袁侃：超越感官的感知 | 艺术家专访

袁侃

1971年出生于上海。现任职于上海油画雕塑院，一级美术师。现为上海市美术家协会会员，中国雕塑学会会员，中国工艺美术学会雕塑专业委员会会员。

罗伯特·休斯曾经说，“艺术不跟我们辩论，只是赋予我们感受。”艺术审美向来是一件主观的事情，艺术家把真实的世界揉碎，转而用自己的方式重塑。

当被问到最新作品与以往作品之间没有直接的关联时，袁侃老师笑道：“这可能是还不够了解我或未能完全理解我的创作意图。我并不强调作品必须具有某种专利般的独特性或视觉上的连贯性。因为我从未对自己的作品感到满足，我始终在实验，这是我认知世界的方式。有时有效，有时却未必。但至少我始终在探寻某种表达方式，这就是为何我不断改变，我在变，时间在变，一切都在变。”

多年的艺术创作为袁侃带来一种超越感官的感知，也为他不断在艺术上突破自我提供了要求和可能。“想得多、做得少对艺术家来说或许是比较对的”，真正的创作需要保持不停地思考，那不是对现状的不满，而是创作者与生俱来的自我追问。

“表达胜于完美，活力胜于完成，不确定胜于确定，未知胜于已知，朦胧胜于清晰，个体胜于全体，内在胜于外在”。在他的作品中，我们得以窥见一位有趣而自信的艺术家，如何通过持续的创作，不断拆解并重建自我。

《标记》

铸铜 21×14×14cm 2020

《沉没世界》

纸本、色粉、木炭、铅笔 79×110cm 2021

胡润百富 · 袁侃专访

胡润百富：您如何定义自我的个人风格？

袁侃：

我在国内艺术生态中，还算比较另类的存在，我曾经概括自己是一个“四跨”艺术家。首先是跨越体制内外，我任职于上海油画雕塑院，属于体制内单位，但同时和体制外的画廊、艺术家保持密切合作与交流。第二跨平面与立体创作，既做大量平面绘画，也持续进行雕塑创作，这种综合实践在国内相对少见。第三是跨抽象与具象，我的风格是流动的，在21、22年作品偏重具象，到25年已明显转向抽象，形象是逐渐消解的。虽然很多艺术家都有从具象到抽象的历程，但我的路径可能更鲜明。最后是跨材料探索，不断尝试如纸本、色粉等相对冷门的媒介，这类材料在国内作为核心手段的艺术家不多，不过我更看重的是持续的自我突破，不愿停滞在某一种固定模式里。

《梦境 NO.2》

布面丙烯 240×180cm 2025

胡润百富：雕塑与绘画这两种艺术形式之间是否有互相影响？您是如何平衡这两者之间的创作？

袁侃：

雕塑和绘画是一个互相促进的过程，我比较随性而行，可能画完二十张纸就转向雕塑，做完四五件雕塑又可能再开始新的丙烯作品。虽然方式看似任性，但保持着每天去工作室的节奏，哪怕每天只停留两小时。真正重要的不是工作时长，而是让身体始终处于创作场域之中。在那些看似静止的时刻，思考始终在流动。

艺术最终会回归到最朴素的本源。无论雕塑还是绘画，都源自眼睛、双手、思考，媒介间的关联，我没想过，也不需要刻意营造，当艺术家保持真实的内在凝视，所有的表达自然会同频共振。

《冷山》

锈色钢板 500×25×150cm 2025

胡润百富：您每次展览的题材跨度很大，您如何看待创作阶段中不同题材的转变？可以谈谈创作它们时有什么不同的感受和心态吗？

袁侃：

这五年创作题材的转变，始于那段由于口罩原因被意外延长的欧洲旅居。从计划中的短暂停留，到实际长达半年，一再被打乱，这段特殊的经历甚至在回国之后，让我以“一段不可复制的旅行”为题在上海理工大学开设讲座。那时欧洲很多场所陆续关闭，只有教堂。在空寂的教堂里，壁画、穹顶、雕像不仅仅是灵感，也共同构成了特殊时期的精神慰藉。2020年归国后的首批创作，就有那段背景体验下的投射，创作间流淌的，既有当时的无助与压抑，也有穿越黑暗时获得的精神慰藉。

创作的过程更像是写日记，前两年用创作疏解压抑，近两年则转向谛听内心的宁静。这种转变看似迅速，实则是生命经历特殊体验后，创作本质的自然沉淀。许多艺术家需要二十年完成的蜕变，在我这里被凝聚成五年两个阶段。时间虽短，却同样走完了从向外表达到向内观照的完整路径。

《影子纪念碑 》

不锈钢着色 2025

胡润百富：说到创作过程，您怎么看待艺术创作的本质，有什么经验之谈吗？

袁侃：

艺术创作的本质，在于突破“舒适圈”，不断走出熟练的边界。从雕塑转向绘画，那个是痛苦的，但回过头看是必要的。还有就是细节，专业训练往往会让人陷入形式的陷阱，极易出手就成“套路”。每当画笔过于顺畅，画面过于完美，我就会停下，这会有问题。

创作对于艺术家来说是与生俱来的，每个人有自己的创作方法。但创作有时也像是与作品的搏斗。在这期间，熟练是最需要警惕的，太过熟练反而会没有生命力。这时候我宁愿停笔将作品搁置，再度审视，是不是有一些过于熟练的手段，于是修改、涂抹，经常，第一笔下去到最后找都找不到。在反复涂抹中，作品才真正开始自主生长。

艺术创造还很重要的是要给自己设个线。最难的不是无止境地修改，而是懂得在恰当的时刻放手。这种分寸的把握，既考验艺术家的能力，也需要艺术家保持清醒的自觉。一定不要太把自己的作品当回事。艺术家如果太把自己的作品当回事，状态就会发紧。当心灵足够松弛，双手自会找到方向，那时作品不再是刻意追求的结果，而是自然生长的生命体。

《乐谱No.5》《乐谱No.4》

纸本水彩 40×55cm 2024

胡润百富：您如何看待艺术创作中作者与观众的关系？

袁侃：

所有搞艺术的，无论是音乐又或是电影，都喜欢跟观众耍一个小聪明。你会在作品里埋藏一个类似“密码”的存在，当某位观者敏锐地捕捉到它时，便完成了一次跨越时空、地点的默契交流，我觉得这也是艺术家比较有意思的地方。这种心灵触动，远比任何解说都来得珍贵。因而我一直强调艺术是不可言说的，存在于语言之外，一旦说了，就将观者框住。所以很多艺术作品都叫无题。

不让观者受限，让观者自己去感悟，有趣的是，当你保持这种开放的、自由感知的权利，观者常会带来意想不到的馈赠，他们从作品中读出的，有时是连创作者都未曾察觉的。这种"此处无声胜有声"的共鸣，成为了更高级的感悟。

艺术从来不是说教，而是能量的共振，通过作品散发微妙的频率，有人瞬间共鸣，有人需要三次驻足，这都无妨。如果一件作品能够让人在离开展厅后，仍继续思考，也是一件有意思的事。

本文系胡润百富专访，素材来源于受访者

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