如果要评一个最压抑的画家，我一定首选爱德华·蒙克。他的画作里总带着某种忧伤，这种忧伤深深地吸引着观者，仿佛掉入蒙克为我们描绘的色彩世界。
爱德华·蒙克是挪威表现主义画家和雕刻雕塑家。
1863年12月12日出生于阿达斯巴克，1944年在奥斯陆去世。
他被认为是现代表现主义的先驱。他的父亲从没想过让他成为画家，但是他在16岁那一年决定成为一名画家。
蒙克最初遵守自然主义，19世纪80年代初，印象派开始对挪威产生影响。1885年首次前往法国，印象派的画作对他产生了影响。
《生病的孩子》
《病中的孩子》
图中并不是母亲握着女儿的手，而是女儿握着母亲的手，仿佛在给予一种安慰，这幅画里最坚强的实际上是病人。
这幅画的灵感来源于蒙克的姐姐索菲去世。当时她只有15岁，比蒙克还要小一岁。他们之间的关系非常亲密，对于蒙克来说，目睹姐姐的死亡，是一次痛苦且可怕的事情。
他一生中画过6次这个主题，所以有6个不同的版本。大概每隔五年，他就重新绘画这个主题，仿佛一剂疗伤药帮他疏导心里对于姐姐死亡的这个恐惧。
1892年，蒙克从巴黎返回并举行大型展览展示他在巴黎的创作。这一次展览非常成功，所以他的展览开到了柏林。
仅仅一周就引起了轩然大波，展馆因此关闭，可是蒙克却很开心，甚至可以在接下来的一周去柏林市中心的其他展厅展出。
但是媒体介入趁机制造混乱，引发暴动。他的艺术很无情，很诚实，诚实到残酷。柏林从来没有展出过这样的画作，当时的柏林艺术界很保守，后来蒙克参加了一个由艺术家和文学家组成的圈子，他们一起讨论尼采的哲学、讨论神秘主义、心理学和无政府主义。
《桥上的女孩们》
他住在柏林期间依然定期回挪威，1901年夏天，他画了《桥上的女孩们》。他作品中描绘的女人形象，反映了他对她们的心态，在他笔下，她们有时邪恶，有时像捕猎的猛兽。
蒙克与很多女人结交，他与她们关系复杂，在他的画中，女性往往比男性要强。
蒙克的绘画生涯里总共画过1700多幅油画和数千幅素描，《生命饰带》是他最重要的作品之一。
《生命的饰带》系列画作
他通过扭曲的曲线、令人不安的面孔、对比鲜明的色彩表现他的焦虑、痛苦和悲观。但他又通过梦境和忧郁逃避。
《圣母》
他展示的女性主题有《女人的三个年龄段》、《圣母》。这些都是他笔下反复出现的象征主义主题。
1897年，他在独立画展上展出了《生命饰带》系列的最初几幅作品，1901年在柏林展出完整系列。
《圣母》是他最重要的作品之一，有人把它定义为心理现实主义，但抛开所有学术上的认知，这幅画在当时引起轩然大波。
因为圣母是指圣母玛利亚，即耶稣的母亲，通常都带有圣徒的金色光环，这是教堂画的传统。但在《圣母》画里，蒙克画了一个全裸或者半裸的女人，眼睛闭上，似乎沉入一种梦境。
她远离现实，带着血色的光环，就像给信教的有产阶级来了一记老拳。
《呐喊》
蒙克最初受挪威自然主义影响，后来又受到印象派的影响，可是最后却成为现代表现主义的先驱。
1893年，蒙克创作出了他最重要的作品《呐喊》。在这幅画作里，他诠释了死亡带给他的感受，他发明了了痛苦的绘画。
他的笔触扭曲而粗犷，笔刷的动作本身就表达了一种情感，描绘扭曲风景的曲线，就是呐喊的象征。
他还颠倒了大地和天空的颜色，似乎像撼动观众，强调呐喊的感觉。至于主角，蒙克没有将他作为一个人的形象来处理。
看到这样的形象，我们或许会在内心反问，这是一个什么样的生物？这是人吗？还是痛苦灵魂的代表？
这幅画作是表现主义的典型例子。在欧洲大陆生活了二十年之后，蒙克又再次遭受苦难。他的心理本来就十分脆弱和敏感，他不仅在小时候失去了姐姐，现在更是失去了母亲和弟弟。这一段时间他大量饮酒，在1908年便陷入了深度抑郁。
在短暂的清醒时刻，他决定入院治疗。
治疗使得他的精神稍微稳定下来，他便又返回了挪威重新开始创作。
这段时期他的画作在色彩方面有所改变，浅色进入他的生活。即便已经成名得到认可，他的生活中也只有寂寞陪着他。
从这个时期开始，他的画作变得更加色彩斑斓，颜色越来越流畅。
在经历了抑郁之后，蒙克成为一个全新的蒙克，所以他的画作的风格也与此之前不同。
《西班牙流感时的自画像》
这幅画被称为《西班牙流感时的自画像》，绘于1919年，那个时期欧洲有700万人因为染上西班牙流感而死亡，但蒙克没有感染流感，但读了很多在欧洲发生的死亡故事，敏感的心理让他对此产生了同情和认同感。
这幅画作里的主角看不到眼睛，仿佛《呐喊》的翻版。这是一张没有眼睛的脸，嘴巴张开，似乎是在呐喊。
这位艺术家在他职业生涯的尽头展示出表现主义才是现代艺术曾经几未来的主要方向。
人一直是蒙克的关注焦点，他用肖像画来诠释，但他同时也被挪威峡湾的风景所吸引，他年轻时探索过的峡湾为他带来宁静。他难以从灵魂深处获得宁静，绘画是他获得宁静和发泄的方式。
《生命之舞》
《生命之舞》是蒙克色彩运用非常娴熟的作品之一。
人们穿着盛装在海边聚会。画作前方站着三个女人，从左到右分别是期待爱情的白衣女人，她矜持而美丽，白裙上绣着的橘色花瓣就是她纯洁的象征。第二个是正在与男人翩翩起舞的红衣女人，她美丽而张扬，似乎在向观者诉说着她的幸福与热情。第三个是面容拘束的黑衣女人，她不安地站在红衣女人的身旁，一双渴望爱情的眼神充满失落。
在她们后面的背景是疯狂舞蹈的男男女女。
蒙克在这幅油画里把一个女人的恋爱变化过程全部表现出来，由期待到热恋，再由热恋到失望。蒙克笔下的女性永远带着不同的情绪和瞬间。
1944年，蒙克去世。由于他很出名和富有，他受到很多人的尊敬。
蒙克也是在那个时期意识到，如果没有他的病态精神痛苦，没有他的抑郁心理，就不会有他在艺术方面的成就。
蒙克的敏感天性使得他对生存和死亡的感受格外强烈。他的每一幅画作都传达着一种强烈的自我感受。
他的绘画对象的具体细节被简化甚至被抹去，这种外在的简化是为了表现内心的情绪，表达画家诉诸于画布上的情绪。
绘画对象成为了表现情绪的一个载体，蒙克从简化的具象中寻找自我的抽象。
他是情绪的画家，他的画作之所以可以这震颤人心，是因为他把人们内心隐藏的恐惧与荒诞表现了出来。我们无法说清楚在某个夏夜突然悲伤或者害怕的情绪究竟是何模样，蒙克便用画笔告诉我们这股悲伤和恐惧的模样。
在画作的表现之后，我们又再次看到了一种欲望和阴影的交织变幻。
蒙克始终忠于自己的内心，他用画笔不加掩饰地表现内心，可这种赤裸到血淋淋的解剖何尝又不是一种痛苦的发泄?
蒙克是表现心灵的画家。
据说蒙克的视力遭到损伤，对于一个画家来说，失去视力就是失去色彩，失去感知，失去赖以生存的一切。可是蒙克依然没有放弃绘画。
上图这幅画作中的阳光照射在女孩们的身上，白色的长裙折射出耀眼的光芒，整幅作品弥漫着莹黄色的基调。
上图画作的近景颜色浓厚，这种浓厚给人一种强大的冲击力。暖色调的变化十分明显，地面的橙色与墙面阴森的绿色形成鲜明对比。
这两种颜色在这幅画里形成了互补色，蒙克曾经花费大量时间在互补色的研究上。他用互补色来突出了人物的心理变化，人物分别把橙色和绿色两个互补色连接起。这种连接相互呼应，使得画作对比明显又富于统一感。
这种统一使得画作充满了压抑感。蒙克的色彩很值得分析，画作中的红褐色被描绘成一条曲线。远处椅子上的人与近处椅子上的人相互连接。这种连接将蒙克的感情表现了出来。
画作中的人物分成了两组，他们之间以曲线相连，以桌子相连，以桌子下面的色块相连。这种关联促进了画作的整体效果。
蒙克的一生是忧郁的一生，天生的忧郁气质使得他活在痛苦之中，但正是这份痛苦成就了他的艺术。我们无法断言这份痛苦他是否想要，但我们应该庆幸他给我们留下来如此震颤人心的艺术作品。
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