现编的歌曲才是歌曲的原初形态

歌唱家和歌手在舞台上表演，一个音儿都不错，非常完美，让人们获得一定的美感，却失掉了歌曲的原汁原味。那么，什么才是歌曲的原汁原味？

现编的歌曲才是歌曲的原初形态，才保持了歌曲的原汁原味。在上古时期，人们并没有现在美轮美奂的舞台，也没有专业的声乐教师，更没有导演。人们只是会嚎叫，会长啸。声音响遏行云，甚至“余音绕梁，三日不绝。”在具体的劳动中，人们想要歌唱，大多都是喊一些简单的单音节词，成为劳动号子，但并不能称之为歌词。后来，人们喊叫具备了一定的内容，也就成了原始的歌词。虽然歌词比较短小，比较通俗易懂，比较合辙押韵，但恰恰是这些特点，让歌曲可以获得人们的青睐，得以迅速流传。而这些歌曲大多产生在劳动中，来不及加工和整理，就那么传唱开来。第一次唱出来的时候是粗糙的，甚至不合节拍，有的歌词还有些三俗的色彩，但并不影响传播。只要能够促进劳动生产，让人们获得美的享受，就可以迅速流传，并在流传过程中被加工和整理。那么，现编的歌曲为什么会打动人呢？

现编的歌曲具备一定的即时场景，让人们都能切实感受到情境中的应用。譬如劳动号子，喊出来之后就能让人步调一致，提高劳动效率，而没有喊出来，效率就会大大降低。要是有了歌词，当然也是和劳动场景有关系，和人们的协调有关系，和激发人们的斗志和活力有关系。于是，劳动中产生的歌曲就具备了一定的即时场景特点，让处在场景中的人不由自主地跟着唱起来。当然，从众心理也要看到。一个人唱，很多人跟着唱，要是歌曲的歌词和曲调过于复杂，人们就跟着和，有唱的有和的，一唱一和，相得益彰，让观者获得强烈的审美享受。即便劳动过了，不参加那项劳动了，在劳动中创造的歌曲也会被保留下来。虽然当时没有纸笔，人们也不会写字，但人们有记忆，通过口耳相传，就能把歌曲记录下来。用到的时候，只要有一个人唱，其他人就跟着唱起来或者和起来。但是，也要看到劳动场景的多样性。抬大木头的人创作了歌曲，就不能用在做针线活上，做针线活的创作了歌曲，就不能用在拉纤上。各项劳动有内在的协调性，或许，这种协调性就是歌曲创作原初的节奏吧，有些节奏可以通用，有些节奏却不能通用，以免产生不良影响。抬大木头的和拉纤的节奏可以通用，或者把抬大木头的节奏拉长就是拉纤的节奏，而这两者的节奏都不能和做针线活的节奏相互通用，不然做针线活的就成了猛张飞，不但做不成针线活，还得暴跳如雷；抬大木头的和拉纤的就成了二八佳人，不但一点力气都使不上了，而且还会互相踩了脚，耽误劳动。

现编的歌曲都是从即时场景中出发的，作者看到什么就会唱什么，让歌曲中出现某项劳动特有的人和物。即便在一些劳动间隙，青年男女谈恋爱的情景也要被编进歌曲里，不仅有谈恋爱的自己唱山歌，现编现唱，而且还有不是谈恋爱的人模拟谈恋爱的人的口吻来编写爱情歌。俗话说“到什么山上唱什么歌。”沈从文在小说《边城》中写到了湘西的青年男女对山歌的习俗，他们一唱就是一晚上，男的在河那边的山上唱，女的在河这边的山上唱，见到什么就唱什么，把想说的话都唱出来，不但可以互诉情愫，而且还能把自己的想法说出来让对方知道，打消一些顾虑，进而走进对方的心里，获得爱情。这些现编的情歌最动人，类似于动物求偶时的鸣叫，被荷尔蒙催动，就会精力充沛，散发着勃勃生机了。

当然，要是把这些歌曲放到美轮美奂的舞台上去表演，就会大打折扣。虽然舞台上有大银幕显出山河背景，但总归不是现场，演员表演再好，唱得再好，也不一定能打动观众的心。而现编的歌曲有着即时性特点，还会把身边的东西以及心里想的都唱出来，不乏瑕疵，但可以让观众鉴赏，挑毛病，喝彩。只要观众挑毛病，就已经进入了歌曲的品评阶段，要是喝彩，就算是理解了，要是情不自禁地跟着唱几句，就更是融入其中了。真正现编的歌曲带有生活的原汁原味，朴野，甚至有些粗俗，但在那种生活的场景中很容易打动人，让人们跟着唱起来，手舞足蹈。《毛诗卷第一·国风·郑氏笺》写道：“永（咏）歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。”说的是歌咏不足以表达情感的时候，人们就会手舞足蹈，用肢体语言弥补歌曲表现力的不足，而手舞足蹈恰恰说明当时的人们的情绪已经高涨到极点了。

舞台表演有几个歌唱节目能够形成如此的效果？一个也没有，只不过是被资本推动和包装的一种艺术形式而已，完全失掉了歌曲本身应有的原初形态，也就不是原汁原味的歌曲和场景了，当然也就成了二道贩子的商品，不会有什么太好的效果了。艺术往往是这样，精致的不一定是最好的，完美无缺就会失掉真实性，原汁原味的原初形态似乎才是根源，有一定的瑕疵才是美的，也是最好的。如此来看，现编的歌曲才是歌曲的原初形态，才是应该让人们看到并欣赏的好的艺术。