乌镇当代艺术邀请展·参展艺术家介绍（二）

“时间开始了——2019乌镇当代艺术邀请展”共有来自全球21个国家和地区的45位艺术家的作品汇集乌镇。

Rafael Lozano-Hemmer（拉斐尔·洛萨诺-赫默）

Rafael Lozano-Hemmer（拉斐尔·洛萨诺-赫默），1967年生于墨西哥城。1989年，加拿大蒙特利尔康考迪亚大学理学士学位。拉斐尔·洛萨诺-赫默的主要兴趣在于通过诸如机器人、计算机监控或是远程信息网络的技术创造公众参与的平台。

拉斐尔·洛萨诺-赫默曾受墨西哥城千禧庆典、鹿特丹欧洲文化之都、里昂的联合国世界城市峰会、日本的YCAM中心开幕式、墨西哥城的特拉特洛尔科学生大屠杀纪念馆、温哥华的冬季奥运会以及阿布扎比的古根海姆博物馆等活动和机构的邀请创作大型装置作品。2007年，，拉斐尔·洛萨诺-赫默成为第一位正式代表墨西哥参加威尼斯双年展的艺术家。他还参加了在哈瓦那、伊斯坦布尔、高知、利物浦、蒙特利尔、莫斯科、新奥尔良、塞维利亚、首尔、上海、新加坡和悉尼等地举办的双年展和三年展。他的作品被众多机构收藏，包括纽约MoMA、伦敦泰特、多伦多AGO、迈阿密CIFO、墨西哥城Jumex、苏黎世DAROS、墨西哥城MUAC、金泽21世纪艺术博物馆、曼彻斯特MAG、卡尔斯鲁厄ZKM，蒙特利尔MAC和新加坡SAM等。

拉斐尔·洛萨诺-赫默还获得过两项英国学院互动艺术奖以及奥地利电子艺术大奖“金尼加”奖、《连线》杂志Rave奖的“年度艺术家”、洛克菲勒奖学金、德绍的“国际包豪斯奖”、加拿大总督奖等。

马秋莎Ma Qiusha

马秋莎，1982年生于北京，2005年毕业于中央美术学院，2008年毕业于美国阿尔弗雷德大学电子综合艺术专业艺术，获硕士学位，现生活、工作于北京。马秋莎的作品曾于英国泰特现代美术馆、荷兰格罗宁根美术馆、土耳其Borusan Contemporary、德国杜塞尔多夫美术馆、德国卡尔斯鲁尔艺术与媒体中心、美国休斯顿当代美术馆、坦帕艺术博物馆、圣彼得斯堡美术馆、橘郡美术馆、俾尔根国际艺术基金会、挪威斯塔万格美术馆、波特兰当代艺术学院、英国华人艺术中心、北京尤伦斯当代艺术中心、上海民生现代美术馆、OCT当代艺术中心上海馆、中国美术馆和中央美术学院美术馆等多处展出。马秋莎曾被提名“皮埃尔·于贝尔奖”，“第七届AAC艺术中国-年度青年艺术家”及“第十一届AAC艺术中国-年度青年艺术家”。

名和晃平Kohei Nawa

名和晃平（Kohei Nawa），1975年生于日本大阪，获京都市立艺术大学博士学位，现为京都艺术与设计大学副教授，现生活工作于京都。

名和晃平曾参加众多国际展览，其中包括第六届亚太双年展、第14届孟加拉国亚洲艺术双年展（大奖得主）、爱知三年展。他的作品也在众多艺术机构展出，包括巴黎卢浮宫、蓬皮杜艺术中心、德国ZKM、东京森美术馆、东京都现代美术馆、韩国三星美术馆、萨奇画廊、佩斯画廊、上海的阿拉里奥空间等等。名和晃平的作品被众多博物馆和艺术机构收藏，包括纽约大都会艺术博物馆、东京森美术馆、墨尔本的维多利亚国家美术馆、柏林戴姆勒当代艺术馆等。

施林·奈沙

施林·奈沙，1957年生于伊朗，17岁时前往美国学习艺术，1982年毕业于伯克利加利福尼亚大学，现居纽约。施林·奈沙是一位以影像、摄影和电影创作著称的艺术家。她的作品围绕着伊斯兰和西方文化、男性和女性、公共生活和私人生活、古风和现代性之间的对比而展开，同时又尝试将这些主题之间进行相互关联。施林·奈沙的作品受到业界高度认可，曾获1999年威尼斯双年展“国际奖”、2009年威尼斯电影节“银狮奖最佳导演奖”，以及由《赫芬顿邮报》艺评人G·罗杰·丹森提名的“十年最佳艺术家”。

大卷伸嗣

大卷伸嗣，1971年生于日本东京，毕业于东京艺术大学雕塑系，现为东京国立美术大学副教授，生活工作于东京。大卷伸嗣的创作横跨平面和立体，展现他对时间与空间、追求现代化过程中人类与自然的微妙关系、永恒与失去等课题的思考。2018年，在香港巴塞尔艺术博览会上，他的《临界之气——时空》成为展览的焦点作品之一。大卷伸嗣的作品曾被瑞士银行、韩国现代艺术博物馆等机构收藏，并在雕刻之森美术馆、金泽二十一世纪美术馆举办了个人作品展，近年来还参加了诸如亚太三年展、横滨三年展等重要群展。

Julian Opie（朱利安·奥佩）

Julian Opie（朱利安·奥佩），1958年生于英国伦敦，毕业于伦敦金史密斯艺术学院，现生活工作于伦敦。朱利安·奥佩的作品在国际上广泛展出，主要包括在科隆的Kunstverein、伦敦海沃德画廊和ICA、慕尼黑的Lehnbachhaus、杜塞尔多夫的K21、维也纳MAK、日本水户塔、马拉加的CAC和瓦伦西亚的IVAM、克拉科夫MoCAK、赫尔辛基的Tidehalle、上海的复星艺术中心、韩国水原IPark艺术博物馆以及德里三年展、威尼斯双年展和文献展等展出。朱利安·奥佩在世界各地众多城市创作了许多公共项目，如在2002年东京的电通大厦、2004年纽约市政厅公园、2006年日本表参道山森大厦等。朱利安·奥佩的公共艺术作品被众多公共机构收藏，包括泰特博物馆、大英博物馆、维多利亚和阿尔伯特博物馆、英国文化协会、伦敦国家肖像画廊、纽约现代艺术博物馆、美国波士顿ICA、西班牙的IVAM、以色列博物馆和日本高松市艺术博物馆。

Katja Schenker（卡特娅辛克）

Katja Schenker（卡特娅辛克），1968年生于瑞士圣加仑（St.Gallen），目前生活和工作在苏黎世。从1989年至2000年，卡特娅辛克相继在苏黎世大学和法国高等社会科学院（EHESS）学习比较文学、哲学、艺术史和造型艺术。

1990年起，卡特娅辛克在创作中明确地将行为艺术和雕塑这两种媒材结合起来。通过她的行动，让日常物件在时间中变形——合成或分解，延展或压缩，塑造出激发想象力的有体量的形态。在呈现出行为过程的同时，向观众保留最终的塑造结果。在巴黎瑞士文化中心（CentreCulturel Suisse de Paris）的展览《行为进行时》（PerformanceProcess）中，卡特娅辛克的行为作品《链接的皮肤》在空间中布置起悬空的绳索，像蜘蛛一样围绕自己身体慢慢编织成一张网。于是，这张网就成为了一件雕塑大面积占据展厅直至展览结束。网状结构在空间中显得稀疏和松弛，然而它的存在貌似象征了某种框架，给环境和观众造成扰乱。

卡特娅辛克的这些行为雕塑作品巧妙和娴熟地利用工业现成品、空间，艺术家自身的行动以及观众之间的关系，建立出几种存在元素的互相对立，来实现持久的观察和诗性的体验。卡特娅辛克擅长用独特的视角去关注、审视当今的世界，从个人经历、处境和情感出发，借助那些可转化的力量以求防卫和抗争，试图在封闭、压抑和充满错综复杂的规范制度的社会现实中提供解构的思维，以及寻找生存的策略。

格雷戈尔施耐德

格雷戈尔施耐德，1969年生于德国莱特。1985年，格雷戈尔施耐德在瑞典斯德哥尔摩的Gontie Kontrast举办了第一次艺术展。1989年至1992年，他在杜塞尔多夫艺术学院、汉堡造型艺术学院等不同学校学习。1999年到2003年，任阿姆斯特丹 De Ateliers、汉堡造型艺术学院、哥本哈根皇家丹麦美术学院教授。

格雷戈尔施耐德以对建筑的灵活处理闻名，他颠覆现实，让日常中的不安显露出来。他将房屋独立复制，并将整个房间和建筑物从一处运送至另一处，他改造室内，在它们平凡的细节中创造出一种令人毛骨悚然的神秘感，将日常经验变成恐惧。格雷戈尔施耐德曾获第49届威尼斯双年展金狮奖。

妹岛和世

妹岛和世，1956年生于日本茨城。1981年日本女子大学毕业之后进入伊东丰雄的事务所工作，1995年与西泽立卫成立了SANAA建筑设计事务所。他们的建筑以干净的现代主义元素而闻名，如光滑、干净、有光泽的玻璃、大理石和金属表面。在设计中还不同程度地运用正方形和立方体。大窗户允许自然光进入空间，并在内部和外部之间创造流畅的过渡地带，以便让建筑、使用者与周围空间进行互动。他们的代表性作品包括俄亥俄州托莱多的托莱多艺术博物馆玻璃馆、纽约新当代艺术博物馆、洛桑联邦理工学院劳力士学习中心、伦敦的蛇形画廊、东京表参道的克里斯汀·迪奥大楼、金泽21世纪当代艺术博物馆等。妹岛和世与西泽立卫曾获威尼斯建筑双年展金狮奖和普利兹克奖，妹岛和世也成为第二位获此殊荣的女性建筑师。

施慧

施慧，中国美术学院纤维艺术系主任、万曼壁挂研究所主任、教授、博士生导师。1986年开始师从万曼从事当代纤维艺术创作。1987年，作品《寿》（合作）入选瑞士洛桑“第十三届国际壁挂双年展”，实现了中国当代壁挂艺术走向世界的零的突破。施慧是上世纪80年代中国第一批从事当代艺术的艺术家，她坚持纤维艺术在当代艺术中的创作方向，作品以棉、麻、宣纸、纸浆等纤维材料为特征，在当代艺术的层面上体现出东方精神的底蕴。作品先后参加国内外许多重要展览及提名展、双年展，引起广泛关注。

施慧持续使用中国宣纸和纸浆为主要媒介，在这种钟爱的后面，显然既是对媒介与自己心灵默契的那种特殊属性的体认，也是对中国传统媒介在当代的价值转换的信念。施慧的作品在中国当代艺术的图式中，呈现出独特的视觉特征，她将传统意义上的编织拓展为一种视觉空间的建构，编织的过程被作为经验的流程，而成为一种“后现代的万物有灵论”的图像演绎。

2003年施慧开创了第一个在造型艺术专业中实施纤维艺术教学的研究方向，将纤维与空间艺术结合在雕塑专业中，提出要以纤维与空间艺术在当代艺术创作中呈现的独特视角和艺术语言为出发点，以纤维艺术对材料的敏感性来涉入都市的消费现象，并持以人文的批判精神。

施慧著有《万曼之歌：马林·瓦尔班诺夫与中国新潮美术文献集》《第五空间——纤维与空间艺术》、《来自校园的公共艺术报告》《现代壁挂设计》《公共艺术设计》等专著及《现代壁挂艺术—从洛桑国际壁挂双年展看现代壁挂的发展进程》《从边缘走进主流——当代软雕塑》等多篇相关论文。出版有个人作品集《素朴之诗：施慧作品》《施慧》。

苏汇宇

苏汇宇，1976年生于中国台北，近期作品聚焦于古籍、老电影与稗官野史的收集汇整，试着透过重读、重叙与重新组装这些旧时代的文本，获取对于身体、存在与历史等课题的重新认识。苏汇宇的作品先后在台北市立美术馆、台湾美术馆、墨西哥尤麦克斯美术馆及上海当代艺术博物馆展出，被岛内三大公立美术馆与澳洲白兔美术馆收藏。2017年，获邀参加鹿特丹国际电影节（IFFR），并做艺术家个人专题放映，作品《超级禁忌》入围金虎奖短片类竞赛单元，随后受邀参加阿根廷布宜诺斯艾利斯影展、莫斯科国际实验影展、维也纳短片影展、汉堡国际电影节、里斯本独立电影节、蒙特利尔国际电影节等。苏汇宇2018年的新作则以电影短片与录像装置的形式重新诠释了邱刚健1985年的电影《唐朝绮丽男》。

西塞尔图拉斯

西塞尔图拉斯，1965年生于挪威斯塔万格，现居柏林。西塞尔图拉斯曾在奥斯陆、华沙、莫斯科、圣彼得堡等地的大学和牛津大学学习，拥有化学、数学、语言学、艺术学等多重背景。

西塞尔图拉斯目前致力于研究气味主题的各个方面。她于1990年开始专注于此，研究气味在不同科学、艺术/设计领域和其他学科领域的重要性。在当时，她开发了一套“气味档案”，多达7000多个密封罐。2004年1月，西塞尔图拉斯在IFF的支持下，建立了柏林气味研究所，研究嗅觉和交流/语言。她的研究获得了众多国内外荣誉和奖项，包括2014年CEW、纽约化学与创新奖、哈佛大学GSD 劳斯基金奖。西塞尔图拉斯于2010年成立了功能性气味研究所，并于2016年与新加坡南洋理工大学和柏林未来教育平台合作, 成为未来教育的创始成员。

阿玛利亚·乌尔曼

阿玛利亚·乌尔曼，1989年生于阿根廷，在西班牙长大，随后在伦敦中央圣马丁学院学习艺术，现生活工作于洛杉矶。阿玛利亚·乌尔曼的作品主要以第一人称的语气，模糊了艺术家和被研究对象的区分。作品往往以幽默温柔的假象，探索阶级模仿以及消费主义和身份认知之间的关系。除了视频、雕塑和装置作品，阿玛利亚·乌尔曼的多学科实践包括使用社交媒体、杂志摄影、采访、自我推销和品牌代言作为工具，为虚构的叙事体小说创造素材。她的行为艺术作品“卓越与完美”被瑞泽木（Rhizome）画廊和新美术馆（纽约）收藏并在泰特现代美术馆及白教堂艺术中心展出。阿玛利亚·乌尔曼的近期作品包括视频论文《私人编年史》（Frieze Live，2015）、《优越》（线上行为表演，2016）, 并有举办了一系列展览：“劳动的舞蹈”（伦敦Arcadia Missa画廊）、“名誉”（伦敦新画廊）、“尊严”（纽约James Fuentes画廊）、“不容忍”（布宜诺斯艾利斯BARRO画廊斯）、“星期一漫画”（慕尼黑Deborah Schamoni 画廊）、“Atchoum！”（Sympa画廊，菲雅克）和“新世界1717”（上海外滩美术馆）。

王鲁炎

王鲁炎，生于1956年，是中国现当代艺术发展史中的重要参与者之一，早年曾参加1979年的“星星画展”和1989年的“中国现代艺术大展”。王鲁炎于1988年与顾德新合作创作了《触觉艺术》；1988-1995年与顾德新、陈少平组成“新刻度小组”，小组于1991年参加在日本福冈举办的“中国前卫艺术家展——非常口”，1993年参加英国牛津现代美术馆举办的“沉默的力量”，1995年与德国零小组艺术家约克尔(Guenther Uecker)合作在德国新柏林艺术协会(NBK)举办“约克尔与‘新刻度小组’的对话”展。1995年新刻度小组解散后，王鲁炎独立艺术家的身份继续创作。此后，王鲁炎参加的展览包括第二届亚太当代艺术三年展、“开放的本体“展（美国纽约亚洲协会P.S.1当代艺术中心，1998）、”重新解读: 中国实验艺术十年(1990–2000)——首届广州三年展，先后在深圳OCAT当代艺术中心、韩国首尔整体美术馆、北京芳草地、法国圣埃蒂安现当代美术馆、北京外交公寓12号空间、鸭绿江现当代美术馆、北京公社等空间机构举办个人作品展。

渡边玛雅

渡边玛雅，是一位秘鲁艺术家，现在荷兰阿姆斯特丹和西班牙马德里两地生活和工作。渡边玛雅以视频装置为主要创作形式，她的作品曾在法国巴黎东京宫、西班牙马德里屠宰场艺术中心、法国卡蒂斯特艺术基金会、德国弗里德里克美术馆（Das Fridericianum）、利马当代艺术博物馆以及京都艺术中心等机构展出。她还参加过巴西国际电子艺术节、录像艺术国际艺术节（LOOP）、国际电子语言艺术节（FILE）、Transitio MX，Madrid Abierto、哈瓦那电影节和北京双年展等展出活动。渡边玛雅还为秘鲁、西班牙、奥地利和意大利的剧院戏剧担任布景设计师和视听艺术总监。

恩唐·维哈尔索

恩唐·维哈尔索，印度尼西亚艺术家，擅长跨界艺术实践，能运用生动的视觉语言表现当代生活的意象。他透过对意识形态、哲学思想和身份认同的洞察，探讨了权力、迷失和爱情等人类社会普遍存在的问题，其巨幅油画、墙体雕塑及装置艺术尤其令人称道。在恩唐·维哈尔索看来，艺术创作能够深化人们对爱恨、狂热、宗教及意识形态的感知、体会和理解。他在创作中运用独特的叙事手法和与众不同的媒材，折射出他对社会、政治和性的批判，为观者呈现纷繁复杂的人类境遇。他还将质朴而原始的爪哇神话人物与当代元素杂糅浸润在一起，表达那些历久弥新的思想理念，在不知不觉间触动观者的心弦。恩唐·维哈尔索在印尼及海外的画廊和美术馆举办多个个展和收藏展，并受邀参与众多双年展及重要群展。近年个展包括：“半度分割”（当代唐人艺术中心曼谷空间的）、“应许之地”（纽约Marc Straus画廊）、“完美之镜”（希腊Bernier/Eliades画廊）、“绝不说不”（新加坡STPI）等。重要群展包括：第55届威尼斯双年展、“奥德赛：无名之海”（新加坡艺术博物馆）、“爱：七个美德的第一”（纽约哈德逊河谷当代艺术中心）、“Open Sea”（法国里昂当代艺术博物馆）、“Prospect.3: Notes for Now”（美国新奥尔良双年展）、“All You Need Is Love”（东京森美术馆）以及第六届布拉格双年展等。

伍韶劲

伍韶劲，中国香港艺术家。2003年毕业于加拿大怀亚逊大学新媒体艺术系，2005年以最高荣誉Les felicitation du jury a l'unanimite获法国国立当代艺术工作室Le Fresnoy研究生文凭，并获英国爱丁堡大学可持续设计硕士学位，现为香港浸会大学视觉艺术学院助理教授。伍韶劲的跨媒体概念艺术着重建构作品与场域之间的关系，把抽象意念和被遗忘了的事物呈现于互动装置、声音和空间设计等不同创作形式上。最近项目包括《二十五分钟后》（把电车改造为“流动光影暗室”）和《大禹之后》（将大型地下蓄洪池转化为艺术场域）。伍绍劲的作品曾在法国蓬皮杜艺术中心Ircam音乐研究所、意大利罗马现代艺术博物馆馆和加拿大Inter Access电子媒体艺术中心等机构及广州三年展、外蒙古地景艺术双年展、日本越后妻有大地艺术祭、上海世博会等展览上展出。伍韶劲及其作品曾获多个奖项，包括多伦多Inter Access视觉艺术奖、加拿大文艺理事会奖助金、2007年香港独立短片及录像比赛互助媒体组金奖、2008年香港青年设计才俊大奖、2009年香港当代艺术双年奖以及2013年香港艺术发展奖最佳艺术家奖（媒体艺术）等奖，并得到亚洲文化协会奖助金支持赴海外驻留考察。

徐坦

徐坦，1957 年生于武汉，现生活工作于广州和深圳。1983 获广州美术学院油画系学士学位，1989 获硕士学位后留校，在油画系任教至 1997 年。1992年开始参加实验艺术工作小组“大尾象”工作组的活动，1993年正式加入“大尾象”。2002 获纽约亚洲文化协会艺术家基金（洛克菲勒基金会）。2004 获德国国家学术交流基金（DAAD Berlin）。2005年在北京师范大学珠海分校任教。2008 年初退出该校后，一直在珠三角、纽约、旧金山等地流动和生活。徐坦曾参加第五十三届威尼斯双年展、第五十届威尼斯双年展、第二届柏林双年展、第二届广州三年展、第四届光州双年展、第十届上海双年展、第十二届沙迦双年展、第十届深圳双年展等。

杨福东

杨福东，1971 年生于北京。毕业于中国美术学院油画系，被誉为目前中国最成功和最有影响力的艺术家之一。2004年入选纽约古根海姆当代艺术奖，成为继蔡国强、黄永砯之后第三位获此殊荣的华人艺术家。现工作生活于上海。

杨福东凭借其极具个人风格的电影及录像装置作品在全球多家美术馆以及重要艺术机构的展览中展出，其中包括：“1989年之后的艺术与中国：世界的舞台”（纽约古根海姆博物馆）、“本土——激流与嬗变下的中国艺术”（巴黎路易威登基金会）、第12届里昂双年展、第11届沙迦双年展、第十七届悉尼双年展、“距离之美：动荡时期的生存赞歌”（悉尼当代美术馆）、第50/52届威尼斯国际艺术双年展、第五届亚太当代艺术三年展、2004利物浦双年展2004、第11届卡塞尔文献展、第四届上海双年展、横滨三年展、第7届伊斯坦布尔双年展等。此外，杨福东还在上海龙美术馆、上海摄影艺术中心、上海余德耀美术馆、挪威桑霍尔恩岛、瑞士苏黎世美术馆、上海OCT 当代艺术中心、伦敦PARASOL UNIT 当代艺术中心、雅典国家当代艺术博物馆、证大现代艺术馆、东京原美术馆、维也纳美术馆等艺术机构举办了多个个展。

利亚姆·扬

利亚姆·扬，1979年生于澳大利亚，设计师、艺术家、未来学家，现穿梭在伦敦和洛杉矶之间。利亚姆·扬被Blueprint杂志评选为2010年将改变建筑和设计的25人之一。他是未来智库Tomorrows Thoughts Today的创始人，该团队的项目探索了建筑和都市主义奇妙、乖张和投机的后果。他的工作虚构了基于今天生活条件的关于未来走向的世界情景。他还策划各种活动和展览，并与伦敦建筑协会合作创建了游牧教学工作室“未知领域部门”。

利亚姆·扬是一位在设计、虚拟和未来之间穿梭的预言型建筑师。作为澳大利亚的建筑师，利亚姆·扬早先曾在多个世界领先的事务所工作过，包括扎哈·哈迪德建筑师事务所和LAB建筑工作室。随着技术日益成为城市变化的根本动力，利亚姆对建筑设计发展的缓慢步伐感到沮丧，随后逃脱了建筑师明星体系，建立了自己的城市未来智库TTT（明天—思考—今天）。 TTT是一个协作型工作室，跨越科学、技术和设计等领域。这是一个通过虚构、电影和表演作为想象力工具来讲述未来城市故事的实践，探索着新兴技术和生态条件的影响和后果。利亚姆·扬现在一边探索着遥远的发展图景，一边假定推断关于未来的原型。

杨嘉辉

杨嘉辉，生于中国香港，作曲家、声音艺术和媒体艺术家。2013年，毕业于普林斯顿大学，获音乐博士（作曲）学位。曾代表香港参加第57届威尼斯双年展。此外，他还在德国杜塞尔杜甫美术馆、英国曼彻斯特华人当代艺术中心（CFCCA）、香港M+展亭和广岛市现代美术馆等机构举办个人作品展，并在纽约古根海姆美术馆、悉尼双年展、大阪国立国际美术馆、首尔MMCA国立现代美术馆和卡塞尔文献展之卡塞尔电台广播等举办的群展上展出作品。他同时还是多个乐团的成员，且与世界各地的不少乐团都有合作关系。杨嘉辉曾获彭博新一代艺术奖（2017）、奥地利媒体艺术节电子艺术大奖（2012）、香港艺术发展局年度最佳艺术家奖（2013）以及2015宝马艺术之旅奖项、2018香港艺术中心艺术荣誉奖等奖项。

张鼎

张鼎，1980年生于中国张掖，生活工作于上海。张鼎的艺术实践主要以个人展览/项目的方式呈现，常包括录像、装置、绘画和现场表演等等。从《工具》（2007)开始，围绕着感官与意志的强度，项目现场构建起一个个荒诞而充满对抗性的场景，而这些场景常常又构成了一种深层的社会隐喻，它们可被看作一系列对舞台场域氛围的解构。场景的置换借力于我们与我们并不完美的感官意识之间的对抗，引发心灵的异置。当现场表演在《开幕》(2011)中首次出现，并延续至《一场演出》(2014)，所有的因素混合而产生的化学作用使现场成为情绪氛围扭合而成的雕塑。《龙争虎斗》系列张鼎更开始尝试开放艺术家自我的工作方式创造更多可能——在伦敦当代艺术学院(2015)26组风格截然不同的音乐人受邀合作，在旋转镜屋中彼此即兴表演接受挑战；在上海chi K11美术馆(2016)这种挑战被空间的变幻结构及中国音乐人的加入一再升级并延续至新加坡。

2016年，《风卷残云》项目将外滩美术馆转换成金色监狱，直播了150位VIP晚宴的现场事件。同年，他成立艺术厂牌“控制俱乐部”，以极客、音乐、巨型声音视觉装置等等，建立控制与反控制的某种聚会方式，首个项目呈现声音装置群与传奇音乐人王凡的合作，在废弃的百年建筑中进行。2017年，张鼎再次回到画廊空间，在香格纳画廊上海制造一个巨大的《漩涡》。2018年的最新个展《安全屋》，他将同一概念于三个不同场域和层面予以呈现，在北京掩体空间、怀俄明计划、金杜艺术中心内共同构成《安全屋》所探讨的观念内核。

赵赵

赵赵，1982年生于中国新疆，2003年获新疆艺术学院美术系学士学位，其后前往北京电影学院进修。作为80后当代中国关键艺术家之一，赵赵热衷于利用各种艺术媒介对现实及传统惯例提出挑战，强调个体的自由意志，表达不守成规的态度。近年来，赵赵丰富的艺术实践获得国际间的关注及重视，在中国、北美和欧洲的展览广受好评，被视为国际新锐艺术家的代表之一，并于2017年获第十一届“AAC艺术中国年度青年艺术家提名奖”。近期举办的个展包括：“沙漠骆驼”、“天空星空”（北京当代唐人艺术中心）、“塔克拉玛干计划——香港巴塞尔”（香港当代唐人艺术中心）、“赵赵”（北京当代唐人艺术中心）、“安全感”（香港當代唐人艺术中心）、“赵赵：星空 II”（纽约前波画廊）、“赵赵”（斯德哥尔摩Carl Kostyal画廊）、“赵赵：无所不在”（洛杉矶Roberts & Tilton画廊）。近期参加的群展有“岛屿，星座和加拉帕戈斯”（第六届横滨三年展）、“中国当代艺术年鉴展2016”（北京民生现代美术馆）、“后感性：恐惧与意志”（上海明当代美术馆、北京民生现代美术馆）、“今天重做”（上海民生现代美术馆）、“灵魂”（米兰当代美术馆）、“零容忍”（MoMA PS1）、“创你所欲：第十九届悉尼双年展”、“我们这一代：中国青年艺术家”（佛罗里达坦帕美术馆）、“时间是一个锯”（威斯康星大学克罗斯曼画廊）。

庄辉

庄辉，1963年生于甘肃玉门。十三岁时离开家乡并在洛阳自学绘画。1979年高中毕业后，庄辉进入洛阳第一国营拖拉机械厂成为了一名工人。在那期间，他通过游历走访四方，亲身经历了有关正在处于转型阶段的中国社会中的多种面状。1992年，庄辉组织完成了第一次也是重大的公共艺术活动《为 人民服务》。1995年，庄辉在他所在的地区开始了一系列针对中国社会阶层结构根源的探究，最初是作品《一个和三十个》以及最有名的那组容纳了近百人自画像的系列照片，包括军营部队、村庄，亦或医院等全部工作部门。庄辉也不断延伸拓展着他对中国社会转型的检验，并转向有关社会政治问题的更大层面,，譬如作品《东经109.88 ,北纬31.09 》，还有他关于纪录自身随性而非常规生活 的摄影作品《十年》。2000年后，庄辉继续创作一系列雕塑、装置，例如作品 《茶山镇》与《带钢车间》。2006年，庄辉开始同旦儿合作，一起发起了包括“玉门计划”在内数个艺术项目。作品《玉门》是他们在当地开设的一个照相馆，由此创作了在一个衰退城市中居民的社会肖像。庄辉开始定期走访祁连山脉，并于2014年基于他与当地景观所发生的关联开始创作新作，将其发展成为一个长期项目。在繁碌、丰富的艺术生涯中，庄辉参与了众多重要国际大型展览，其作品曾在西安美术馆、上海当代艺术博物馆、常青画廊（北京、巴黎）以及德国弗柯望博物馆、印度尼西亚余德耀美术馆、德国柏林世界文化宫、荷兰格罗宁根美术馆、美国犹他州盐湖城艺术中心、英国泰特美术馆、瑞士伯尔尼美术馆、法国里昂科特迪瓦当代艺术博物馆、法国蓬皮杜艺术中心、比利时根特艺术中心等机构展出，并参加了1999年第48届威尼斯双年展。

Zimoun

Zimoun，1977年生于瑞士，现生活工作于伯尔尼。Zimoun使用简单、日常的使用物件，构建具有架构意识的声音平台。探索再一个设定系统中的机械节奏和震动，他的装置针对的是普通的工业对象，它们清晰地表达了现代主义的有序模式与生活的混乱力量之间的张力。带着情感深度，Zimoun使极简主义建筑中自然的嗡嗡声左右回荡。Zimoun的作品多次在国际上展出。最近展览包括智利圣地亚哥当代艺术博物馆的展览; Nam June Paik Art Museum Seoul、台北关渡美术馆、佛罗里达林林艺术博物馆、孟买市立博物馆、北京中国美术馆、LAC Museum Lugano、首尔艺术博物馆; MIS圣保罗博物馆、台北市立美术馆、Le Centquatre Paris、釜山当代艺术博物馆、MBAL美术馆、伯尔尼艺术博物馆等。