SS26上海时装周 LABELHOOD｜DAY1 回顾

初秋的第20季蕾虎先锋时装艺术节回到苏州河畔——那条在历史与当下之间缓缓流淌的河，如同一面镜子，映照出当代女性的多重形态：浪漫与理性、温柔与锋利、神话与现实。光与水交织成舞台，六场秀像从河底浮起的片段记忆，在不同的时刻与心绪中闪烁。它们共同讲述着一个关于“成为”的故事——当代女性如何在流动的世界中，重新定义自己。

从 FORDARE 缝合算法时代的爱情幻觉，到 CAMEY LIU 重写莉莉丝的神话；从 OUDE WAAG 的镜像自省，到 ZITA TAN 的深海幻觉；再到 AO YES 的知性春风与 YIRANTIAN 的冷静智慧——六场秀共同绘制出一幅女性精神的地图。这里的浪漫并不柔软，它带着棱角与理智的冷光；这里的力量也并不喧哗，而是藏在纤维、缝线与光影的缝隙里——那是被重塑的身体、被重新定义的情感，是一次从“被看见”到“自我观看”的演化。

在苏州河缓缓流动的水声中，时装成为意识的语言。它让爱、欲望与独立交织成流体的形状，让“女性”不再是被书写的对象，而是亲手书写自身的笔锋。光、雾、水与衣的交错，最终汇聚成一场属于当代女性的静默革命——在初秋的夜色中，无声，却璀璨。

在爱情早已进入算法与社交语境的时代，浪漫不再是偶然，而是一种选择性的表演。FORDARE 26 春夏系列以「21世纪之恋」为题，从当代恋爱中最细微的精神裂隙出发——那些被滤镜包装的亲密、被算法计算的欲望、以及“自我投射”式的爱意——都被缝合进这一季的衣缝与褶皱之中。

这一季的 FORDARE 呈现出一种更冷静、更叛逆的浪漫。开场造型以黑色蕾丝与轻盈的缎面开篇，仿佛一场关于“欲望与防御”的双人舞：薄纱披巾像面纱，也像自我设下的界限。白色造型转而将蕾丝与运动元素并置——紧身上衣、网眼袜、绑带吊袜带，既是内衣也是盔甲，让人联想到“恋爱”这一当代战场上的角色扮演。

秀场中段，FORDARE 用牛仔与内衣的错位重组，展现当代少女的“混合态”身份。手绘感的漫画印花出现在解构式上衣与短裙上，带有一种青春的冲撞，也是一种对于恋爱叙事的反讽——那些被过度浪漫化的瞬间，被印在布料上成为一种怀旧的讽刺。牛仔布的粗糙与蕾丝的细腻共生，正如现实恋爱中“真诚与表演”与“热烈与疲惫”的并存。

有趣的是，FORDARE 并不以悲观的视角看待“塑料关系”。带有 Slogan 的 T 恤以轻描淡写的幽默传递态度——“love is ok”、“best woman”、“永遠の愛”——这些文字像是网络时代的情感碎片，也像是我们在亲密关系中反复排演的咒语。设计师以一种清醒的姿态，让浪漫变得更真实，也更可笑：爱可以轻佻，但依然值得相信。

在结构与材质的语言上，本季 FORDARE 延续了品牌的标志性风格——解构的蕾丝拼贴、廓形外套的轻盈运动感，以及略带戏剧化的比例游戏。蕾丝风衣与运动外套的融合，让“性感”脱离性别框架，而成为一种自我态度；粉蓝与米白色的交织，传递出恋爱语境下的情绪层次——既温柔又冷漠，既可爱又防御。最后几套造型中，3D 打印胸衣与陶瓷配饰的出现，赋予“纯爱战士”般的未来质感：爱在这里不再是情绪，而是一种科技雕塑下的情感力量。

FORDARE 的有趣之处，在于它始终对女性主体保持复杂的理解。它既不神圣化“爱”，也不嘲讽“爱”。「21世纪之恋」是一场关于自觉的浪漫。它不是逃离当代，而是用当代语言重新定义浪漫——用针脚代替情书，用解构的蕾丝代替誓言，用一场秀去回答“爱是否仍然可能”。而 FORDARE 的答案是：是的，只要我们仍然愿意以开放与诚实，去面对那场彼此都不完美的亲密。

在一片垂坠的白色帷幕之间，光从缝隙里渗出，像神话被重新撕开的入口。空气中弥漫着雾气与冷调灯光，仿佛伊甸园在坍塌后的某个傍晚，正孕育出新的秩序。CAMEY LIU 以《Giardino di Lilith》（莉莉丝的花园）为名，为这个时代重新书写了一则古老的神话：关于被驱逐的女人，关于身体、诱惑与权力，也关于那些仍在花园中生长的、尚未被命名的女性。

莉莉丝，是《旧约》之外的异端传说。她拒绝屈服于亚当，从伊甸园逃离，成为“夜与风的化身”——她既是恶魔，也是原初的独立者。CAMEY LIU 将这种精神投射进当代的身体语言中：在她的服装结构里，脆弱与坚硬、神性与肉身彼此共存，没有明确的边界。系列中的每一个造型都像一段进化史，从白到银、从蓝到黑，宛如从晨光走向夜幕的过程，也像女性自我意识的觉醒路径。

开场造型令人屏息——银质冠冕高耸，尖刺的轮廓犹如某种古老的防御仪式。模特的肌肤被裸色薄纱覆盖，纱面上密布金属铆钉与几何立体结构，形成如鳞片般的护甲。那是一种非人类的美，介于神祇与机械生物之间。

蓝色段落的出现，像神话中的第二幕。模特的身体仿佛被海水吞没，又从深处浮现。那条短款的不对称礼服由多层半透明的蓝纱构成，表面覆以细小的银色枝蔓与羽状结构，如浪花拍打在珊瑚之上。

在更贴近皮肤的部分，钩织成为隐喻。设计师用这种极具女性经验的手工语言，对抗工业时装的冷漠逻辑——她让纤维重新拥有温度，让女性劳动成为自我装饰的一部分。另一套白色造型裙身由羽毛、丝线与卷曲的刺绣组成，立体的构造像有机生物在生长。

当音乐转为低沉，黑色造型缓缓登场。两位模特在舞台中央相对而立，一身金属灰，一身乌黑，衣身由硬质塑胶、涂层丝缎与光滑皮料层叠构成。她们相互凝视，距离极近，却没有冲突的姿态。那是光与影的对话，也是女性身份内部的对抗：在顺从与抵抗、欲望与秩序之间，CAMEY LIU 没有给出答案。她只是让这种张力悬浮在空气中，成为观者不得不面对的情感。

秀场的空间设计延续了这种叙事的层次。帷幕与灯光营造出一种近乎宗教式的仪式感，模特的行进像一次神话仪式。《Giardino di Lilith》的力量在于，它将神话转化为现代语言。它不只是关于美或性感，而是关于“自我拥有”。CAMEY LIU 莉莉丝不是复古的女巫，而是一个清醒的创造者，一个在当代叙事中重写自己命运的存在。

当最后一位模特消失在帷幕之后，光线再次暗下，舞台上只剩下空气的震动。那一刻你会意识到，CAMEY LIU 的“花园”并不属于过去的伊甸，而是未来的荒原。她让欲望与理性、肉身与灵魂重新并置——让被放逐的莉莉丝，终于以自己的姿态回到光里。

在一片镜面森林中，模特的身影被不断复制、拉伸、折射——每一次转身都像在追逐另一个自己。OUDE WAAG 2026 春夏系列以极简的空间营造出一种心理强度：光线滑过镜面与皮肤，观众的凝视被反射回来，成为秀的一部分。

这是一次关于“自我观看”的实验，也是一场冷静而炽烈的觉醒。

设计师尹经纬让柔软成为锋利的延伸——那种细腻的、被压抑的性感。首个造型以橄榄色缎面短裙开场，领口高束，腰间以细皮带微微收拢，裙摆在行走间随光流动。紧接着的裸米色造型将内衣式结构与西装语汇拼合：短裁上衣下隐藏着缎质抹胸，裤装宽阔而流畅，轻盈的布料在步伐间展开又收拢，如呼吸一般。这种“半裸不暴露”的逻辑，是 OUDE WAAG 一贯的表达——女性不通过揭露，而通过掌控自己的呈现方式来建立权力。

棕与苔绿的组合带来柔软的延续。针织上衣与丝缎裙的组合松弛却紧密，像皮肤与空气的对话。随着行进，面料自然皱起，光在其上流淌成阴影的波纹。这一刻，OUDE WAAG 的浪漫并非装饰性的，而是一种对时间与身体的感知：真实、缓慢、无声却深刻。

系列中段，几套以深棕与黑色为主的造型令全场气氛骤然凝聚。透视的网纱与结构化的内衣线条交织出一场“理智的性感”。一件上身几乎全由透薄网布构成的长裙，以腰部结褶的方式制造出扭转的视觉节奏。另一套带有蓬起裙摆的长礼服，在前短后长的体积中形成雕塑感的运动，仿佛风从身体内部被释放。这种张力，既来自剪裁的克制，也来自身体的自觉——每个女性都在重新定义“被注视”的姿态。

随后登场的数套金褐色与象牙色礼服成为视觉高潮。布料以重力自然垂坠成包裹状的轮廓，身体被柔软的弧线拥抱，隐喻某种重生的姿态。那是一种对“形体”的反思：服装不再追随身体，而是成为身体的延伸与回声。秀尾转入冷蓝色调，褶皱的裙装与解构的夹克并置，硬朗与流动并存。腰部的挖剪如伤口般锋利，却被柔韧的布料缝合得近乎诗意。

最后一幕，所有模特重回镜面空间。灯光由亮转暗，镜中的倒影交错成一片模糊的流动。她们看似行走，却像漂浮在光之海中。那是一种去身份化的美：没有主语，只有“存在”。

OUDE WAAG 一直在探索“女性形象”与“自我观看”之间的临界点。镜面装置的设置正是对这一主题的隐喻——在多重反射中，服装与身体互为影像，观众也成为画面的一部分。这是一次凝视的反转，一次被动到主动的权力迁移。

当最后的光线熄灭，你会意识到：OUDE WAAG 所创造的“镜中世界”，并非关于幻象，而是一种更真实的存在方式。

她让女性成为光的拥有者，而非被照亮的对象。

在那片深红色的地毯上，模特们像一群缓慢浮出的生物。她们的身体被半透明的壳体、螺旋的浪、柔软的剪影所包裹——ZITA TAN 的《第三潮汐》并非一场关于服装的展示，而是一场关于“生长”的演出。每一步都像潮水的轻微倒退，带着一种不确定的韵律感。

秀场空间被布置成一条漩涡，仿佛观众也正被卷入一个无边的深海神话中。白色绒面构成的螺旋象征潮汐的呼吸，模特在上面行走时，脚步与光影都变得异常轻盈。海洋并未被描绘成现实中的景象，而是一次精神性的模拟：水流与风、羽毛与贝壳、欲望与梦境的共生。

ZITA TAN 以她一贯的超现实构筑语言，将“深海生态”与“天上神话”并置成一种独特的生物学美学。那种“生物层叠生长”的质感在本季被推至极致——激光切割的缠绕边缘仿佛藤蔓在皮肤上呼吸，三维打印的白色螺旋装饰从身体的一侧盘旋伸展，既像防御的外壳，也像正在展开的花。她的服装总在柔软与攻击之间寻找一个平衡点，那是一种属于女性的“雕塑式敏感”。

尤其是那件红与白交织的礼服：犹如贝壳爆裂的瞬间，雕塑感的结构与布料的垂坠同时存在，形成几乎反重力的视觉张力。它不再是“衣服”，而是一种具象化的力量——像神话里某种新生的生物在挣脱皮囊。

银色的礼服被切割成藤蔓状的碎片，黑色的花瓣沿着身体蔓延。光在布料上流动，像潮水掠过礁石；而透明纱与硬质材料的叠加，制造出一种奇异的延时感，仿佛身体并不完全存在于此刻，而在另一个维度慢慢显形。

ZITA TAN一直擅长用工艺语言讲述心理的流动。她将女性身体视为一片可生长的领域，而非被规训的形式——在《第三潮汐》中，这一点尤为明显。那些被切割、缝合、覆盖、重组的细节，像是在模拟一种重塑身份的过程。整个系列中，配饰的运用极具叙事性——有的像珊瑚骨骼，有的像机械羽翼，更多时候则像是某种未知文明的遗物。它们并非附属品，而是故事的一部分。那种“视觉张力”让每一个造型都带着一种静默的召唤，仿佛在邀请观众靠近，又在同时拒人于千里之外。

如果说上一季的 ZITA TAN 仍在探索“女性的梦境”，那么这一次，她终于潜得更深了。《第三潮汐》是一种身份的潜入——一种将自然与自我折叠成幻觉的尝试。服装成为语言之外的叙事工具，讲述着人如何在流动的界限中被重塑：成为波浪、成为神话，也成为自己。

AO YES凹是的世界总是安静的。它不以声势取胜，而以思考的温度，在布料的褶皱与剪裁的线性中，建立一种“理性之美”的秩序。2026 春夏系列《春风沉醉的晚上》延续了这种不喧哗的气质，却注入了一缕隐秘的诗意波动——那是一种“知性者的春天”，温柔而坚定，克制却暗含热度。

系列灵感来自郁达夫同名小说——一个关于孤独与欲望、梦境与现实的文学意象。设计师以诗的结构去组织衣装的节奏：层叠的云纹绸与轻盈的真丝仿佛夜色与春风交织，而“蝴蝶”的意象贯穿全场，如潜藏的隐喻般反复闪现。它出现在衣领的波形曲线、袖口的翻折、胸前盘扣的结构里——不是直接的装饰，而是一种微妙的暗示。

AO YES 一向擅长在“文人气”与“当代性”之间游走。这一季的“蝴蝶”并非浪漫的象征，而是一种转化的姿态。蝴蝶形领口在白衬衫上被极度简化，只留下最细微的曲线——既像飞翔的轮廓，也像思考的痕迹；盘扣则被解构成蝶结状的绳结装饰，在“解”与“系”之间，完成一场传统与现代的对话。那种极度收敛的设计语言，让浪漫变得知性，让象征具备逻辑。

秀场节奏干净而流畅，没有多余的表演感。荧光粉、深蓝与白色构成鲜明而克制的视觉秩序——即便是最耀眼的荧光，也在 AO YES 的手中变得理性、冷静，像一束穿透夜色的诗句。那是一种不张扬的华丽，像知识分子在书页间隐藏的情绪：闪光，却不喧闹。

几组造型尤为突出：一件淡粉的立体领衬衫，领口翻折成柔软的蝶翼，与下身硬挺的长裤形成微妙的张力；一条葡萄珠绣的吊带裙，透明珠粒在光下闪烁如露水，将“成熟”与“新生”凝于一体；而最后出场的墨蓝连衣裙上，微光刺绣的花卉仿若记忆的残片，在灯光下轻轻浮动。每一件衣服都像一句被克制的诗。

AO YES 从不急于定义“女性”——它更像是在书写“成为女性”的过程。那些盘扣、领线、花纹的微小变奏，是身份流动中的痕迹。蝴蝶意象因此拥有新的层次：它不再象征爱，而象征“思想的蜕变”——一种从温柔到坚毅、从梦境到现实的迁移。

两位设计师对于手工的坚持，在这一季被提升为一种精神姿态。每一颗珠子、每一道刺绣都不为装饰，而为情绪服务。那种“工艺的理性”让 AO YES 与其他浪漫主义品牌截然不同：它不是抒情的，而是反思的；不是展示浪漫，而是分析浪漫。

当最后一位模特转身离场，光线逐渐收紧，空气中仍回荡着一丝未散的气息——像句未完的诗。AO YES 让人想起郁达夫笔下那句潜藏的情绪：“春风沉醉的晚上，一切都在微微颤动。” 那种“无声的情感”，正是品牌的语言：不高声宣告，却深入人心。

YIRANTIAN 2026 春夏系列以“Intuitionist”为主题，用设计语言梳理锋利与柔性之间的对话，诠释理性与感性间微妙的平衡。系列将宁静而内在的力量灌注于每一处细节——不事张扬，却自有声量。这并非纯粹的知识分子风格，更是一场源于群体认同、忠于细节表达的宣言。

内敛的金属光泽缎面贯穿系列始终，粉、黄、蓝、紫与经典黑白等冷色调均以细腻质地呼应着春夏的轻逸氛围，诠释冷静的性感。全新印花呈现谨慎而规律的格纹排列，将系列主色以穿插编织的方式融入柔性面料，仿佛思维在织物间理性流动。剪裁精准的西装与套装延续品牌一贯的利落语言，以建筑感线条勾勒出当代女性轮廓。系列最后出现的编织设计点亮秀场——麂皮与彩色缎面经由手工编结，形成色彩归类严谨、结构分明的高级单品，亦隐喻着冷静的思考过程。同步亮相的还有全新 Mini CIPHER 手袋，以小牛皮制成，延续中号的简约形态而更显精巧，不仅实用性强，其极简的外形与时髦的尺寸也成为点睛配饰，完美融入都市女性的日常着装。

“智慧诞生于宁静的脉络，而非喧嚣之中。”本季，设计师以“锋利的柔软”为注脚，将理性思考转化为可触摸的织物语言——如神经元网络般既精密亦感性。系列中的套装绝非刻板符号，细节隐于其间：面料拼接的微妙反差、半裙腰褶内的异色处理、后背开衩处的悄然撞色，皆成为群体间的默契密码。这些设计让穿着者在维持专业姿态的同时，亦不曾丢失审美的自我言说。

真正的力量从不喧哗，智慧往往以沉静的方式回响。在知识密度与审美感知交汇处，在精准结构与细腻细节共生之间，女性不被定义，而是以自己的语言，完成风格的自成。