150年的“自拍”历史：深度反映时下最流行话题

（原标题：150年的“自拍”历史：深度反映时下最流行话题）

2月18日，一场名为“为镜头表演"(Performing for the Camera)的展览在伦敦泰特现代美术馆(Tate Modern, London)开幕。这场展览不仅十分迷人，同时通过详尽的研究调查，探索了摄影和表演之间的紧密关系。而且，尽管其中一些作品确实会以像艾玛利亚·乌尔曼(Amalia Ulman)观念性的Instagram自拍角色亮相，我可以很确定地告诉你，这场展览并不是之前所称的一场关于“自拍"的展览。

泰特美术馆摄影部门的资深策展人西蒙·贝克(Simon Baker)筹划组织了此次展览，多达500件作品，跨越150年的时间，都将在此次展览中亮相，直面各种不同的有关(自我)表达、身份的转移以及摆拍(何乐而不为呢?)的问题。

从如今大家都沉迷于社交媒体的角度来看，这些话题是每个人都认为是非常具有“时效性"的。然而，贝克却是希望通过这场展览告诉人们，无论新的摄影技术如何发展，这些问题事实上与摄影媒介本身一样历史悠久。他认为，摄影自约1839年第一次问世以来，一直都是具有表演性的。

因此，这场展览所肩负的任务似乎令人望而生畏，而它的愿景则显得雄心勃勃。不过，展览的第一个房间就方便地为观众提供了拉近距离的钥匙，展览的核心在此被浓缩为了三件作品：伊夫·克莱因(Yves Klein)的《跃入虚无》(Leap into the Void, 1960)以及一些表演准备阶段的图片;阿伦·西斯金德(Aaron Siskind)的《漂浮的快乐与恐惧》(Pleasures and Terrors of Levitation，1956-65)以及查尔斯·雷(Charles Ray)的作品《木板 I-II》(Plank Piece I-II，1973)。这三件作品突出了展览的三个主要概念路径：艺术家/表演者与摄影师间的合作(克莱因是与颇受欢迎的摄影二人组Shunk-Kender进行的合作)、对一段表演富有创意性的记录(西斯金德)以及将表演和摄影结合成雕塑的形式(雷)。

尽管这样的三种概念看似有些教条，贝克还是成功地将策展的严谨性与展厅的亲和度和兴奋度统一了起来。一些较鲜为人知的档案图片，比如第2届具体派展览(Gutai Exhibition ，1956-7)中行为表演的纪实影像或是埃莉诺·安丁(Eleanor Antin)的《护士的冒险》(Adventures of a Nurse, 1975)就与一些名家名作，包括辛蒂·雪曼(Cindy Sherman)的《无题电影截图》(Untitled Film Stills, 1982)和大卫·沃基纳罗维奇(David Wojnarowicz)的《亚瑟·兰波在纽约》(Arthur Rimbaud in New York, 1978-9)布置在同一个展览空间中。

同样地，另一个空间展示了一些经常用海报、传单、广告单进行创作的艺术家作品，耳熟能详的名字包括安迪·沃霍尔(Andy Warhol)、约瑟夫·博伊斯(Joseph Beuys)、汉娜·威尔克(Hannah Wilke)以及VALIE EXPORT。他们的作品突显了一张更不为人知的沧海遗珠：《一场私风景》(A Private Landscape, 1971)。一个由摄影师细江英公(Eikoh Hosoe )和演员四谷西蒙(Simon Yotsuya)的合作项目，记录了东京各个街头正在上演着兴致高昂的异装癖者所表演的哑剧，而摄影师精准地捕捉到了那一瞬间的美。

如果你觉得这样的布展看起来太分散了，事实确实如此。实际上，这场展览成功的主要原因之一就是策展人避开了以年代顺序来展示作品的传统方法，而采用了更观念化的方式。如今，越来越多的大型群展似乎都采用了分类法的策展方式，这也许是所谓的档案学发展至今仅剩的遗留物了吧。不过这也预示着这种方法可能会成为相当无聊乏味的参观流程。然而，在泰特美术馆里，贝克和他的同事们独创了一种系统，一扫展品被展览方式限制或阻碍的情况，而是做到了真正对作品有利，甚至为作品提供了全新的理解角度。

展览从概念上分为7类，以“记录表演"(Documenting Performance)开头，展出了由芭贝特·曼格尔特(Babette Mangolte)拍摄的伊冯·雷娜 (Yvonne Rainer)和崔莎·布朗(Trisha Brown)的舞蹈作品，还有无数哈利·舒克(Harry Shunk) 与亚诺斯·肯德 (Janos Kender)记录下的经典表演，包括克莱因、尼基·德·圣法尔(Niki de Saint-Phalle)、 草间弥生(Yayoi Kusama)、安丁以及摩斯·肯宁汉(Merce Cunningham)等。

着重于历史的回顾第一部分，在这里的作用是为观众呈现那些被忽略的表演艺术的记录者们。我十分同意贝克的一个观点，他认为图像在舒克-肯德(Shunk-Kender)组合以及曼格尔特镜的头中已经超越了本身档案记录的功能。摄影师成熟而有意识的拍摄，已经将图片变成了他们自己的作品。

展览行进到一半时，一间以弗朗切斯卡·伍德曼(Francesca Woodman)的作品为主的房间势必会吸引众人的目光，她的作品中对身体移动和空间关系的探索之美妙，一直为人所啧啧称道。伍德曼的一些中型摄影作品，小巧而方正，狡黠地吸引了观众的目光。再走近细看艺术家的摄影作品，人体和道具的纹理相互衬托，使得画面突破了媒介的平面性，将印刷照片变为了浓缩的雕塑。

当然，鉴于现在越来越多的生产型消费者都加入了图像制作的队伍，大批平庸无奇的“表演性图像"(比如自拍)突然大量的涌现，这场展览在它的严肃性方面仍旧毫不含糊，着实让人松了口气。观众可以看到艺术家是如何使用这些技术完成作品的，这一点从不会被遗忘。

不过，表演性在现实生活摄影中的缺席，这一问题在展览中也被提上了讨论，尤其从展览的最后一个房间中看见一斑。 在艾玛利亚·乌尔曼(Amalia Ulman)的《出色与完美》(Excellences & Perfections，2014)以及罗曼·马德尔(Romain Mader)俏皮的系列作品《Ekaterina》(2012)的旁边，深瀬昌久(Masahisa Fukase)的系列作品《窗外》(From Window, 1974)显得格外惹眼，他所拍摄的是他的妻子每天早上离开家去工作时的情景。摄影师高角度的拍摄记录了主人公每天早上表现出的不同情绪：高兴的、坚决的、肆意的、无聊的、或者是疲惫的。

这是一个表明我们日常生活之痛苦的例子，体现了一种下意识的表演。我们难道不是无时无刻都处于“摆着一张无所畏惧的脸"、“准备大干一场"或是“大动肝火"的状态吗?这事实上引出了一个这场展览所引出的问题：什么是行为表演?它与单纯摆姿势的区别是什么?如果没有区别，那岂不是每一张带有有意识的人类的照片都变成了一张行为表演的图像?

如果硬要从中挑刺的话，我唯一能够说的就是展览的呈现方式过于二维平面化。诚然，“为镜头表演"是一个摄影展，然而考虑到展览实则非常强调跨学科的研究，那么展示一些最初的表演中一些实体物件或道具，或者重现一下当时的舞台空间结构，让观众盯着墙面上照片的双眼能够得到一些调剂，这也许会很受欢迎。

不过，那只是一个小小的抱怨，这次展览终究是一场感官盛宴。展览很美，有深度、有趣味，又振奋人心。如果你喜欢的艺术是那种不会迷失在无形的生活意识中，而是赞颂我们鲜活的、会呼吸的肉体，那么这场展览就是你的不二之选了。

“为镜头表演"(Performing for the Camera)于2016年2月18日-6月12日在伦敦泰特现代美术馆展出。

（来源：艺术国际）

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