不要情节？不要“沉浸式”？剧场可以“自定艺”

成年观众能不能在表演区域随意走动？大量运用声光技术的“无情节”表演，应该出现在美术馆还是剧场？观众看到“带有真人表演的装置作品”，还是“以大型装置作为舞美的特殊表演”？这些是上海国际艺术节新创艺术品牌“ARTRA自定艺”带给观众的开放式挑战，上海国际艺术节作为全世界文化创新的竞技场，让观众也投身艺术家的创作风暴。

澳大利亚露西·格林舞团的《钟摆》和日本媒体艺术家高谷史郎的《切线》相继于11月13日和14日首演，连同早先在上海大剧院演出的真锅大度作品《+1+1+1+》，这三个节目形成今年上海国际艺术节特别的展演组合。艺术节从2023年起开启两年一度“ARTRA自定艺”，尝试在高科技、跨学科、跨媒介的创作背景中重新定义舞台艺术。今年的《钟摆》和《切线》曾是参加威尼斯双年展的节目，两者的共性是艺术家在特定的环境里对“时间”的感受。露西·格林和高谷史郎是创作者，也是面向观众的邀约者，他们邀请观众参与到他们的观察中。所以，这些作品连带今年的“ARTRA自定艺”，不仅是对传统戏剧剧场的反叛，也向时下流行的各种“沉浸式体验”发起挑战——不要情节，不要想象式的代入，不要沉浸在被制造的幻觉中，艺术家在剧场里寻找新的表达，观众在同一个空间里发现新的感知，这是一场艺术家和观众共同完成的“从传统/常规剧场突围”。

突破“观看”的框

《钟摆》的编舞露西·格林年轻学习古典芭蕾，她尊重严厉的肢体训练，但也困惑：“它让我觉得身体被框住了。”从芭蕾转向现代舞、从舞者转向编舞的过程，露西最初突破“被框住的身体”，继而突破“被框住的舞蹈和舞台”，现在，她渴望观众一起突破“观看”的条条框框。

30多年前，她在纽约学习时意识到编舞最重要的一点：“舞蹈是被看见的，舞蹈动作永远被观看者定义。没有任何一个身体是孤立的，舞蹈的意义只存在于互动的关系之中。舞蹈的本质不是技巧和动作的排列组合，而是等待被观看者、被公众解读的社会语言。”

这个创作观念延续到《钟摆》中。这个作品的表演区域内悬挂放置39个钟摆，每个配备声光传感器，舞者们将不断抛掷和接住这些钟摆，并且在钟摆摇晃时尽量躲避，避免碰撞。舞者做抛物、接住和躲避动作时，动态的声光反馈被触动，场内的灯光和声音会随肢体动作变化，身体、钟摆、灯光和声音将融合成特殊的、关于时间流逝的节拍。这是一场“开放式观看”的演出，观众不需要端坐着，可以自由地在表演区域外围走动，自主地选择观看的视角。露西透露，《钟摆》的创作源自她在2020年居家无法外出，她在受限的空间里思考“身体”和“环境”的关系，现在，她希望《钟摆》能让更多观众分享或加入这场特别的讨论。

要观察，不要沉浸

高谷史郎的愿望也是“让观众突破观看惯性”。他说：“我不希望观众‘沉浸’在《切线》的演出中，我期待他们是保持距离的、警醒的观察者，他们和我一起观察光、声音和时间，我们将对剧场里用技术制造的景观产生新的感受，感受——而非沉浸——才是最重要的。”

作品名《切线》，意思是太阳创造的晨昏线，也就是第一缕光照亮地球或最后一缕光远离地球的时刻。高谷史郎和作曲家坂本龙一相识于1990年，两人从2007年频繁合作，高谷曾给坂本发短信：“我俩一直围着时间的主题打转呢。”坂本回复：“我们居然挺一贯的。”这种一贯持续到坂本离世，在高谷对坂本表达创作《切线》的想法时，重病的坂本已经不可能担任作曲，而最终，高谷发现坂本弥留时写下的专辑《12》仍是最适合《切线》的音乐，仿佛这个作品是命运为这对艺术家组合安排的尽头。观众将在剧场里看到一个精心设计的灯光装置沿着圆形的轨道移动，灯具所代表的光源位置随时间进程变化，舞台上的道具和表演者落在LED屏上的影子也在变化，移动的光、静态的物件、行动中的表演者和变化的影子在坂本龙一的音乐中形成一场奇特的“舞蹈”。

法国剧场艺术家、策展人理查德·卡斯泰利认同露西和高谷的创作观，他和两人对谈时表达了一个大胆观点：影视、游戏和视频网站已经给人们带来太多的“沉浸式体验”，这是无休无止的对普通人注意力的争夺和操纵，也许来自剧场的有力反击就是反抗“沉浸式体验”，大胆反沉浸的《钟摆》《切线》将是表演艺术的“自定艺”和“新定义”。