艺术新生代（上）：用艺术的视角去设计“家具”

当代语境之下，

艺术与设计的边界一次次被模糊甚至消除，

艺术如何具有功能性？

椅子、茶几、灯具、烛台......

本篇DECO邀请5位新生代艺术家，

探讨如何用艺术形式重新解读。

家具离开人之后，具备独立的雕塑艺术感么？也许有些可以。但同时还能具有强烈的饱满情绪和社会属性么？这是青年雕塑家颜石林在2021年的创作中想要探讨的议题。在他尝试模糊雕塑艺术和实用设计边界的最新作品“Body Chair”（人体造型椅子）系列中，敦实肉感的人体造型椅子、俏皮卡通的狐狸造型茶几都呈现出鲜明的情绪氛围。

《Body Chair (boy)（girl）》，2021年作品，艺术家给雕塑家具穿上了衣服。

《场景剧1》，由全新创作的艺术设计家具组成的生活场景；《侧躺的狐狸三角形茶几》，2021年作品。

这些家具的身体和社会感的指向性非常明确：椅子可根据个人喜好而随意搭配服饰，这样一来，人人都能参与艺术创作。而脱离了人的使用，这些雕塑椅子自带温度和情绪，组合在一起更具有一种社会性和对话感，仿佛一部生动的生活剧。茶几之所以选择以一只粉紫色的狐狸承托，则因为颜石林需要一个第三视角的角色参与这部 “生活剧”，在情感上起到对生活和人性的窥探作用。

《日出和日落-牛仔》联名刘銧銧，2021，聚酰胺、聚苯乙烯、聚氨酯、丙烯，环氧油漆 85x65x90cm

《Body chair - Toms》2021，聚酰胺、聚苯乙烯、聚氨酯、环氧油漆，115x50x105cm

这组作品采用了颜石林自2020年起开始的创作方法，即在虚拟现实中绘制模型，然后以3D打印的形式制作成雕塑。VR技术的介入使颜石林脱离早期作品风格、融入更多思考。喷笔软件这一新手段，使他不受常规约束的想象力得以尽情发挥。尽管身处虚拟环境之中，颜石林的真实感受却触发了多重感知，个人的艺术表达也摆脱了物质材料的限制。由此，颜石林跨越了具象雕塑的传统框架， 确立了一套全新的个人艺术语言。

DECO | 2021年的艺术设计作品是否有统一的艺术理念，最想探讨什么议题？

颜石林：从人的情感和身体本身出发，去探讨与生活息息相关的日用家具，试图呈现家具脱离人后依然能独立地具有雕塑感，同时更具有强烈的人的社会属性和饱满的情绪。随着人们对生活和审美要求的提升，我也想尝试从雕塑专业角度出发，模糊传统雕塑艺术与实用设计之间的边界，看看会得到什么样的意外惊喜。

DECO | 在你看来，艺术、设计与空间之间的关系如何？

颜石林：艺术与设计从未离开彼此。雕塑家永远都在与空间打交道——创作空间中的作品，让空间场域或占有空间的作品有自己的情绪。能点亮空间并萌发情绪和温度的雕塑，就是有艺术性的好作品。其实，我这次就是在空间中创作一组有部分实用功能的雕塑，同时试图建构一种场域情绪。

共代谢工作室的作品是游离在纯设计与纯艺术的界限之间的，他们从对城市中人与物品真实关系的观察入手，将工业构件与家具材料重新组合，打破物品长久以来被赋予的固化印象。艺术品普遍的展陈方式曾在上世纪70年代被Brian O’Doherty总结为“白立方”——围绕博物馆建筑所形成的整套范式，将艺术品放置在权威地位上，无法接近或触碰。以这一形式为对照，共代谢工作室的作品显得非常另类。

共代谢工作室今年6月推出的新collection—公私合用。

公私合用08，920×320×450mm/组 （尺寸可变），不锈钢、亚克力、LED。

“共代谢 （Co-Metabolism）”是生物学术语，原意指的是微生物降解同一介质中难降解的有机化合物，两人希望借这一概念，将工业构件等大规模生产工业代谢品重新激活，并模糊它们在空间中的功能，打破既有的、恒定的认知，将物件交还给真实的需求。

游牧书架， 1100×600×400mm，不锈钢、亚克力。

“英国曾经在上世纪80年代出现‘设计师-造物者’运动，设计师们想做一些与大批量生产不同的东西。从国内市场来说，这些限量家具、艺术装置还处在起步阶段，但我们相信未来前景就像‘共代谢’这个名字一样，集合微小力量，产生巨大变革。”

DECO | 你们两个是如何确定一致的创作方向的？

共代谢：我们把作品系列定义为一个艺术计划，每次都会先有比较大的概念，比如“公私合用”系列，是将公共空间和私人空间的物件进行重新组织和再生产。在创作的概念上我们统一观点，之后就很顺利。

DECO | 你们的作品是否在表达你们的生活状态或是精神状态？

共代谢：与其说是我们的生活状态，不如说更像是当下所有人的状态，既接地气又很未来。

在毕业于中国美术学院油画系的周轶伦看来，是艺术选择了自己，因此一直自然地做着擅长的事情。不过，周轶伦并不是典型的绘画艺术家， 他善于通过拆分、重组、模拟等多重手法，延展日常材料的可能。在早期的绘画作品中，他就常带着“游戏”的精神，使用各种非典型的绘画材料，比如废旧材料、二手产品、旧照片、杂志画报等。在2012年成立个人品牌R3PM3后，他将这种创作方式延续到了装置、 雕塑等多种媒介，逐渐形成庞大的作品面貌。

动物椅，用橡皮泥捏出小样后经3D扫描数控机床输出。

“相对来说，R3PM3品牌旗下的作品都具有一定的实用性，比如凳子、衣服。这是唯一的区别。”R3PM3的作品从创作手法到成型工艺都保持着他一贯的实验性。比如基于猫爬架的置物架，以一把现成椅子为框架，用泡沫加纸板做雕塑，表面用聚氨酯涂料固化再做汽车烤漆。

pink is the new black，2021， 北京ROOM6X8。

瑶琳仙境，2021，北京ROOM6X8。

“我比较多使用聚合物材质、泡沫、金属、人工合成物，都是在工厂、车间看到被使用最多，最成熟的材质。这些材料代表着快速消费、偷懒又便捷的时代。”或许，身处消费时代无法逃脱注定了周轶伦的悲观，但同时也将他不断推向艺术的边界，用充满趣味的方式温柔反抗。

瑶琳仙境，2021，北京ROOM6X8。

DECO | 既然你认为你选择的那些材料代表快速消费的时代，而你又觉得无力改变这个现实，那为什么还会选择这些材料？

周轶伦：一边悲观一边乐此不疲，人就是这样吧。我也想用大理石、碳纤维，但过高的成本和工艺手段的局限，无法独自或小范围内完成创作。应该还会有更合适的材料，但我一般也不会特意去寻找。

DECO | 你是如何看待“不破不立”的？

周轶伦：不试一试怎么知道？试就要大胆地试，就要试错了，试失败了，试毁了。

DECO | 你希望R3PM3在市场中有怎样的发展？

周轶伦：被收购，哈哈！

费亦宁的创作不仅仅基于作品本身，更接近于对一个庞大的“数字未来奇异世界”的探索。其影像及图像作品是她对这个虚拟世界观察的结果在现实中的映射，作品中的文字则是这个“技术性有机世界”的脚本。

图一，费亦宁于 2020年作的作品《伤心椅子一号》，由泡沫、木头、水彩等材料制成。图二，于2020 年创作的作品《地下室的苹果公爵》，由泡 沫、不锈钢、水彩等材料制成。图三，于2020年创作的作品《自怜之镜》，由木头、镜 子、水彩、玻璃等材料制成。

在此创作脉络下，费亦宁的众多作品自然也绝非仅为“非典型造型”的功能性雕塑，而是互有连结的虚构世界中截取的一个片段。艺术家灵感来源于让·科克托版本的《美女与野兽》电影， 此版本的整体设定都呈现类似弗洛伊德所描述的“Uncanny（怪 诞）”状态，而非后期迪士尼的可爱风格……在后者的浪漫化演绎中，原故事里的性压迫、暴力和残酷几乎隐去。

于2019年创作的作品《眼泪灯#1》，由3D打印树 脂、丙烯、灯泡等材料制成。

艺术家用雕塑作品再演绎了野兽家宅中“有生命的家居品”，却刻意隐去了故事的主角，通过这些“有灵家居品”的形态来映射缺席的主角的内心情感及精神世界，构建多重隐喻。费亦宁称 “非人类中心视角”的创作主张，已然为超越现实的社会权力结构提供了一个新的视角。

于2020 年创作的作品《自怜之镜》，由木头、镜 子、水彩、玻璃等材料制成。

DECO | 你的很多作品有比较丰富的文本，这些文字也是你作品的一部分。在创作的过程中，如何处理文字和图像的关系？

费亦宁：图像和文本常常是并置关系，而非先后顺序。图像和文字之间我会刻意让它们彼此保持一定的距离，正如玛格丽特·杜拉斯导演的实验电影，其中音画分离的效果，留有想象的空间。若两者的联系太过严丝合缝，会失去文字的力量。

DECO| 有的艺术家倾向于体验型创作，以无意识的即兴感觉为主导，作品也没有明确的主张。而有的艺术家的创作则有非常明确的构思和观点。你怎么看待这种分类？

费亦宁：就我个人而言，创作过程中的材料选取部分是无法纯靠感觉来判断的，感性往往作用于最初的渲染和微调环节。依赖于潜意识驱动创作，后来会刻意的去明确表达；而经过了理性的构思过程，将主张和观点用与之匹配的艺术语言去表达，将观点置于作品本身呈现之后，形成另一层“自然意识”，是一种最理想的状态。

潘望舒的艺术创作以其功能性雕塑著称，例如杯子、灯具、烛台等功能方向不同的系列，而它们的共同之处也显而易见——卡通化的清晰的人脸官图像。这些图像虽然线条简单，表情却生动而丰富：快乐、迷惘、沮丧、挑逗、得意——悲喜间的种种情绪表达准确而细腻。在宏观经济和疫情等大环境的普遍负面情绪中，潘望舒将日常生活中频繁使用的器物表面加上人脸，仿佛赋予了这些器物生命与感情，观众及使用者可以在生活中与其互动，建立情感连接。

潘望舒的创作多来自家庭关系、自我探索等主题，并由一套连贯的、自洽的视觉语言与其结合。高饱和度色彩、看似“可爱”的外形下实则带有对社会及人际关系的批判与反思。在造型过程中，潘望舒常根据手部的即兴感觉去起型，“雕塑带着人走”， 这亦与她尝试“增添雕塑的触摸感”之主张相呼应。

潘望舒于2021年创作的陶瓷作品《你是一朵五瓣的小花——黑灯》。

雕塑最终的视觉效果往往带有一定的随机性，高温作用后的釉料颜色会发生变化，成品雕塑表面的质感也会因此不同。例如《黄黑色台灯》 中略微卷曲的花瓣、台灯扭曲的灯柱、单人座椅表面的流淌效果等。材料本身的自发性某种程度上赋予了作品自主的外形，与艺术家的“自我赋权”的创作理念相契合。

潘望舒《烛台》陶瓷，2021。

DECO |你的作品大多拥有高饱和度的浓烈色彩和怀旧的简笔卡通风格。这种视觉风格是怎样形成的？

潘舒望：我有时候会在淘宝上搜索一些“山寨品”，这些廉价商品大多模仿现有的流行卡通人物或为人熟知的“IP”，却又有失真之处，形成一种自创的“山寨时尚”感，类似儿时的小卖部会贩售的小玩具、超市门口的儿童摇摇车。这种“接地气”的审美体验给了我灵感，虽在山寨仿造之中失去了原有的标准化的精美，却形成了一种这片土地独有的、生机勃勃的视觉语言。

DECO |你的早期作品以纯造型雕塑为主，从杯子、烛台，到最新的系列，似乎慢慢有了更多的功能性。是什么促成这样的转变？

潘舒望：从雕塑到现在的功能性作品和家居系列，我的作品一直持续探讨人与人之间的关系。尤其是与原生家庭和自我意识探索的主题。疫情期间长期在家的生活是一个契机，让我去尝试做一些可以与人更多互动、陪伴、可以触摸、可以介入人的生活、可以使用的雕塑或物品。

你最喜欢哪位艺术家的作品呢？你会选择收藏功能性艺术品吗？欢迎下方留言和我们分享你的想法，DECO将选出一位精彩留言送出一份时髦商店好礼哦!

策划｜本刊编辑部 编辑｜李颖婷、关迪、Kevin Ma

文｜汤白、Swann、黄韵奇

图片来源｜颜石林、周轶伦 &Gallery Sohe、潘望舒、共代谢 & Gallery All 、费亦宁

新媒体编辑｜Tian 设计｜Day.

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