陈博文：剪辑是一场关于人生的“二次创作”

在平潭IM生生不息成长计划导师公开课上，资深电影剪辑师陈博文从五十年剪辑经验出发，分享了如何通过剪辑架构叙事、把控情绪，甚至在有限素材中挖掘出导演未曾设想的情感层次与意义空间。

作为台湾新电影运动的重要推手，陈博文1974年毕业于艺专（今台湾艺术大学）广电科，历经场记、副导等职。1979年转入剪辑，1986年成立个人工作室，入行至今剪辑作品超过200部。代表作有电影《牯岭街少年杀人事件》《一一》《黑暗之光》《一年之初》《念念》《暗恋桃花源》等，纪录片《红叶传奇》《银簪子》《春天许金玉的故事》《山有多高》《跳舞时代》等，其剪辑作品横跨数十年华语电影发展史。

陈博文强调，剪辑的本质是“再创作”，而非简单拼接。剪辑师需具备敏锐的鉴赏力与审美判断，能够从看似普通的镜头中发现潜在的表达可能，为影片注入新的生命维度。他还特别提到，剪辑师应具备丰富的生活经验与沟通能力，才能与导演、录音师等部门协同合作，共同完成对电影最终形态的塑造。

“剪辑没有做不到，只有你想不到”，陈博文鼓励青年创作者不断在实践与反思中积累经验，用剪辑的力量赋予电影更多的可能性与人性温度，在银幕上创造出另一种可能的人生，以下为公开课现场节选。

01

剪辑的本质：再创性创作

今天真的很高兴能跟这么多喜欢电影的朋友一起交流。我从事剪辑工作快五十年了，到现在还在做，因为我真的太喜欢这个工作。我们每个人都只有一个人生，走完就没了。但对剪辑师来说，我们有“无数个人生”。

为什么？因为每次剪片，我都会把感情、情绪融入剧中每一个角色。电影走完一遍，我就仿佛也走过了那个人的人生。每个人只有一辈子，但我剪过超过两百部电影，我就经历了两百多个人生——这就是我如此热爱这份工作的原因。

你看，一般人一生所做的事，做过了就没办法重来。但剪辑不一样，剪完如果我不满意，可以一遍一遍修改，直到最圆满、最完美。这就是剪辑最吸引我的地方：它允许你不断重塑，直至极致。

其次，现在讲到剪辑跟创作的关系，很多人会问：导演、编剧、摄影，做的都是原创性创作，而剪辑是拿别人创作的东西再处理，这也能算创作吗？其实，创作分两种：一种叫“原创”，一种叫“再创”。导演、摄影属于前者，而剪辑，是“再创作”。我们拿到原始素材，通过剪辑重新编排，甚至超越导演最初的想象——这就是剪辑的创造性。

我举个实际的例子。像有些镜头，原本只是试拍，导演并没打算正式用。但剪辑师可以从这些所谓“NG镜头”里重新思考，甚至赋予它新的语境和情绪。

我曾经剪辑过一个片段，原本这场戏并没有回忆的进展，我就觉得少了点什么。刚好我看到了一个试拍镜头，就把它挑出来，重新组接，结果影片顿时增色不少。那完全是一个试拍镜头。导演当时不在，是副导演让演员走位试一下，但后来我剪这场戏时，把它用进去了。导演看完还问，我有拍这个镜头吗？你怎么会用这个？

所以我说，对剪辑师来说，没有所谓的试拍镜头、NG镜头。每一个素材都必须认真看，不能忽略。我不会有助理帮我剪辑，就是因为我要亲自看过每一个镜头——很多细节，一不小心就错过了，那多可惜。

每个人的生活经历、教育背景、思维方式都不一样。所以同样的素材，交给不同的剪辑师，绝对可以创造出不同的故事出来。有一次我在课堂上，给学生一段80分钟、没有声音的素材，是一个露天电影院的形象广告。我让他们自己加对白、字卡、音效，剪成一个一分钟的故事。结果每个人剪出来的东西完全不同，都极具创意。

电影就是视觉和声音共同组成的艺术，它们合在一起，才能震撼观众。用的全是同一批素材，但每个剪辑师会选取自己需要的部分，编织出他心中的叙事。这就是剪辑的力量：它能让同样的素材，说出完全不同的语言。

02

剪辑师的修养：欣赏之后的鉴赏

讲到 “欣赏”和“鉴赏”，其实不太一样。欣赏，是我们面对美好事物——不管是视觉还是听觉——感受到那种美，心里很舒服。欣赏是每一个人几乎都可以具有的能力，但“鉴赏”不一样，这个“鉴”字，本身就带有判断、鉴别的意思。

比如说我们欣赏一幅画，觉得它很美。但你能不能看出它哪里还有瑕疵？如果你要做剪辑，这一点就特别重要。导演拍出来的影像，交到你手上，你能不能看出问题在哪？如果连问题都发现不了，就更谈不上怎么去修正。所以鉴赏力，是一个剪辑师必须要具备的能力。

你要看得出来：是故事推进不好？构图有问题？表演不到位？不管哪方面，剪辑师就是要负责修饰、优化。我常跟学生说：“剪辑没有做不到，只有你想不到。”因为你没想到，就真的做不到；但只要你意识到了，就一定要想办法把它解决。

有一场戏是双人舞蹈室练舞的片段，很短，只有一分钟。我先前让助理试着剪，剪完我来修改。当时拍摄时，导演几乎每个镜头都从头拍到尾。因为是电影，所以镜头角度和时长都给得比较足。

最后问题出在哪？就像我刚说的“鉴赏”。作为一个剪辑师，你能不能判断出这段影片的问题？这个片段里，一方面是镜头的运用和视觉处理，另一方面，是怎么通过剪辑呈现舞者的美感——这些他没有做到。

虽然现在没配乐，但舞者跳的是有节拍的，“12345678”这样。你们注意看他的节拍，虽然动作接得很顺，但节拍其实不对。将来一旦配上音乐，问题就出来了，必须重剪。而且，一直用半身镜头，视觉会很疲劳。

拍是这样拍，但剪辑师不能只会说：你就这样拍，那我怎么办？。剪辑师的基本修养，正是要把没那么理想的素材，尽最大可能剪好。你要是不具备这种能力，就很容易被取代。如果导演怎么拍，你就怎么剪，那谁不会剪？你要靠什么去跟别人竞争？所以美感能力、听觉品味，都非常重要。

剪辑师得靠你的美感和节奏感，去帮助导演弥补不足。后来我重新修了一遍。我让他看起来像是转了圈，舞蹈顿时好看很多。他们这个舞最精彩的就是跳起来空中停留的瞬间，所以我做了慢动作。可能有人会问：正常节拍都抓不准，还做慢动作？原来只有五个镜头，我扩展成十个，空中变成慢动作之后，节拍反而对了。

这就是剪辑师该有的能力——你不能说“导演你就拍这样，那我也没办法”。最后的责任，往往是在剪辑这里。

03

看不见的剪辑艺术：结构与情绪

我常跟学生说，别太计较剪辑能不能得奖，因为没人知道那是你的功劳还是导演的。大家总会觉得，“本来拍得就好”“剧本就写得好”，剪辑只是顺了一遍。所以后来我对奖项看得很淡，我更享受剪辑本身带来的快乐。真正懂你能力的，只有导演。

其实我年轻时也很在意名利。早期我剪的都是商业片，后来开始与新锐导演合作，杨德昌也来找我。我当然很开心，尽力剪到自己最满意。我觉得尤其在情绪把控上，我帮了杨德昌很多忙，他自己也认可，所以后来他的片子基本都交给我剪。

但那一年《牯岭街少年杀人事件》入围金马奖12项，几乎什么都进了——就只有剪辑没进。那时对我打击很大，甚至怀疑自己是不是能力不够。杨导后来安慰我：“不要在意，你已经是最好的了。”从那以后，我真的不那么在意奖项了。评审怎么知道剪辑师贡献了多少？他们只看成片顺不顺、好不好看。但如果你做剪辑，就别太指望别人理解——你得自己清楚自己的价值。

杨德昌的电影结构非常严谨，剧本几乎无懈可击。剪辑之所以花时间，常常是因为结构——如果结构不稳、故事没讲好，剪辑阶段就等于要重新建构叙事。

写一个剧本可能要花一两年，你可以天马行空，随时修改。但剪辑不一样，你拿到的是固定素材，必须在这个范围内重新把故事讲好，还讲得动人。你没办法随意添加，只能靠既有镜头去重构——不能动不动就叫导演补拍。这才是最考验人的地方。如果整部片的结构出了问题，剪辑阶段也没办法花一两年去重构，必须在很短时间内做出判断，重新梳理出一个流畅而有感染力的版本。

很多人来问我《一一》里面车站这一段，这场戏是讲主角在日本与初恋阿瑞约会，而同一时间，在台湾，他的女儿也和男朋友在台北约会。导演杨德昌当时是分开拍成两场戏，剧本也是两场。但到我手上剪辑的时候，我先按两场剪，可怎么看都觉得不够好。但我总感觉两段之间缺了点什么。

后来我跟杨导说，让那个顾虑的感觉、那种情况、那种景象、那种意境会有一种联结，我觉得这个还蛮重要。他让我试试看。我就把两场戏交叉剪辑在一起，变成现在大家看到的版本。杨导看了也觉得很好，就同意了。

这样父女之间的情感就呼应上了，整体更有味道。这就是剪辑该做的工作。跟杨德昌合作，我经常帮他把握情绪点。他习惯长镜头，可是到底要在哪里剪、哪里的点剪，你能够不能掌握到那种很准确的情绪，这其实是很重要。

04

剪辑师的内在沉淀：团队沟通与经验积累

《一一》最后，主角在日本和初恋分别，一个人蹲在海堤边的镜头非常长。这个镜头到底留多久？导演不会告诉你，全靠剪辑师把握。5秒太短像转场，20秒、30秒，一分钟甚至两分钟，甚至3分钟——只要情绪到位，都可以。关键在于你赋予它什么样的感觉。

对剪辑来说，一定要把声音考虑进去。如果画面很安静，你停留20秒、30秒，观众是能感受到那种情绪的。但如果40秒、50秒还是完全安静，观众可能就没有办法接受。这时如果加上海浪声，氛围就可以支撑，情绪就能延续更久,可以支撑到40秒左右；如果有音乐，撑一两分钟也没问题。

所以你在剪辑时，你赋予给当初的影像、整个情况是什么样的一个感觉，自己是否有什么设计的考虑。如果你要一个镜头放很长，那可以跟录音师沟通。如果又没有和他沟通的话，他会觉得你怎么一个空镜头会放个两分钟。如果没有配上合适的声音，到时候这段影片一放，会很沉闷的，变得不好看。所以这个沟通是非常重要，包括跟导演的沟通、和录音师的沟通。

《一一》剧照

同时，不只是剪辑技巧的问题，还要看剪辑师有没有足够的生活经验、知识背景，来帮助导演弥补漏洞。

有一场戏只有两个镜头，非常简单。是有一对兄弟，穿白衣服的是弟弟。他们父母很早就不在了，哥哥辛苦把弟弟带大，弟弟也很孝顺。后来哥哥积劳成疾，中风卧床。这一场是弟弟帮哥哥擦洗身体的戏，就两个镜头。一开始是哥哥躺着，弟弟把他扶起来。看起来好像没什么问题，挺自然的。

我当时剪的时候就直接问，穿帮了，看出来没？哥哥长期卧病在床，背怎么可能那么健康、肤色那么均匀？导演一听，也真地觉得是这样。

所以就像我一直强调的，剪辑师首先得有能力发现问题。如果你看不出来，就算一万个人看了，九千九百九十九个都说没问题，那大家就真的觉得没问题。但只要那万分之一的一个人点出来，大家就会注意到真的是这里有问题。

那发现问题了，怎么解决？你没有能力，就只能叫导演补拍一个背部的镜头替换掉。但如果你有办法，就用现有素材把它修好——这才是真本事。

演员的背有问题，剪掉不就行了？说起来简单，但关键是——你想没想得到？想得到，就是创造；想不到，就只能模仿。这就是创造和模仿的差别。

我们为什么要一直看片、一直创作、一直超越自己？就是为了积累与沉淀。你看到了，就学到了；下次，你就会了——这一点，非常重要。

05

观众问答

观众1：

陈老师好，我本人非常喜欢《一一》这部电影，所以今天特别荣幸能听您分享创作背后的思考。刚才您说到，很多人——不管是导演还是剪辑师——常常很难发现问题。是不是可以理解为，当一个剪辑师水平到了一定程度，能敏锐地发现问题，他就有更大可能成功？另外，不知道您有没有考虑过从剪辑转型做导演？谢谢老师！

陈博文：

我想我不做导演，有很大一部分原因，是因为剪辑和导演根本是两种不同方向的工作。导演要承受的压力、要面对的沟通强度，非常大。我不太擅长跟那么多人沟通，所以自觉不太适合做导演。

导演需要的是一种“原创力”，而剪辑师更靠“联想力”。我虽然不擅长从零创造，但我的联想力很好——导演给出一个东西，我能从中延伸出很多方向，提供给他参考。这就是剪辑最该具备的能力。

其实我刚进电影圈头两年也是在拍片现场，但后来我决定转做剪辑。这是因为我发现：哪怕导演构想再好、想得再完美，电影终究是一个团队作品，不是你一个人能全包办的。你必须依靠团队——摄影、演员、美术……如果团队跟不上你的想法，就会不断给你“扣分”。

这个镜头拍不到你要的感觉，拍一次、两次、十次、二十次，要不要妥协？不妥协，烧的是时间和钱；妥协了，作品就要掉一分。演员扣一点、摄影扣一点、美术再扣一点……七折八扣，最后可能只剩90分。

大家会觉得90分很高，但只有导演自己知道，我明明可以100分的，为什么现在只有90？虽然于心不甘可是你不得不接受这个事实，我就是没办法接受那种不完美是因为别人造成的，所以后来我选择做剪辑，因为剪辑更能掌控全局。

做剪辑，虽然外人常不知道剪辑师贡献了多少，但导演知道，我自己也知道。我能帮到这部电影，我就很开心。工作嘛，自己开心最重要。活得开心才最重要。我享受的是工作的乐趣，而不是得奖的掌声光环。

观众2：

博文老师您好，刚刚听了您的分享很受启发。我自己也是导演，习惯自己剪片子，我想从剪辑师的角度请教您：一部戏由导演自己剪，和专业剪辑师来剪，到底会有什么不同？您对我们青年导演有什么建议？

陈博文：

我的建议是：只要有机会，一定要找一个好的剪辑师合作，千万不要自己剪。因为自己剪会有盲点。

你自己当导演，再看自己的素材，很容易“看不清”。你会觉得：“故事本来就是这样，节奏就该是这样。”就像刚才擦背那场戏，导演自己看根本不会觉得有问题。但我就能看出来，为什么？因为我照顾过病人，我知道长期卧床的人背不该是那样。我把我的生活经验用来帮导演发现问题、解决问题。

所以青年导演千万不要自己剪，一定找专业的来。就算他剪得你不完全满意，也能给你很多参考。何况现在是数码剪辑，调整起来非常方便。

刚才提到传统剪辑和数码剪辑。传统剪辑时代，每一个剪点都要想得很清楚，为什么这要剪、为什么要剪在这一个点、为什么接那个镜头，判断非常精准。但现在很多年轻人靠感觉剪，他们没有好好去想“为什么”，这才是问题。不管你用传统还是数码，关键是你有没有理由、有没有想法。

但我仍然推荐数码剪辑，因为它修改方便。传统剪辑因为修改麻烦，剪辑师有时不得不向导演妥协。但现在不一样，你可以尝试各种方案，甚至剪两个版本——一个导演版，一个剪辑师版，拿给十个人看。如果七个人喜欢剪辑师的版本，三个人喜欢导演的，不代表七个人一定对，但至少你有了比较和选择。你要赚七个人的钱，还是坚持给三个人看？导演自己判断决定。