对话尚辉 | 策展推动了主题创作与中国美术自主探索的时代课题

新时代背景下，中国美术正以自主探索的姿态回应时代之问——主流美术创作得到强化的同时，各美术门类也在学术深耕中焕发创新活力。然而，主题性美术创作依然面临来自数字图像的巨大挑战。与此同时，策展学科也在时代变革中经历边界拓展、展陈创新、空间重塑等问题。面对更加国际化的展示平台，策展将如何从展览分类到空间叙事、从资源整合到公众参与，构建可推广的“中国经验”？

《艺术市场》杂志特邀中国美术家协会理事、理论与策展委员会主任尚辉，围绕中国美术的时代转型、策展学科的创新路径等核心议题展开深度评述。

——编者按

《艺术市场》：由你近两年参与策划的一些大型美展或双年展来看，新时代中国美术事业发展总体呈现出怎样的特点与变化？

尚辉：新时代中国美术创作所呈现的变化非常鲜明。第一个变化是主流美术得到了强化。随着不同的历史节点，如纪念长征胜利80周年、纪念马克思诞辰200周年、建党100周年等，由中国文联、中国美协、文化和旅游部等多家机构共同组织策划了有关这些历史节点的主题创作，这些创作工程或项目的规模是空前的——不论是投入的力度、艺术家的参与度，还是组织策划的全面性，甚至超过了如法国凡尔赛宫战争画廊等已有的历史画创作纪录。

这种鲜明的变化一方面培养了主流美术创作的庞大梯队——主要由各院校的骨干老师、画院画家以及少量职业画家共同组成。可以看到，今天美术界的“国家队”在主流美术创作方面发挥的主导作用。在策展方面，从选题策划到党史专家、艺术家和美术批评家组成的专家团队，使整体的作品生产机制非常完整也相对科学，尽可能做到主题创作和历史真实的接近，也为每位艺术家创作个性的发挥创造了条件——在艺术的独特视角与历史叙事之间达到适度平衡。这些主题展览也十分注重策展，或按时间之轴，或以主题板块，使展陈达到最佳的动线设计。

在2025年纪念抗日战争胜利80周年的相关美术活动中，由中国美术馆以及各地美术馆举办的主题展非常频繁，这意味着需要通过更多的美术作品来见证和表现抗战时期中国人民浴血奋战的民族精神。但这样的作品并未停留在抗战时期创作，直至当下，有关抗战题材的主题性美术创作从未停止，仍有非常多的艺术家主动接力去完成这种有关国家民族精神表达的历史叙事。

王磐徳《蒙山不言》中国画 127×112cm 1995年 山东美术馆藏

第二个变化是架上艺术和观念艺术、装置艺术、科技艺术等当代的艺术形态得以平行发展，而不再是非此即彼、二元对立的思维模式。在20世纪与21世纪之交，艺术全球化浪潮所形成的学术之争，或是认为“绘画死亡了”，把架上艺术扫进历史博物馆；或是认为以观念艺术为表征的艺术“全球化”是“皇帝的新衣”，架上艺术具有永恒性。在当下西方艺术界，不论是理论评论界，还是创作实践、美术教育领域，新媒体实验艺术占据了主导地位并被称作“当代艺术”，油画、水彩画、雕塑等架上艺术则被边缘化。而在新时代，国内的架上艺术与当代艺术之间已逐渐形成一种新的平衡，这是当下中国美术发展的一种新样态，体现了中国美术自主探索的明确性和自信力。

“第十四届中国艺术节全国优秀美术作品展览”现场四川美术学院美术馆卢旭摄

近两年举办的第十四届全国美展、第十四届中国艺术节全国优秀美术作品展以及第八届全国青年美展等，正是这一样态的具体表现——艺术家不再把媒材实验、观念创新当做当代艺术的唯一表征，而是尽可能地切入现实，把表现现实生活、反思社会问题作为艺术“当代性”的标志，更不以“架上艺术”或“观念、装置、影像艺术”的艺术形态论高低。这一艺术理念已在这些主流美术展览中形成了相对稳定的价值取向，且把扎根现实生活、反映百姓形象作为最鲜明的艺术时代性体现。

第三个变化是对架上艺术的深耕。2025年中国美协艺委会届展系列中的第十四届水彩·粉画作品展与第七届漆画展分别聚焦于小画种的学术探索与语言革新。其中，第十四届水彩·粉画作品展更倾向于解决自身的学术问题，即在保留水彩画即兴创作特点的同时，强化其深度的塑造能力和观念探索；第七届漆画展则从漆画语言的角度来探寻该画种跨界表现的空间。应当说，自1984年第六届全国美展将漆画作为独立画种以来，其发展始终是通过届展来推进的。本届漆画展更强调它的即兴性和绘画感，以及如何通过漆的材质特性实现类似油画、国画的笔触表达与情感传递。

庞茂琨《彝家新村欢迎您》布面油画 300×600cm 2021年

油画方面，“中国油画学会30年艺术展”的成功举办不仅是对中国油画30年创作成就的集中展示，也标志着中国油画进入了一个创作繁荣、研究深入的高峰期。在此次展览的学术研讨中，我们深刻感受到对西方绘画传统及艺术语言的学习并非一两代人就能完全解决的，而是一个不断深入到原油画艺术传统、再回到中国本土进行再创造的过程，所以，这30年实际上是中国油画的黄金时代。其间涌现出了靳尚谊、詹建俊、钟涵、全山石、闻立鹏、朱乃正、韦尔申、许江、杨飞云、忻东旺、庞茂琨等一批代表性油画家，他们以鲜明的个人风格与扎实的学院功底推动了中国油画的深入发展。

与此同时，第十二届中国工笔画作品展也在2025年举办，通过历史梳理与当代作品展现了工笔画的“当代性”探索。这些都是新时代中国美术的特点，每个美术门类都获得了学术深耕和创新发展。

《艺术市场》：2026年是“十五五”的开局之年，在扎实推进文化强国建设的进程中，作为中国美协重大题材美术创作艺委会委员，你如何看待主题性美术创作的时代课题？

尚辉：这个问题我们每天都在探讨。主题性美术创作是对现实题材和历史题材的再现与表现，但这种体裁在西方美术史的书写中已成为过去式——在现代主义之前，主题性创作是艺术的主流范式，而现代主义阶段则排斥作品的主题性，强调个人表达与形式语言自立；后现代主义反而把“主题决定论”绝对化，但这种主题的表达则是观念形态的，是隐喻与寓言的图像修辞，一切现成品皆有寓意。

相比之下，中国主题性美术创作始终以架上艺术为主导，因此，我们需要明确的是，中国当代主题性美术创作是源于主流文化的需求，还是说其本身就是人类不可缺失的一种创作类型？

封治国《巨眼——纪念中国古代书画鉴定组》油画220×210cm

通过新时代主题性美术创作工程或项目的实施实践，理论评论界和艺术家群体逐渐形成了一种共识：通过绘画、雕塑等艺术形式来再现历史事件、塑造历史人物，是人类艺术史本就具有的基本功能。我们不能因欧美现代主义阶段对艺术形式自立性的探索就把主题性美术创作扫进博物馆，这里掩藏更深的是绘画、雕塑是否仍具有再现性的艺术价值命题，而这个命题又涉及摄影、AI图像的再现功能与架上艺术再现性之间是否存在区别的不同认知。

无疑，主题性创作同样是艺术，而不是历史插图。这便要在数字图像时代追寻绘画本体语言的价值特征，避免沦为照片式的复制或跨媒介的杂糅。比如，中国画要以书写性的笔墨来建构画面，通过虚实相生的笔墨、气韵来实现所谓的历史再现、形象塑造；而油画并不是摄影的副本，如果以历史摄影为参照，则仍然要体现油画形色语言的本体特征来实现审美叙事。总之，主题性创作不仅要在实践上突破，没有优秀作品便回答不了历史之问，而且要在艺术理论上厘清艺术再现与摄影刻录之间的边界。

在当代大量的主题性美术创作实践中，部分艺术家借用摄影技术或AI生成方式来完成草图构思或人物形象的素材搜集，这体现了当代主题创作的时代特点，同时也是时代的巨大挑战。因为主题性美术创作所具有的叙事性在当下获得了新的发展，但就再现性美术而言，只有回到造型艺术体系才能破解审美叙事的根本命题。这不只是创作实践问题，更重要的是理论认识问题，如果思想糊涂，画面就只能是放大版的摄影而已。

在我看来，正是中国式现代美术自主道路的选择和实践，才提出了主题性美术创作的命题，这意味着对中外美术优秀传统的学习、借鉴，以及如何顺应图像时代特点而进行创新性发展、创造性转化。从这个角度来讲，中国式现代美术自主道路的探索是对人类经典艺术的继承与发展，而这一理论的总结与提升仍十分艰巨，任重道远。

殷雄《岁月流金——夏衍和同行者》油画200×236cm

《艺术市场》：在数智时代，你认为数字技术为主题性美术创作带来了哪些影响，其中有哪些需要警惕的现象？

尚辉：这一问题应该从两方面来看。一方面，数智生成图像的便捷性是不可否认的，它既可以快速将一张纪实摄影转化为具有水墨或油画效果的虚拟图像，也可以通过3D打印技术打印出具有水墨效果或油画肌理的作品，但这种技术产物缺失了人手的温度。而绘画艺术的本质恰恰在于人手的创造性，其中所产生的一些失误、随意，甚至意想不到，不仅是艺术创造力的体现，更是艺术有别于技术的本质属性。

另一方面，数字生成技术不仅创造了新的视觉形态，更催生了新的艺术类型，即数字艺术或科技艺术。目前，这一类型的展览深受观众喜爱，其强烈的体验性、沉浸感是传统绘画所不具备的。强大的技术手段甚至可以将上千年的绘画史通过算法重新生成，形成多种综合的艺术类型和画面效果。更为重要的是，它消解了画家和非画家之间的专业壁垒，即使没有经过专业训练的人，也能通过数字技术生成具有艺术效果的画面。

值得强调的是，科技艺术并不妨碍传统艺术的存在和发展。以水墨艺术为例，不论是否使用数字技术，其本身就是人存在方式的一种表达——通过笔墨来表达内心存在感，让内心回归自我、通达自然。从这个角度来讲，中国书画不完全是视觉性艺术，而更多是一种文化性艺术，它能够实现对人内心世界的重新塑造，这和利用电脑技术去解决视觉世界的某种准绘画样式没有太多关联。

《艺术市场》：近期，在由中国美协联合北京市委宣传部等策划主办的“第十届中国北京国际美术双年展”中，展出了近120个国家和地区的约600件当代美术作品，展览是如何通过各个板块来划分作品、如何通过策展来展现中国艺术与西方当代文化的交流与互鉴？

尚辉：本届双年展以“共生”为主题，以“主题展＋特展＋国别展”的结构，呈现对和平发展、生态文明、科技伦理等当代命题的思考。其中的主题展分为裂变、生长、流动、淬炼、和音五大板块，体现了中国传统文化中五行相生、和谐共生的文化理念。

作为本次双年展的策展委员，我针对每件作品进行了具体的板块划分，提出了实操性的展陈方案。譬如，“裂变”板块主要探讨文明演进中的冲突与融合、战争与和平等；“生长”板块探讨了自然生态与人类发展的共生关系，展现自然与城市、生命与环境之间的互动与共生。当然，其中不乏很多作品非常考验策展人对艺术主题的理解。在策展过程中，不仅要兼顾每个板块，不同艺术类别的区域划分和展示要相对均衡、合理；还要构建空间叙事系统，通过从墙面、地面到天花板等空间的设计，从而形成视觉的整体叙事与观众流线设计的合理性、自洽性。

刘淑宁翟永庆《和光同瑞》版画150×110cm第十届中国北京国际美术双年展参展作品

在这个国际性的美术展示平台上，面对丰富驳杂的主题、体裁，该如何进行作品分类、如何理解作品，这不仅是我们理论与策展委员会应尽的学术职责，也是当下策展所要面对的时代课题。

本届双年展的展览场地从往届在中国美术馆举办迁至北京展览馆，整体上有了全新的体验。首先，策展团队充分利用北京展览馆的场地优势，使主题展的五个板块设计与区域划分具有高度自洽性，两个特展相对独立，形成对主题展的互补与烘托；其次，在传播方式上，充分运用数字技术，通过短视频、社交媒体、电视专题等渠道广泛传播，获得了社会的高度关注与公众的积极参与。从这个角度而言，这是一次非常成功的策划。

沈鹏《多彩世界》中国画 200×185cm 2023年 第十届中国北京国际美术双年展参展作品

《艺术市场》：如今，艺术创作的形态更加丰富，策展的边界也在不断拓宽，你如何看待策展这一学科在当下的发展？

尚辉：从2025年的各种大型主题展、系列届展以及美术馆行业的发展来说，策展越来越成为当下艺术学领域亟待发展的重要学科。去年，我们理论与策展委员会先后召开了“策展与未来”“策展在中国”两场高规格、高质量的学术论坛。“策展与未来”汇集了当下一些重要的公、私立美术馆的青年策展人，他们将优秀的展览方案以及策展理念带到论坛和大家分享，除了在扎实的艺术史研究基础上进行策展提升这一基本概念之外，还较多涉及如何让民众走进展厅、如何增加观展体验、如何通过策展赋能生活等崭新的策展理念与策展经验。

“策展在中国”讨论的是中国能够为策展这个学科和行业提供多少可推广的实操经验，论坛的学者大部分来自重要的国家馆、省立馆，也包括一些具有成功策展经验的大型私立馆负责人。之所以强调中国经验，因为我国很多新建的场馆体量很大，比如成都美术馆、广东美术馆、深圳美术馆等，其体量、设施都是国际一流的，但这些场馆的藏品资源十分有限，甚至不足以撑起这么大场馆体量的展陈需求。在如此状况下，只能充分调动策展人的能力，尤其是扩大展览理念以应对切实的展场空间要求，会不会讲展品的故事，能否编制一个可行的展览脚本并予以视觉化呈现，都成为策展的核心内容。

此外，今天的策展还需要通过不同的视角对展览主题进行研究，或地域性美术研究，或个案美术研究，或文化学层面的美术研究，或为了某个纪念而开展的全新视角的研究，等等，展览分类与展览样态的多样性为策展学科发展带来新的挑战和机遇。譬如，2025年中国美术馆为纪念中国人民抗日战争暨世界反西斯战争胜利80周年所举办的“正义必胜”美术作品展，仅展览主题词的提炼就颇能显现策展所体现的时代性，而作品大多是耳熟能详的经典，如何通过策展理念与策展技巧呈现一个让大家既熟悉又新颖的展览面貌，体现了当代主题策展的最新样态。像这样的策展案例还有很多，可以说，策展让历史增添了新的时代内涵，也让作品生成了新的审美感知。

从今天的角度来看，策展的确是一个很实际但又不能回避的专业学科。2025年，可以说是策展特别火爆的一年——既有着现实需求，又有因学科发展所建立起来的一些新理念、新实践和新经验。最让我们欣慰的是，策展专业已经开始广为人知，也终于得到了公众的重视。

采访/屈婷来源：刊于《艺术市场》2026年02月号）