北京
路易丝·乔瓦内利
Louise Giovanelli
1993年生于伦敦，现生活并工作于英国曼彻斯特。她曾就读于法兰克福国立造型艺术学院（Städelschule，2018–20年），师从艾米·希尔曼（Amy Sillman），并于2015年在英国曼彻斯特艺术学院获得学士学位。其个展曾举办于英国曼彻斯特美术馆（2019年）、英国盖茨黑德的Workplace基金会（2019年）、英国沃灵顿博物馆和美术馆（2018年）、英国布莱克浦的格伦迪美术馆（2016年）。乔瓦内利的作品曾在众多机构展出，包括伦敦海沃德美術館（2021年）、阿姆斯特丹AkzoNobel艺术基金会（2021年）以及英国伍斯特的艺术之家（2019年）。
Wager 2021
Louise Giovanelli专访
Q：在一个有着丰富具象绘画历史的国家举办首次个展，你觉得有什么特别的动机或挑战吗？你与荷兰和佛兰芒绘画有什么特别关系吗？
A：北部文艺复兴是我真正痴迷的第一个艺术时期。扬·凡·艾克(Jan Van Eyck)、罗伯特·康宾(Robert Campin)、德尔克·波茨(Dirk Bouts)高度渲染的肖像画是我学习绘画的方式。我最难忘、最重要的一次旅行是去看《根特祭坛画》(Ghent Altarpiece)。这促使一系列朝圣者在现场观看特定的历史绘画，所有这些都是荷兰和佛兰芒画派的一部分。
Be all, end all 2020
Q：这部作品让你产生共鸣的原因是什么?
A：我一直比意大利人更喜欢北方文艺复兴，我想是因为他们使用经验而不是线性视角——强调感觉和感知，而不是测量。此外，他们对颜色和细节的关注也是无与伦比的。
当然，对于任何一个人欣赏的创造性运动，你都会开始深入探究，以发现影响和之前的运动——一次又一次回溯。所以现在我在公元前1200年的某个地方，对拜占庭和文艺复兴时期的原始画家着迷。
Silo 2022
Q：是什么吸引你删除或消除你正在处理的图像的先前含义？这种做法是如何发展的？
A：在我的作品中，我一直在追求叙事的模糊性。重要的是不要透露太多，因为那样画就变成了插图而不是一幅画——这是一个重要的区别，当这种情况发生时，它就失去了力量。让我着迷的画是那些在认识上有差距的画。对我来说，模糊性是支撑一幅画并使其经久不衰的东西。
Altar 2022
Divinis 2022
Q：你的作品是否有一个叙事或共同的主题作为一个整体，就像你在阿姆斯特丹展示的一样?
A：就个人而言，我的作品是叙事的片段。它们一起呈现，形成对话，并在其中出现元叙事。通过这个联想过程，意义同时被形成和消解。
在我的许多作品中，尤其是我最近在格林的展览中，有一种持久的时间感。一个人刚刚错过或即将感知到正在发生的动作的感觉。
Orbiter 2021
Consumer 2022
Q：虽然表面上作品很有具象的现实主义色彩，但实际上你的作品非常注重技巧。你是如何在这两者之间取得平衡的?又是什么促使你的兴趣转向了这种近乎“痴迷”的方式来研究这幅画？
A：对我来说，重要的是，我的作品要传承绘画以前所做的文化贡献。因此，我的技法植根于传统方法。
Prairie 2022
Q：你能详细介绍一下你正在使用的一些技法吗？为什么喜欢这些技法？
A：我用薄薄的一层高度着色的颜料来塑造形体、光线和阴影。我经常在画作表层继续绘画，作为绘画其余部分的草稿。
我被这些技术所吸引，因为它们基于光的核心原理。室内光线的物理性，从涂有底料的画布发出的光线，以及这些光线如何与颜料相互作用。
Surface to air 2022
Marker VI 2019
Q：是的，对光线的强调绝对是渗透在你作品中的东西。你是如何达到如此闪亮的效果的?
A:对于我最明亮的作品，我倾向于在明亮的白色底子上使用单色颜料的薄涂。通过使用最少的优质颜料，你可以创造出真正的彩绘光。与在调色板上混合颜料，然后去应用是不一样的，这会造成了一片死寂。
虽然最近这种死气沉沉的感觉是我有意追求的。例如，在《Criss》的画作中，颜料采用的是直接画法(Alla Prima)，随着时间的推移而建立起来。在这里，我有意追求一种浑浊、模糊的沉闷感——一种颜料的朦胧感。我一直在寻找这样的矛盾。我喜欢紧张的对立力量。
Equator 2022
Q：说到过程，你能告诉我们一些关于带有颜料的碎屑作品，以及以这种方式隐藏图像背后的想法吗？
A：这些是干燥的颜料微粒，我把其他画刮下来，洒在新画的上面。我喜欢这样的想法：一幅画同时被未完成的画作的残余物照亮和遮蔽。这些绘画最终探索了光现象。表面包含整个颜色光谱，并以这样一种方式组合，即当从远处看时，它们相互抵消-合并，并产生柔和的灰色效果。
Criss, 2020
Q：你是第一次展出这种效果的作品吗？
A：我最近在一幅名为《Tenebrae》（熄灯礼拜）的画作中使用了这种技巧，这是我最近在Workplace画廊举办的一场展览的一部分。“Tenebrae”在拉丁语中是黑暗的意思，也是死亡的阴影。我对宗教肖像感兴趣，也对仪式感兴趣。
《Tenebrae》的主要仪式是逐渐熄灭看台上的蜡烛。这会慢慢减少教堂的光线。最后一支蜡烛藏在祭坛后面，最后也熄灭了——让仪式完全黑暗。这种光的中心，它的强度，以及缓慢的模糊校准，从根本上描述了我的绘画方法。
Q：那么你如何将这个概念转化为你的绘画呢？
A：这幅画特别包含了一个模糊的，几乎被漂白的窗帘的图像，在数百个光线碎片后面几乎看不出来。在物质层面上，它包含了我所有作品中最“晦涩”和视觉噪音的部分。正是这种模糊的图像和动荡的物质表面的结合，使它充满了“Tenebrae”仪式的精髓。
Host 2020
Telomere, 2020
Q：新的作品包括覆盖书籍的作品和其他一些重新利用的材料。表面/纹理在多大程度上指导了你的过程?
A：在隔离期间，我在家创作，无法接触到我常用的材料，所以我画了第一幅画。我很高兴能在国内限制之下创作出一系列新的创作。
从纯粹的材料角度来看，画布覆盖的书是完美的现成表面。书的颜色决定了作品的方向。例如，在《Axis》的作品中，封面的黄赭色激发了绘制金发的想法。
Axis, 2020
Q：就像你在实践中经常做的那样，这个展览有两个版本的你画在书封面上的图像。当你重新绘制同样的图像时，你在寻找或希望得到什么样的发现和启示?
A：重复在我的创作中有两种功能——一种实用的学习机制，一种心理和概念的工具。作为一种实用的学习方法，重复是我在一段时间内探索细微差别的一种策略。这是一种类似于升级的方法——有节奏地重复，以检查或确保图像的有效性、质量和功能。作为一种心理装置，它产生了一种神秘、增强现实、时间位移和超常的感觉。刻意的重复也促使观众再看一遍，使缓慢的观察行为本身成为作品的主题。
Hymn, 2021
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