「最野的」秀场不在巴黎，在圣马丁

中央圣马丁时装硕士毕业秀，一直是每年伦敦时装周日程中独树一帜的存在。相较于头部品牌们的商业操作，毕业秀更像是无关「流行趋势」，带领人们重回时尚最纯粹的地方。今年，多位即将步入行业的设计师，共同完成极具挑衅性的集体发声，证明时尚服饰依然可以源于真实的社会观察与情感共鸣。

Oli Clarke

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Via Instagram @oliclarke__

Oli Clarke 的作品灵感源于他在伦敦斯皮塔佛德 (Spitalfields) 市场担任古董商的四年经历。在那段沉浸于旧物堆砌的日子里，他迷恋上了市场摊位那种「极繁主义」的层次感。这种经历让他形成了独特的创作方式：在做衣服的同时，更是在进行一场关于发现的实验。他擅长利用搜寻到的废旧材料和古着成衣进行创作，让叙事随着素材的出现自然展开。

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在具体的工艺表现上，Oli 展现出一种直觉式的本能，他习惯先构建宏大的视觉世界，再将其精炼为可穿戴的时装。他大胆地将回收的 T 恤与新面料碰撞，把旧羊毛裤改造成夹克，甚至将美式橄榄球护肩等运动护具融入剪裁，在坚固的结构与柔软的廓形间制造张力。

Thomas Uhlarik

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Via Instagram @tomuhlarik

在简约主义与现代化的 60 年代风格间寻找平衡，Thomas Uhlarik 展现了一套极具视觉冲击力的廓形衣橱。为了追求极致的利落感，他刻意减少缝合线，开发了一种独特的几何剪裁法：通过向外翻折的褶皱来精准控制服装的体积，打破了传统的比例逻辑。这种化繁为简的处理手法，将单品还原为最纯粹的「原型」，呈现出一种既锋利又深思熟虑的设计美感。

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而在实穿性层面，Thomas 通过色块拼接与极具「欺骗性」的构造，打造了为「移动中」的人群设计的作品，精准捕捉了都市生活中那种自信且步履匆匆的瞬息美学。作为刚踏入行业的新锐，他渴望以技术剪裁师和设计师的身份进一步深耕，但同时也对当下时尚圈盲目追求快节奏、为产出而产出的现状提出了质疑。

Jaeyoung Bae

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Via Instagram @jaeyouuung

Jaeyoung Bae 的系列通过对个人经历与「流离感」的挖掘，提出了一种被「柔化」的男性气质。在韩国服完两年兵役后，他只身前往伦敦，这种从极致集体主义到异国文化的转变，让他对「制服感」、身体的暴露与脆弱性产生了深刻的感知。在他的作品中，军事元素清晰可见：厚重的军事大衣、参考「吉利服」打造的背心和裤子，呈现独特质感，更散发出一种沉静而克制的威严感。

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然而，他并没有止步于硬朗的军装复刻，而是通过绳索状的镂空和出人意料的露肤设计，在坚固的结构中凿刻出了一抹温柔。在其过往作品中，通过独特的切割和破坏，让服装获得一种在「遮掩」与「显露」之间反复横跳的张力。

Ennis Finnerty Mackay

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Via Instagram @finnertymackay

凭借深厚的剪裁与缝纫功底，Ennis Finnerty Mackay 在扎实的手工艺基础上注入了极具挑衅意味的视觉表达。在深层的创作逻辑上，Mackay 将「成瘾的四个阶段」这一心理学概念转化为了材料语言——用严谨的结构代表克制，用高光泽感代表亢奋。

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从作品系列中可以窥见，他在正装剪裁与胸衣构造上展现出了惊人的掌控力，然而这被一种不稳定的元素打破：他将液体乳胶精细地滴落在缩绒羊毛廓形上，在光线的照射下，这些乳胶像蜂蜜或古老琥珀般凝固，硬化为岩石般的立体质感。更有趣的是，这些乳胶会随着穿着者的活动自然降解、颜色加深，将时间流逝的痕迹直接刻进了服装的纹理之中。

Arielle Uno

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Via Instagram @marachii_official

Arielle Uno 的作品构建了一个极具思辨色彩的时装叙事系统。设计师将背景设定在石油工业撤离后的尼日利亚哈科特港，想象大自然重新接管这片工业废土后的景象。「腐蚀」与「降解」不再是破败象征，而演变成一种独特的手工艺过程：废弃石油钻井平台的残留物、废旧轮胎内胎，在细菌降解与锈染工艺下被重新解构、转化。这种「受控的退化」不仅展现了材料的韧性，更将底层劳动女性的坚毅转化为一种充满力量的奢华质感，赋予了工业废料全新的生命力。

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这种美学理念既深植于她的家族记忆，也深受开云集团的材料创新实验室等前沿技术启发。通过在伦敦、拉各斯和柏林等多元创意社群间的游走，试图挑战时尚界对「新」的盲目追求，倡导一种更具实验性且更宏观的设计逻辑。

Maxina Brewer

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Via Instagram @maxina.

Maxina Brewer 的作品已经被 FKA Twigs 等先锋艺人上身。最新系列源于对自我的审视。结构处理上，服装像是「盔甲与束缚」的共同体，通过剪裁技法扭曲传统的女性曲线。受到「Glitch Feminism」和「Breakcore」那种撕裂感的启发，她将成衣彻底拆解并重新组装。这种重构彰显的「叛逆」，也是对社会刻板审美的回应。

Via Instagram @maxina.

在设计师的社交账号上，可以看到她巧妙地将眼镜镜片拆解并重新拼接成各种可穿戴的饰品，配合雕塑感的服装廓形折射出细碎的光芒。这种具象的材料语言，让服装在光影流转间展现出更有张力的美感。

Clay Hattam

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Via Instagram @clayhattam

Clay Hattam 甚至以「平庸」「乏味」自嘲自己的毕业系列。在设计师看来，时装界偶尔也需要一点笑声。他并没有陷入沉重的叙事套路，而是将注意力放在了服装的功能性元素上，并在其中加入了恰到好处的荒诞感。

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裤子上的双重拉链，帽子直接从夹克的后背处突兀地伸出来，这种出人意料的处理方式，打破了行业惯有的严肃感，展现出一种举重若轻的趣味美感。同时他也选用厚实敦厚的面料来承载那些奇思妙想，调配出带有「尴尬感」的独特配色。帽子在系列中更像是一个引发悬念的视觉符号，它附着在衣物上，却并不一定要被佩戴。

Kai Ghattaura

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Via Instagram @kaighattaura

基于自身的跨文化背景，Kai Ghattaura 对传统服饰进行了更具未来感的演绎。利用工程化的矩形剪裁打造出独特的裤装结构，并刻意摒弃了拉链、门襟及腰带环等常规西方成衣细节，转而采用可调节的系带系统与古董纽扣，赋予了服装一种更为自然、原始的穿着逻辑。秀场模特像一个个从电影或游戏走出来的「NPC」。

Via Instagram @kaighattaura

点开设计师的社交账号，从过往作品的外形和视觉上看，不难发现灵感是源自科幻，或是游戏中的人物角色。甚至是把镰刀、宝剑等武器作为服装配件搭配展示。个人非常期待设计师日后的更多作品，或是个人品牌的成立。

Mé Mé Yin

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Via Instagram @shshsheep

来自中国香港的 Mé Mé Yin 将设计视角投向家乡的日常生活，市井气息转化为高级时装的语言。在接受 System 的采访时，他提到那些被大众习以为常的生活图景，尤其是城市中骑行摩托车的人群——他们身披雨衣、在骑行与停驻间产生的独特律动，成为其设计灵感来源。

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通过精密的剪裁与实验性的工艺，设计师利用薄纱、网眼等透视材料去解构传统的服装，让面料在光影与身体的律动间产生虚实交错的张力。这种刻意保留的「原始感」与未剪断的线头，赋予了服装一种生长中的动态生命力，仿佛致敬着那些鲜活却被忽视的街头镜像。而秀场中出现的牛仔裤，设计师在后台介绍称这是「Fake Denim」，通过特殊手法将丹宁的质感印在裤子上。

从对家乡的记忆深情回溯，到直面行产业节奏的冷静审视，多位设计师以「真实性」为核心表达时尚，也预示着一个更加多元、赤诚且充满反思精神的时尚未来。此外，还有如 Yodea Marquel、Adya Nevatia 和 Grey Buscemi 等等包含在内的 23 位设计师，因篇幅关系未能全部展开介绍，有兴趣的朋友可以自行前往设计师的账号了解更多。

AUTHORterry

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