一个自发性创造的状态中，其审美决定了作品的风格和美学走向。

争议并没有因此消失，时尚所固有的商业性让它依旧被排除在艺术的范畴之外。直至上世纪二十年代，在进入现代时尚的新篇章后，艺术与时尚的矛盾才逐渐消弭。

Charles Frederick Worth，1825年10月13日 - 1895年3月10日

时尚的市场属性让其摆脱了艺术的局限，成为了公众最易亲近的艺术。

安迪·沃霍尔作为撮合时尚与艺术“联姻”的始作俑者，专注于将充斥流行文化的“粗俗”产品变为艺术珍品，并大肆宣扬其艺术商业理论：“我将会以个人名义推出下列任何一类产品：时装、香烟、胶纸、摇滚唱片、电影器材、食物、钱！”

将作品与消费主义、商业主义与名人效应相联系，结合绘画、印刷、摄影等不同艺术类型的创作，并在后期宣传中最大限度地利用大众传媒。艺术不再只专供于特定阶级，而是属于大众。

1986 年安迪·沃霍尔受Absolut Warhol委托所绘制的作品。

时装店花大力气接近艺术机构，一个重要的因素即为这些机构拥有极为丰富的符号价值，每个人都希望分一杯羹。

如果想要在某个物体上附加符号价值，那么最简单的方式就是将其与另一个含有巨大符号价值的物体摆放在一起，利用价值的“传染性”。

在时尚行业经过百年的积累后，服装不再只被视为遮身蔽体的存在，而是作为身体的延伸物，用于个性的表达。与时尚对话，以自己的外观表达我们是什么样的人。

2003年，LV与村上隆的合作，将小花、蘑菇等图案移入Monogram系列，让LV原本优雅稳重的印象又增添了几分活力。销售额与传播度等方面的成功让其他品牌看到了潜藏于其中的价值。

LV与村上隆的联名合作系列。

时尚以更为积极的姿态邀请艺术进入商品创作。奢侈品牌的文化内涵已然成为最重要的品牌竞争力。艺术的审美属性在淡化商业气息的同时，又强化了品牌文化的精神价值、捍卫品牌的高端形象，致使品牌获得定位优势。

越来越多的奢侈品牌开始尝试与艺术的跨界合作：成立基金会、设立艺术大奖、直接邀请艺术家参与创作、开办艺术展等。

迪奥品牌回顾展：“克里斯汀•迪奥，梦之设计师”展览现场

流通、购买、销售、对作了区分的财富及物品符号的占有，构成了当今社会的语言。将时装当作是艺术品的目的是能够通过它来增加文化资本的，并且从中增加经济资本。

越来越多的奢侈品牌进军艺术领域，争夺自己的一席之位。其根本原因在于当下以符号消费为主导的趋向：以文化符号为诱饵，以商品为载体，以盈利为目的，吸引消费者的消费，最终赢得利润。

各大品牌探求由无形的服务所带来的虚拟情感体验、赋予商品文化价值，借此指向某种审美品位和生活方式。凭借对心理消费和炫耀性消费的强调，促使消费者从精神文化消费中获得一种自我肯定。

此外，在激烈的商业竞争中，品牌需时刻保持着创新以不断吸引新的消费群体。

“跨”的意义在于突破传统思维定式，以创新和超越为目的，扩大原有疆界、颠覆故有认知，不断产生新的知识话语，为历史情境发展出一系列新的创造性策略。

时尚与艺术的联袂，为品牌注入活力，不断建构与重塑具有当代含义的先锋文化符号。以全新的表达方式、视觉元素、文化内涵与人文色彩颠覆消费者固有观念，塑造出品牌形象的立体感和纵深感。

与此同时，也为艺术带来更多的可能性。被先锋艺术包装的商业文明建构起艺术与大众的桥梁，促成了审美泛化。艺术家也越发重视品牌与商标的作用。以村上隆、草间弥生为例，通过标签式的艺术个性完成自身的符号化，并将此置入大众视线内。借与品牌的跨界合作，在媒体强有力的传播后，登上世界舞台。一反以美术馆和博物馆为唯一的衡量标准，开创了某种更为包容的美学概念。

村上隆，1962年2月1日－至今

草间弥生，1929年3月22日－至今

时尚与艺术的合作依旧如火如荼，在这个快速的发展中也存在着质疑的声音：迎合时尚的艺术还能否被称作艺术？艺术的价值与边界在何处？是哗众取宠还是画龙点睛？

艺术与时尚不管是谁撼动了谁，在今后的发展中必然只会越发紧密地联系在一起。

有域无界，相融共生。