贾伟缔造“如花”，开启全球疗愈的长征之路

2018年的一场大火吞噬了贾伟创立14年的洛可可设计集团总部，设备与画稿在烈焰中化为灰烬。站在人生废墟之上，这位中国首位独揽全球五项国际设计大奖金奖的设计师，意外找到了一条重生之路——拿起画笔，让一个名叫“如花”的少女从焦土中萌芽，开启了从商业设计到艺术疗愈双层身份的跨界蜕变。

贾伟的艺术觉醒源于双重身份的激烈碰撞。作为中国首位包揽全球五项国际设计大奖金奖的设计师，他一手创建的洛可可集团服务过200余家世界500强企业，斩获500余项设计大奖。然而商业成功的光环下，内心的艺术火种始终未熄。

2018年的那场大火成为关键转折点。面对公司化为废墟的灾难，贾伟选择以最原始的方式疗愈——重拾画笔。在北京画室里，他开始了“如花”系列的创作。令人意外的是，他的如花系列作品，受到了大量的人群的喜欢，也让如花成为了疗愈美学的一种正向传递，从国内到海外，贾伟创作的如花，成为了浴火重生后救赎灵魂的独特形象。

一

贾伟的职业生涯始于工业设计的巅峰。2004年，他抵押身份证租下500元/月的工位创立洛可可设计，十年间将公司发展为全球规模最大的设计集团，个人包揽红点、iF、IDEA等五项国际设计金奖，成为中国设计界的标杆。

然而，2018年的一场大火吞噬了洛可可北京总部，这场“至暗时刻”成为贾伟人生的转折点。他徒步戈壁、敦煌冥想，最终通过绘画实现自我疗愈：“如花”系列由此诞生——一个无口无耳、长发飘扬、眉如裂痕的小女孩，成为他重构与世界对话的符号。

贾伟的画笔饱含创伤记忆，却有重生的疗愈功能。在如花中，一个头发凌乱、眉眼带伤疤的小女孩置身于自然当中，画面充斥野性与叛逆。随着如花首展的开始，这个女孩以开放的姿态拥抱未来社会，呈现出灵动的生命韵律，暗含着每一个人在生命当中的投射与和解。“如花”的诞生是一场自我救赎的仪式。这个只有双眼、没有耳鼻口的少女形象，也是贾伟在火灾之后的思考与重生的结晶。

火灾的至暗时刻迫使贾伟直面佛学“人生三谛”：生来痛苦、诸行无常、涅槃重生。他将灼痛转化为创作能量，在《马上如花·悬停》中具象化：如花静立马背，背景虚空与实体形成张力，将这种能量迸发出来。《如花舞龙》将龙身解构为流动曲线，剥离神性权威，赋予其“可游可居”的亲和力，激活集体记忆的情感共鸣。《如花山海》系列重释《山海经》异兽，以族群凝聚力，吉象代言守护力，让上古神话成为现代人的精神锚点。

在《如花舞龙》系列中，贾伟解构龙图腾解构，融入当代语境当中，龙身化为流动线条，龙从“权力符号”转为“生命能量体”，以东方的自然当为，回应全球化下的文化认同焦虑。

从设计巨头到疗愈美学的布道者，贾伟的轨迹印证了苦难的转化价值：创伤可被赋形为美，而艺术终将超越个体悲欢，成为照进现实的心灵之源。当如花策马奔腾的形象从北京798蔓延至毕尔巴鄂古根海姆博物馆，一个更辽阔的愿景正在实现：让每一颗受伤的心灵，都能在色彩与符号的怀抱中，找回生长的勇气。

从创作初期，贾伟的创作就以哲学与美学同步升维：以东方“在野”哲学为根，以永生分生学说为枝，以疗愈美学为花，在全球场域中构建起一座精神灯塔。当观众在不同国家，不同地域看到如花，所见不仅是色彩与线条的交响，更是一场对生命本质的集体沉思——在硅基文明逼近的今天，我们何以守护那颗碳基之心？贾伟的答案藏于每一朵“无面之花”的绽放中：回归本真，即是永生。

二

贾伟的“如花”系列作品通过全球艺术巡展，已成为中国当代艺术国际化的重要符号。其展览足迹遍布三大洲，融合东方哲学与疗愈美学，在国际视野中引发广泛共鸣。

作为巴黎大皇宫修复后的首展“Art Capital国际艺术展”焦点，贾伟携《马上如花》系列亮相。展览由法国文化部与巴黎大皇宫联合主办，吸引全球40余国艺术家参与。建筑的历史厚重感与作品的疗愈主题共同构建“创伤-重生”的隐喻。

马象征自由力量（西方骑士精神的呼应），如花代表生命脆弱性（东方禅宗“无常观”），两者共生形成“刚柔并济”的哲学模型。弱化如花面部细节，以动态线条与明黄色背景传递情感，呼应康定斯基“艺术即情感传达”的理论。丙烯泼洒形成的流动肌理，形成的东方生命力的表达，赋予了个体在永恒与瞬间间的精神叙事。

《马上如花·归途》《马上如花·悬停》等以马与少女“如花”共生形象，诠释“野性美学”。马象征自由力量，如花代表生命脆弱与坚韧，抽象化手法弱化面部细节，通过色彩与动态传递情感。展览呼应“人人如花”理念，强调个体创造性与万物共生的宇宙观，是东方诗意的当代转译的代表。

贾伟提出“万物如花，自在而开”的理念，强调个体创造性与宇宙共生关系。因其突破传统东方艺术的“山水意境”，转而以普世生命命题引发共鸣：如花与万物关系，通过视觉可视化，表达了人类在存在主义思考的语境中释放压抑。展览刻意回避“中国符号”堆砌，转而以色彩心理学实现跨文化沟通。他的作品有自然景观，亦有像梵高《向日葵》的生命热情形成隔空对话，证明东方美学无需依附“水墨符号”即可传递精神内核。

6月，大阪世博会个展，贾伟携作品通过疗愈美学与东亚战后艺术进行对话。以伤痛美学，重构创作逻辑，草间的精神疾病、盐田的癌症、贾伟的火灾都是通过将个人记忆与体验转化为集体疗愈符号。而贾伟独特性在于：如花省略五官，邀请观众投射自我情感，比草间的“波点”更具开放性，也更具共情特点。策展人南条史生将贾伟与草间弥生、盐田千春并论，称其作品为个体战争后的精神重构。

不同于盐田千春的伤痕重构具有强烈的仪式性，而贾伟的伤痕则是让平凡的生命力自然生发。如果说盐田千春用金线缝合时，是在为黑暗寻找光的通道。那么贾伟就是用伤口凝视深渊，被照亮的伤痕则成为观照生命的棱镜。

不同于盐田千春以赤露的伤痕呈现给观众，贾伟是以疗愈在缝合伤口。艺术的意义并不仅是凝视伤痛，而是提供一种自愈的力量。盐田千春的红线凝固时代伤痕的痛感，贾伟的创作则更向前一步——从伤痕的“呈现者”转向群体情绪的“缝合者”。他作品中的温暖光影与明快结构暗示了一条内在疗愈之路：艺术的真正力量或许正在为人类共通的精神困境铺设理解的桥梁，让被表达和被理解成为珍贵的疗愈能量场。他的探索悄然重构了当代艺术的潜在观念——艺术不限于高高在上的精英审美，更可以成为一束植根人间尘土、滋养普遍心灵的光。他的作品成为讲述中国普通人坚韧生命的重要载体。

贾伟的艺术选择，始于宁夏成长的土地情结。他通过徒步沙漠培植希望之花。艺术真正的治愈力，是在深刻理解伤痕后仍能照亮前方的路。

贾伟的全球实践标志着中国当代艺术从表现主义的符号本体，向精神疗愈的大众普世观的转型，以疗愈美学回应历史与现代融合命题，将马视为“自由的跨文化符号”。在巴黎代表着东方叙事，通过当代的表达介入西方的艺术体系当中，代表着一种文化自信的身份认同。在大阪，以疗愈对话战后艺术，证明东方美学可参与人类精神困境的解决。在中国通过舞龙、生肖等符号解构，将大众与艺术以更为亲和力的治愈方式传递出去。如花是一个很广泛的名词，但是却蕴含着无限的意义与生机。“如”是不生不灭的永生，花是一花一世界的分生”——全球巡展中“如花”的演变，实则是中华文明现代性表达的缩影：它既非对传统的复刻，亦非对西方的迎合，而是在废墟中重生的、具有世界意义的“东方灵性”。

贾伟的全球巡展，恰似一场跨越东西方的“灵性长征”：在巴黎，他将禅宗哲思注入抽象表现主义框架；在大阪，以疗愈美学串联中日战后精神史；在中国，用商业与学术的双翼托举传统重生。这种“全球本土化”策略，不仅证明中国艺术可超越“异域奇观”的刻板印象，更昭示一种未来路径：当文化根脉与普世命题在画布上交融，艺术便成为文明互鉴的星图，指引人类在数字时代重获“诗意栖居”的可能。

展览摒弃封闭白盒子模式，在巴黎大皇宫、大阪世博会等不同国家建筑中，让如花形象与百年穹顶、自然光线对话，呼应“万物如花，自在而开”的野性哲学。目前贾伟先后在北京、上海、广州、成都、武汉、苏州、长春、墨尔本、新加坡等地多次举办“如花”艺术巡展,他希望每一个看到画的人,都能从身心中获得收获。这也是贾伟从自我疗愈到疗愈大众的一个心路历程。