中国玄彩画创始人蒲洧专访

2025年6月7日在意大利米兰著名的“列奥纳多·达芬奇”国家科技博物馆举行了第七届达芬奇国际艺术奖颁奖典礼，60多个国家的286名艺术家获奖。中国玄彩画艺术家蒲洧荣获2025年意大利第七届达芬奇国际艺术奖，获奖艺术家名单和作品刊登在艺术书籍《值得收藏的艺术大家》（2025年第三期）以及《第七届达芬奇国际艺术奖画集》。蒲洧玄彩画已经连续三年（2023、2024、2025年）荣获意大利达芬奇国际艺术奖，获奖作品《虚空境》系列一直备受国际艺术界的高度关注和肯定。

玄彩画是中国艺术家蒲洧于2013年创立的当代绘画类型，而《虚空境》是玄彩画体系中专注于表达佛法“空性”哲理的系列作品。蒲洧提出的“大圆满心法”三进阶结构：意象（具象感知）-非象（意觉显现）-无相（空性本质），对应佛学化身-报身-法身理论。《虚空境》系列聚焦第三个层级-无相，直接揭示：现象世界的虚幻性，意识显影的瞬时性，无我境界的无常性，精神解脱的必然性。玄彩画《虚空境》系列属于精神至上的形而上学范畴，旨在以“玄妙色”（The color of Surupa）概念构建东方心性美学新范式，以佛法“空性”和“无常”的思想解构物质世界的执念，为当代艺术界提供“精神性艺术”的东方答案。

玄彩画《虚空境》系列以其深邃的艺术思想与独特的视觉语言，构建出具有东方哲学意蕴的精神空间，将东方哲学与西方抽象艺术融合，形成了一种新型的精神语言，在符号泛滥的后现代语境中开辟出直指本心的体验通道，是对艺术本体论的哲学突破，最终以“空性”本质消解了东西方艺术二元对立的阐述，在“色不异空”的般若观照中达成终极和解。在艺术日益趋向多元化与实验性的今天，《虚空境》所展现的东方智慧与创新实践，不仅丰富了当代艺术的审美维度，更为人类精神世界的建构提供了新的可能性。

2025年10月，西班牙著名国际杂志《当代艺术收藏家》采访中国玄彩画创始人蒲洧,文章发表在其《高尚艺术访谈》栏目，这是一场东西方艺术思想的深度碰撞，超越了简单的形式模仿和符号借用，在一个平等、深邃的哲学层面上进行跨文化交流。

Interview Background

艺术对话

Interview Q&A

1.蒲洧，你提到你的创作贡献在于用东方心性美学丰富抽象艺术的精神内涵，用东方哲学诠释抽象艺术，从而拓展抽象艺术的精神维度，促进东西方文化对话。你能否更深入地反映这种融合是如何在你的实践中展开的，不仅是在技术方面，而且是在文化沟通或哲学桥梁方面，你如何看待这个问题的？你希望这种扩展的视觉和精神语汇如何在全球艺术背景下促进相互理解？

我把东方佛法的唯识学理论引入抽象艺术的精神内涵，形成独特的“精神性艺术”语言——玄妙色，这个概念的建立使抽象艺术的表达从“形式的革命”迈向“意识的觉醒”。我以佛法“空性论”丰富了抽象语言的精神维度，通过“玄妙色”的艺术实践解构物质世界的执念，消除二元对立的焦虑，为这个浮躁喧嚣的时代提供内心平静和精神净化的路径。

我的实践让东方道家的“道”、佛法的“空性”与西方存在主义对个体存在的思考、现象学对感知的关注、乃至宇宙学对未知的探索，在抽象艺术的场域中产生了潜在的对话。在我作品中所呈现的混沌与秩序、瞬间与永恒、有限与无限，成为不同哲学体系思考共同命题的视觉注脚。我扮演了一个“沟通者”的角色，将深奥的东方哲学概念转化为可被普遍感知的视觉经验，促进了跨哲学体系的相互理解。

这种融合不是简单地将中国龙、太极图、中国书法等东方符号嵌入西方抽象框架，而是解构并提炼了东方哲学核心精神，通过纯粹的抽象视觉语言（色彩、光影、空间、肌理）将其表达出来。这使得作品超越了特定文化符号的局限性，能被不同文化背景的观者通过直觉和心灵去感受和共鸣。我的实践为抽象艺术引入了东方特有的宇宙观、内省心性修养和追求天人合一的超越性体验，极大地丰富了抽象艺术的精神谱系和哲学深度。

在东方哲学中，道家老子提出的"大象无形"是中国艺术审美的最高理想，意指最伟大的形象是没有具体形状，象征一种超越形式的精神境界。中国艺术家们描绘的作品是营造一种充满"生命能量流动”(“Qi”)的空间,而非描绘具体物象的形体或体积，是要挣脱具体物象的外在形式束缚，把其内在精神和气韵以表达出来，让自己的心灵指向精神解放和灵魂自由。

追求精神自由是东西方艺术的共同理想，东方艺术崇尚的“大象无形”与抽象艺术的“超越具象”在艺术表现的视觉特征上高度趋同。抽象艺术突破具象束缚的技法启发了我，我运用抽象艺术的精神语言将东方哲学所倡导的“大象无形”的审美理想进行转译，从而创立了以“玄妙色”为概念的“东方心性美学”新范式，为中国传统绘画向现代转型开辟了一条新的道路，同时运用国际通用的当代艺术语言向国际社会介绍东方哲学的人文意义和精神成就，为东西方文化交流搭建了沟通的桥梁，实现了跨文化对话，促进相互理解和融合。

作为文化沟通者，我避免了肤浅的符号挪用和繁复的概念堆砌，直指人类共通的精神本源——与宇宙同频共振；作为哲学桥梁，我将晦涩的东方哲理转化为可感可悟的视觉语言，不仅是对艺术本体论的哲学突破，也是对东西方艺术精神的融合与拓展。在全球艺术语境中，这种实践极大地拓展了抽象艺术的疆域和精神内涵，有力地证明了不同文明传统中的智慧可以相互借鉴、共同滋养人类的精神家园，为在差异中寻求理解、在多元中构建和谐提供了充满启示性的艺术路径。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20250221

2.你曾写道，“用东方心性美学来丰富抽象艺术的精神内涵”。这不仅是一个美学项目，也是一个哲学和心理学项目。你能详细说明东方的心性概念吗？也许源于道教的坐忘或佛教的正念，这些是如何直接影响你的构图决策、色彩选择和笔触的？

东方哲学中的“心性”概念是一个深邃而核心的范畴，尤其在儒、释、道三家思想体系中占据重要地位。它并非单一指“心理”或“性格”，而是融合了生命本源、道德本体、精神境界与修养功夫的复合体。东方心性学的核心在于对“本体”的探求，“虚空”并非一无所有，而是蕴含无限生机与可能性的本源状态，是“气”流动和生发的场域，是画面里具体形、色得以存在和获得意义的根基。观者能感受到一种从混沌中逐渐显现、或向混沌中逐渐消融的动态过程，这正是“道”的生发与回归。

比如，我的《虚空境》系列通过消解确定的形相来体现这一点，画面中的形、色、光、影相互交融、渗透、转化，没有坚固不变的实体边界，一切仿佛处于永恒的创造与消解的流变之中。这使得作品拒绝被简单定义，而是引导观者放下对“这是什么？”的执着，转而直观现象本身的流动与无常，体悟“色即是空、空即是色”的深意。

在创作中，我摒弃预设构图，画面是“心性自显”的结果。这种心性的觉察被物化为极其精微的色彩层次和细腻的肌理变化，每一层颜色的叠加、每一道笔触的轻重，都是心性修炼中对一个念头的升起、驻留与消逝的观察记录。画面整体是宏大的“虚空”，但局部却充满了精妙的、瞬息万变的细节，这正是“于一毫端现宝王刹”（于当下瞬间照见永恒，于微小事物中洞见宇宙整体）的禅意体现。

我的作品极其重视“气”的流动感和贯通感，“气”是连接精神与物质的能量本源。色彩与墨色在画面上弥漫、渗透、呼吸，形成一种内在的韵律和生命力，这不是对外在景物的描绘，而是创作者内在的“气”和宇宙能量的直接呈现，观者能感受到一种无形的能量在画布间流转，从而与作品的“能量场”产生共鸣。

佛学阐述万物处于相互含摄、相互映照的无限关系网络中。在构图上，我的作品常打破主次之分，没有焦点，却又处处是景。每一个局部都蕴含着整体的信息，整体的氛围又弥漫于每一个微小的细节之中。这种全息式的、非中心化的构图，隐喻了宇宙万物相互关联、相互依存的无尽缘起网络。

《虚空境》系列作品的目标不仅是表达，更是引发观者的心性体验。作品中朦胧、深邃、无限的特质邀请观者驻足、沉静下来，使他们不自觉地从外部世界的纷扰中抽离，转向内心的观照。抽象的形式和开放的意境为观者提供了巨大的解读空间。没有具象的束缚，观者更容易将自己的心境、情绪和感悟“投射”到作品之中，与之对话。

在这个过程中，艺术欣赏变成了一种动态的“修心”活动，每个人都有可能从中获得属于自己的“顿悟”时刻，体认到内心的平静与广阔。因此，我所构建的“东方心性美学”新范式“玄妙色”概念，确实超越了单纯的美学项目，成为了一项融合哲学、心理学与美学的综合性精神实践，为当代抽象艺术注入东方精神内涵。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20250308

3.你的“玄妙色”概念既有深厚的个人根源，也有深厚的文化根源。这种方法论是如何产生的，它不仅作为一种风格，而且作为一种哲学视角，在全球当代艺术的语言中重新诠释中国古典图像学的方式是什么？

“玄妙色”是我构建的东方心性美学新范式的核心概念，既承载东方佛学“空性”的终极哲思，又以跨维度的色彩语言突破艺术本体论边界。它并非具体色相，而是特指一种超越物理可见光谱的色彩表达，是一种根植于心性觉醒、融合传统智慧与当代精神的超验色彩体系。“玄妙色”被定义为“心性自显的高频光色”，来源于更高维度的心理投射，其能量频率远超肉眼可识别的自然光，绘画过程中需通过自然力量的参与，形成几何级数的色彩变幻，这种色彩甚至能在镜头下捕获更宽泛的光谱信息，暗示其超越感官的灵性维度。

这种心性自显的高频率光色组成非物理性的不可见光谱——“虹光”，这是大圆满佛法的顶级能量光，是在冥想中出现的“虹光能量场”，这种状态我称之为“光明心境”。我在冥想状态下将心性自显的高频光色转化为可感知的物理色谱，这些非物理性的“虹光”以量子叠加态存在于画面中，形成超越可见光谱的“超色域”。我作品中表现的“光明心境”属于佛法的哲学范畴，“光明心境”在这里指超越物质执念的本觉状态，源于佛教唯识学对“阿赖耶识”（第八识）的阐述。

唯识学将人的心识分析为八个功能：前五识（眼识、耳识、鼻识、舌识、身识）、第六识（意识）、第七识（末那识：我执的根源），第八识（阿赖耶识；业力的种子）。我在冥想中，随着意识维度的提升，逐渐剥离前七层的“识”，直至抵达第八识（阿赖耶识），这时进入“无我”状态，心如明镜，投射出第八识（阿赖耶识）与宇宙能量共振的波动——心性自显的高频光波，在这里，一切都是能量、频率和波动，与宇宙能量同频共振。

“玄妙色”概念由此产生，隐喻三个方面：1、水墨的黑色，是宇宙的本源之色，象征深邃无限，蕴含宇宙的一切能量；2、作品中的色块充满流动性和随机性，意指万物刹那生灭的无常变幻，隐喻宇宙的“空性”本质；3、高饱和度的色彩是心性自显的高频光波，这种色彩非由物质反射而生，而是阿赖耶识与宇宙共振时，业力波动在光明心境中的投影。

在绘画过程中，我进入“不造作的自然状态”，我尽可能减少人工干预，淡化人工痕迹，使创作从“人工绘物”升维至“自然显法”,我以“无念之笔”让色彩随当下觉性自然流淌，画面结构实为“阿赖耶识能量场的物理投影”，看似随机的色块组合，实则是业力波动的可视化，直接映射心性中感知的“光明心境”。

我通过多层透明颜料的叠加，在自然力量调和下出现几何级数变化，产生类似量子隧穿效应的光晕涟漪，使二维平面成为多维空间的投影界面，这种“叠彩透光法”使画面形成“微观即宏观”的跨维视觉体验。当构图、色彩、笔触成为心性修炼的媒介时，抽象艺术便从形式革命升华为精神解脱的路径。

相较于以黑白为主、淡彩为辅的的传统中国水墨画，“玄妙色”作品色彩丰富厚重，光影变幻莫测，突破了传统中国画的色彩范式，也突破了现代绘画的光学逻辑，将色彩赋予了形而上学意义，为机械复制时代的艺术重注灵性光晕（Aura）,证明了“艺术的灵光未曾消失，而是以更高维的形式存在”。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20240110

4.在中国水墨画的传统中，“似像非像”的概念是表达精神而非形式的核心。这一古老的原则是如何体现在你的当代抽象中的？你是否看到了你与康定斯基或罗斯科等西方抽象表现主义者的相似之处，他们也试图描绘看不见的和精神的东西？

中国水墨画的“似像非像”原则，强调超越形似以捕捉物象的内在神韵。我将中国水墨“似像非像”的传统美学转化为当代抽象语言，其与西方抽象主义的精神共鸣是源于对“不可见世界”的探索，但哲学根基和表现形式存在本质差异。

我运用中国藏传佛教最高级的心灵训练方法——大圆满心法进行心象艺术的创作，构建了一个全息圆形空间理论模型来阐述我的绘画逻辑，这是一个三维立体的空心同心圆，充满了大圆满佛法的顶级能量光“虹光”，象征意识维度从可见到不可见的提升，通过意象（具象感知）-非象（意觉显现）-无相（空性本质）三进阶的路径进入第八识（阿赖耶识），这个三进阶结构对应佛法的化身-报身-法身理论。我在“空性意识”下消解主客体界限，进入“无我”状态，画面中的色域流动并非形式构成，而是更高维度的心理能量投射，在这个过程中我把自己转化为能量传递的“管道”。《虚空境》系列对应“无相”这个层级，以墨色交融的混沌状态，光色变化的无常状态，模拟佛教“阿赖耶识”的深层意识波动，直指空性本质。

我将冥想中出现的“虹光能量场”与艺术表现结合起来，即：用意识构建能量场，在空性状态下，让自然力量参与绘画，这种“空性论”的创作观与康定斯基的“通神论”路径完全不同，不是通过几何象征暗示超验世界，而是反向而行——用有机形态解构形式主义，直接让意识活动参与作品意义的建构；相较于罗斯科用色域探索精神升华，我则以“空性”解构物质世界的执念，通过随机滴彩、流动色域表现宇宙能量的生灭，实现“阿赖耶识”与宇宙同频共振；相较于波洛克的行动绘画强调身体运动，我以“无念之笔”使色彩随觉性流淌，体现了道法的“大象无形”的审美理想，隐喻了佛法“空性”与“无常”的哲理，为抽象形式赋予了形而上学的精神内核。这种比较揭示了东西方艺术在“自我表达”与“无我证悟”上的根本分野。

在我的画中，光和色皆是剥离叙事后成为纯粹精神符号，与康定斯基、罗斯科等西方抽象表现主义者一样都是在共同探索精神性的可视化路径，并以抽象形式探索不可见的精神领域。虽然我们之间文化根基与哲学思想存在深刻差异，但是在精神性表达方面可以进行以下的跨文化对话：

心性本源（佛家空性/道家自然）VS表现内在精神（音乐性/存在主义）；

“不可见”的意识能量场VS“不可见”的情感与宇宙秩序；

禅观无我（被动映现心相）VS情感宣泄（主动构建形式）；

气韵流动（无焦点透视）VS平面化色块（形式主义构成）；

觉悟解脱（艺术即修行）VS审美革命（艺术自律性）。

玄彩画作为东方心性美学新范式证明：当“似像非像”脱离物象隐喻，直接指向心性本体时，中国传统写意精神便能在当代抽象中获得新生，并与西方抽象主义形成“殊途同归”的精神对话，为全球艺术界提供超越物质主义的解决方案。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20240102

5.道家理想中的“无为”或毫不费力的动作在你流畅的、手势式的笔触中找到了迷人的对应。你认为你的绘画过程是一种精神训练还是直觉冥想？在进入这种高度创造性状态之前，你如何在精神和情感上做好准备？

我的绘画过程是直觉冥想的过程，但是必须要以长期的精神训练作为基础。证悟空性有三个路径：一个是通过逻辑推理的思维方式来推翻固有的执念；二是通过一整套特定的精神训练方法逐步体会到空性本质。三是不需要逻辑推理和理论指导，直接顿悟空性。第三种路径虽然最简单最直接，但是需要经过很多前世的精神训练，在积累了几生几世的基础上，掌握了不可言说的“诀窍”才有可能直接顿悟空性。

我的绘画过程的确是一个高度创造性状态，开始画画之前，我需要有一些仪式，比如：净手、焚香以促使我尽快平静和冥想，当我面对一张空白的纸面时，我的内心立刻清空，这个消解主观意识进入“无我”状态的行为，对于我来说就是瞬间发生的一个转念，此刻心如明镜，高频率的光和色自发地显现在我心里。我必须迅速地捕捉瞬间闪现的心理意象，以“无念之笔”让色彩随着当下的觉性自然流淌，这个状态可以用道家的“无为”来描述，画面上图形的随机渗化看似“无为”，实则是对“道法自然”的实践——艺术家不强行控制画面，而是顺应材料特性，在“可控与不可控之间”达成平衡，这既呼应抽象表现主义对自由的追求，又为其注入“天人合一”的深层维度。

我的技法没有定式，随着心理意象的变化而变化，整个过程是一个动态的、充满不确定性的探索。我在“空性意识”的引导下，让水、墨、颜料在宣纸上自由流动，借助自然力量形成随机肌理，利用宣纸渗透性与水的流动性，彻底地消解了线性的造型，使色彩自然晕染形成“无相”。这种“无为”的技法，使画面呈现“薛定谔之画”般的量子态不确定性，每一幅作品都是不可复制的能量场。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20240116

6.你谈到了在你的作品中融合“主观意识”和“审美体验”，在当代艺术受到观念化和政治化主导的时代，你认为精神内省和内在转型在当今全球艺术话语中应该发挥什么作用？

这是一个非常深刻且切中要害的问题。我的作品确实是精神内省和内在转型的表现，在当今由观念和政治主导的全球艺术话语中，我的艺术提供了一种“反叙事”的深度和维度以平衡外部驱动。

当代艺术常常是“关于某件事的艺术”，比如关于身份政治、社会不公、生态危机或历史创伤。这种外部驱动性使其具有很强的社会参与性和批判性，但有时也可能流于观念化、符号化，甚至让观众产生“审美疲劳”或“说教感”。我的《虚空境》系列是“成为某件事的艺术”，它不试图讲述一个具体的外部故事，而是邀请观众进入一种存在的状态——虚空、静默、内省。

这种由外转向内的巨大转变，提供了深度的平衡：在所有人都向外呐喊时，它提供了向内倾听的空间，这提醒我们所有的外部行动和批判，最终都源于一个内在的、自觉的自我。我的艺术超越了特定的叙事，它的主题是普世的，超越了任何特定的文化、政治或身份标签，能够引发更广泛的人类共鸣，为全球对话提供一个中立而深沉的平台。

我的艺术重申艺术的“体验性”与“灵性”价值，在艺术被大量理论、策展宣言和市场价值所包裹的今天，艺术最原初的功能之一——提供直接的、感性的、超越性的体验却被削弱了。《虚空境》这类作品迫使观众首先用感官去体验，而非用理性去解读。它的作用在于恢复审美体验：色彩的微妙变化、笔触的痕迹、画面的氛围，这些最纯粹的绘画语言本身就能传递情感和精神性，无需依赖文本说明。在我们这样一个充满精神焦虑、生态危机、物欲异化的时代，人们对意义、宁静和超越的渴望并未消失，而是转向了艺术、自然等领域。《虚空境》正是一个“世俗时代的精神容器”，为观众提供了冥想、沉思和短暂超脱日常喧嚣的空间，它回应了现代人深刻的精神需求。

我的作品根植于东方哲学（如道家“虚无”、佛法“空性”），其作用不是作为一种“东方情调”的补充，而是提供另一种认知世界的范式：西方思维常是分析的、对象化的；而《虚空境》所体现的东方智慧是整体的、直觉的、追求“天人合一”的，它为全球艺术带来了根本性的、不同的思维方式。

我认为，精神内省和内在转型在当今全球艺术话语中应该发挥的作用是：与观念、政治驱动型艺术形成辩证关系，共同构成一个更健康、更完整的艺术生态。它提醒我们，艺术既可以向外批判社会，也可以向内探索宇宙；坚守艺术的体验性和灵性维度，防止艺术完全沦为理论的附庸或政治的传声筒；为在全球动荡和不确定性中感到疲惫的个体，提供一个得以喘息、反思和进行内在重构的视觉空间。

总而言之，《虚空境》作品的精神内省不是一种逃避，而是一种深入的参与——它是参与我们自身人性最深处的一种方式，在一个外部声音如此嘈杂的时代，这种指向内在寂静的艺术，或许是我们所能拥有的最革命、最治愈的形式之一。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20231122

7.你的风景画和象征性作品，如太极图或风水鱼，往往蕴含着能量流动、宇宙平衡和形而上的活力。你如何看待你作为一名艺术家在为观众形象化这些无形力量方面的角色，以及你如何调和精神隐喻、绘画和纸张的物质性？

这是一个触及东方艺术灵魂核心的问题。在东方美学体系中，材料从未仅仅是物理性的载体，它们本身就是哲学观念的化身，是精神修炼的媒介。

东方哲学认为“道”蕴含于万物之中，最普通的材料也承载着宇宙运行的法则，材料被视为宇宙观的微观模型，我们可以从以下几个层面来深入理解这种精神性：

①宣纸由植物纤维制成，质地绵韧，具有独特的渗透性和呼吸感。它遇水膨胀，干后收缩，仿佛拥有生命力，是虚空与呼吸的化身。宣纸的空白不是“无物”，而是孕育万物的“虚空”，是“气”流动和生发的场域。艺术家在纸上作画，不是在平面上创造，而是在一个具有深度和呼吸感的“宇宙空间”中与材料对话。一笔落下，墨色即刻与纸张融合、渗透，无法完全预测和控制，这模拟了“道”的生生不息与佛法的无常变化。

②水与墨，一清一浊，一柔一刚，是阴阳与无限的哲学。它们的调和本身就是一场阴阳哲学的实践。墨为阳，水为阴；浓为阳，淡为阴；实为阳，虚为阴。艺术家通过控制水与墨的比例，在纸上创造出一个从极致深邃到近乎虚无的无限色谱。墨象的无限层次感，超越了色彩的表象，直指事物的本质与神韵。

③自然颜料来自矿石，植物，动物的成分，色泽沉稳，历久弥新，象征永恒与刹那的交织。这些颜料连接着天地山川，蕴含大自然的“精气神”，它们在画面中沉淀下来，形成稳定、永恒的物质存在，与水墨的流动、变幻形成鲜明对比，这种“物质的永恒性”与“水墨的瞬时性”共同构成了对时间性的深刻思考——既追求刹那的悟道体验，也向往精神的永恒不朽。

我正是深刻领悟并继承了这一传统，才能用最“东方”的材料，表达最“当代”的艺术，也是最“永恒”的精神内涵。我把水墨、宣纸、自然颜料看作是有生命力的能量场，这些充满精神性的材料所构成的作品，不再是一幅“画”，而是一个完整的“小宇宙”，观者面对这样一幅作品，首先感受到的不是一个被描绘的客体，而是一个可以走入其中的能量场，这种材料与精神的高度统一，使得东方艺术在最简单的材料中，开辟出了最深远的精神境界。

在中国，有一种画叫做“风水画”，这些画一般通过一些文化性、隐喻性的符号，诸如龙、凤凰、太极、高山、水流、游鱼等来寄托着人们对美好生活的向往和期待，人们普遍认为这种画具有能量，能够改善自己的命运和环境。和“风水画”相比，我的作品无需通过特定的象征性符号来寄托愿望，而是通过画中的高频光波和流动的色域直接引发观者的阿赖耶识（第八识）波动，让观众在“无所住”的凝视中与宇宙能量共振，从而获得精神疗愈、净化灵魂。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20230708

8.在你的实践中，你似乎模糊了具象、意象和抽象之间的界限。你认为这种杂糅是对艺术史上僵化分类的刻意美学反叛，还是对自然和传统东方思想中流动性的自然反映？

东方哲学与西方哲学在思维方式、核心问题、方法论和文化背景上存在深刻差异，这些差异源于各自独特的历史、宗教和社会传统。我的艺术实践根植于东方哲学和中国文化，强调人与万物之间的整体性、关联性与和谐相融的关系，以动态、包容的辩证法为主导，如：道家的阴阳观、佛家的“色空不二”哲学观。我的作品中模糊具象、意象和抽象界限的表现，是基于东方哲学和美学的“流动性的自然反映”。

传统东方思想的流动性是我创作的内在逻辑和文化血脉，是我的艺术理念的自然流露。“虚空”本身就是东方哲学（尤其是道家与佛家）的核心概念。它并非“什么都没有”，而是蕴含无限可能、未分化的本源状态。在这种状态下，一切界限（如物我、主客、形神）都是人为的、暂时的，我的创作正是试图用视觉语言捕捉这种“无界”的体验，让形象从虚空生发，又消融于虚空。因此，形象的模糊、交融是哲学观念的自然结果，而非刻意为之的形式技巧。

中国传统艺术的核心从来不是“具象”（写实再现）或“抽象”（纯粹形式），而是“意象”——介于似与不似之间，追求“超越物象”。我的作品继承了这一美学基因，画中没有僵硬的边界，色彩与墨色相互渗透、冲撞、流淌，如同宇宙初开，能量流动，这本身就是对“气韵生动”的当代诠释。中国艺术家所描绘的，不仅是眼睛看到的物象（具象），更是内心感悟与升华后的“心象”。这种“心象”天然就带有主观性、模糊性和流动性，它既源自自然，又超越自然。我的作品可以看作是我内心对宇宙、自然感悟的直观显现，是“心象”的自然外化。

艺术史某种程度上是一个不断分类、定义和更迭的历史，我的作品跨越了这些分类的界限，它可以在具象、意象和抽象之间自由切换、跨界融合，展示了另一种艺术发展的可能性——一种非线性的、包容的、综合的、多维度的路径。

我的杂糅，迫使观众和评论家必须放下预设的类别，直接面对作品本身，用更整体的、感性的方式去体验。我的杂糅，是根植于东方土壤的“自然反映”，而这种“自然”的成果，它不是反叛，而是融合，是一种深沉、自信的超越，证明了那些源于古老智慧的审美观念，在今天依然充满生机与前瞻性。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20230611

9.你的许多作品都暗示了一个替代领域，你称之为“超越的上天的意象”或“灵魂世界”。超越的概念在你的作品中有多重要，你希望它如何通过接触你的艺术来改变观众的感知或意识？

我的《虚空境》系列直指佛法中“空性”的本质，它并非描绘具象世界，而是通过色彩流动和光影变化揭示现象世界的虚幻性、意识的瞬时性，以及精神解脱的必然性。这是一个超越了物质世界的“意识空间”，它立足于东方哲学和美学的根基，却运用了具有国际性的抽象语汇，这种语言本身就是一个调和产物，是致力于寻找人类共通的精神体验（如对宇宙的敬畏、对生命本质的探求、对内心宁静的渴望）在视觉上的表达方式。

这个“意识空间”以其高度的精神性，消除了二元对立的主客体，超越了政治、社会、身份等具体议题的差异，转向形而上的精神探索，将不同文化背景的观者引向对生命本质、宇宙奥秘、内心平静等终极命题的共同关注，从而引发人们的精神共鸣。

这个超越了物质世界的“意识空间”不是某一个遥远的物理空间，而是深藏于我们的深层意识中，对应着佛教唯识学的第八识（阿赖耶识）。因为我们每一个人都有阿赖耶识，且是相互连通，并有相似结构的业力种子，这些种子共同显现为我们看到的这个“宇宙”，这叫“共业”。当我们进入到第八识“阿赖耶识”这个层级时，我们已经解构了物质世界的执念，消除了二元对立的观念，在这里我们的灵魂真正融入宇宙，与宇宙频率共振，获得精神解放和灵魂自由。

我的《虚空境》系列是一个引导观众走进“阿赖耶识”的精神通道，它以抽象光色肌理构成的非叙事性画面，迫使观众的视觉认知从“解读图像”转向“直观体验”，让观者在“无所住”的凝视中切断概念思维链，促使他们消除“我执”，进入“无我”状态，与我的画面产生频率共振，触及他们内在的“阿赖耶识”,让他们通过直观画面体验到“无常”与“空性”，从而超越物质执念，指向精神解放和灵魂自由。

很多事例证明了，我的作品对观众触发了不同的反映，有人用前五识来感受我的作品，从中获得美感和愉悦；有人用第六识（意识）来感受我的作品，从中获得精神寄托和心理疗愈；有人用第七识（末那识）来分析我的作品，判断是非优劣；有人用第八识（阿赖耶识）来和我的作品共振，从中获得巨大的宇宙能量，清除业障(净化业力种子)，升华灵魂。

不同的人在不同的意识层级里观看我的作品，获得的感受是不同的。因为我的作品是我的阿赖耶识能量场的投影，所以我邀请观众也能够用自己的阿赖耶识来感知，那么他将会与我的作品最大程度地产生精神共振，从而获得宇宙“爱”的能量，帮助他们实现意识升级和精神升华。

总之，我的《虚空境》系列作品绝不仅仅是一个暗示的替代领域，它是一个完整的哲学观念、感知方式和体验系统。它通过视觉、哲学和精神层面的多重交互，温和而深刻地引导观众超越物质的表象，去感知那无形却无处不在的本质、能量与互联，从而获得精神的解放和灵魂的自由。对于观众来说，这不仅是观看一幅画，更是一场心灵修行和精神体验。

▲玄彩画《虚空境》系列NO.20241025

10.作为一位在传统与创新交汇处工作的开拓者，你如何展望中国当代绘画的未来？你希望你的实践留下什么遗产，不仅在美学创新方面，而且在通过艺术促进东西方之间更深入的理解方面？

作为中国当代绘画中一个独特而深刻的探索，玄彩画像一座桥梁，连接着过去与未来、东方与西方，其潜在的遗产是丰厚且具有变革性的。

它对中国当代绘画的启示是“根性”创新的范式，证明了最前沿的创新可以源于最深厚的传统，它没有割裂与传统的关系，而是潜入中国哲学（尤其是道家、佛法）和美学的源头，从中提炼出“虚空”（幽深、变化、本质）这一核心概念，并以此为出发点进行当代转化。它再次确认了自身传统的价值，让我们看到，源自中国儒释道的古老的东方智慧，完全有能力生长出极具当代性的艺术形式。中国绘画的未来不必固守传统的既定程式，而是可以对传统进行“创造性转化”和“创新性发展”，用传统的哲学内核驱动形式的现代性演进。

玄彩画并非简单地使用中国画材料（如水墨、宣纸、自然颜料），而是深刻理解并创新了它们，使材料与精神保持高度统一性。它拓展了“光与色”的维度，使其与“虚空”（幽深、变化、本质）的境界相匹配，创造出既深邃又绚丽的视觉体验，这种对材料的哲学性运用，超越了单纯的技法范畴。绘画媒介不仅是工具，更是思想的延伸，是意识觉醒的载体，是宇宙能量的容器。玄彩画强调创作过程中的随机性、流动性与不可预知性，颠覆了强调预先设计、完全控制的创作观，它为未来绘画提供了一种更注重体验、冥想和与材料对话的创作方式，艺术不仅是制造一个产品，更是完成一场修心悟道的仪式。

玄彩画留给未来的，不仅仅是一种新的画法，更是一种方法论、一种世界观。它是一种全新的精神语言，在美学创新方面留下了一套融合了东方空灵意境与西方色彩张力的成熟语法，它是一个超越了物质世界的“意识空间”，解构了物质世界，消除了二元对立，这将极大地丰富中国乃至世界艺术的视觉词汇库。

在玄彩画作品中，千变万化的无限心象启示我们：所有现象都是心灵创造的，没有什么是永恒的；同时也提醒我们：在当今物质化潮流中，我们所执着的名誉、权利、地位、财富等现象都是短暂的，我们应该以平和的心态面对社会、生活、环境的变化，让自己不被物质欲望所束缚，从而获得精神解放和灵魂自由。

玄彩画在促进东西方理解方面提供了一种“可被双向解读”的艺术文本，为西方观众打开了一个理解东方哲学核心精神的感性入口，抽象的形式降低了文化隔阂，画面引发的精神感受引导他们去接触背后的东方智慧，这种艺术形式有效地促进了不同文化之间的深度对话和相互理解。对于东方观众，它提供了一种用现代的、国际通用的艺术语言重新诠释和体认自身传统精髓的路径，把中国绘画的“写意”精神进行当代扩展，为传统中国绘画的现代转型树立了典范。

玄彩画所探讨的“宇宙、能量和存在”等命题，是人类哲学共同关心的终极问题，这些问题也是西方艺术同样在抽象领域探讨（如康定斯基、罗斯科、波洛克）的命题。所以玄彩画的价值在于，它用源自东方的思维方式和中国的艺术语言，回应了这些人类共通的命题，提供了一种来自东方的解决方案和视角，这使得东西方艺术的对话超越了简单的形式模仿和符号借用，能够在一个更平等、更深邃的哲学层面上展开交流。

▲玄彩画《虚空境》系列NO. 20240519

文章来源：国际杂志《当代艺术收藏家》

艺术家简介

蒲洧 Pu wei

中国玄彩画创始人蒲洧，出生于云南省昆明市，三岁开始画画，自幼酷爱中国传统文化，尤其擅长传统中国画。经过多年的艺术探索，2013年逐渐形成独具特色的个人艺术风格，创立“玄彩画”。2018年建立个人艺术品牌“蒲洧玄彩画”。

获奖经历（部分）

1、连续四年获得欧洲重要的文化组织意大利世界艺术学院文化协会（ACCADEMIA ITALIA IN ARTE NEL MONDO ASSOCIAZIONE CULTURALE）颁发的世界高度公认国际艺术奖：2021年米开朗基罗大卫艺术奖、2022年斯巴达国王墨涅拉奥艺术奖、2023年奥林匹克众神之王宙斯艺术奖、2024年古希腊斯巴达国王列奥尼达国际艺术奖

2、2019年意大利波提切利国际奖

3、曼图亚双年展“2019年度艺术家奖”

4、2019年西班牙委拉斯开兹国际奖

5、2020年纽约当代艺术之星奖

6、2021年最佳现当代艺术家奖

7、2022年西班牙巴塞罗那国际艺术奖

8、2023年Top艺术家奖

9、2023年收藏家艺术奖

10、2023年“引领者——当代艺术重要人物”国际奖

11、2023年第五届达芬奇国际艺术奖

12、2024年第六届达芬奇国际艺术奖

13、2025年第七届达芬奇国际艺术奖