《霹雳》：潘高峰“振聋发聩”的极致

看到潘高峰《霹雳》发布的消息，我首先思考的问题是，这么快就出全新专辑了？毕竟，距离上一张专辑《复古爱情故事》还不足一年时间。在了解到整张专辑仅用四个月时间就全部完成后，我就更加感叹此次作品的急速。

唯有“极致”可以形容。

当然，印象里这并不是潘高峰第一次进行极限操作。我记得他曾经还尝试过10天走过7座城市进行街头巡演。如此说，他是惯常试探自我精力与能力边界的音乐人。我不打算强夸他有多非凡，但我想说，潘高峰这样的音乐人是值得尊敬的。他以专业的态度以及真挚的情感创作出的音乐，足够令我们感受到纯粹与扎实的力量。

对于此，我们可以期待的即是，在追求极致过程中他到底可以达成怎样的惊人效果。

作为个人第四张专辑，《霹雳》可以说是达到了一个峰值，是他创作灵感积蓄到一定程度的集中爆发，也是他各方面技法充分成熟后的释放。所以，整张专辑能够呈示出一气呵成的特点。具体听感层面，专辑《霹雳》是相当劲爽的，亦即“振聋发聩”地彻底。尤其是与此前专辑《复古爱情故事》里的绵柔克制相比，今次的作品极尽外放硬朗。

这可以视作是擅长乐队化音乐跟摇滚风格的潘高峰的本色显现，并且，明显感觉到他仿佛是回到了青春年代，演绎出的音乐都是直接，有活力，紧扣“霹雳”的精神内核。

专辑《霹雳》注定胜在声量与气势。不过它不是肤浅的摇滚乐。“振聋发聩”的响动只是表象，躁动音浪所包裹的是清晰的艺术诉求。我个人觉得，《霹雳》是承载着潘高峰的音乐哲学的。正如“霹雳”所含带的意义，他或许是想通过这张专辑来在华语流行音乐领域制造出颠覆跟突破。或者至少，呈现不一样。

关于这点，我推荐各位首先可以去听专辑收场曲目《艾米丽》。本质上，它可归类于流行抒情歌曲。但在具体呈现时，身为制作人的潘高峰为其设计了独到思路。我感受到的是，歌曲里出现了两个人声平行推进的主线，从而模糊了流行歌曲的传统范式，也就从听感上直观制造出区隔于各位所熟悉的那类抒情歌曲的样态。甚至会让你觉得，这是一首在风格层面难以规定的作品，它显得足够特别。

类似的特别感觉贯穿于整张专辑。专辑同名曲目《霹雳》，前面部分还属于常规Funk音乐，2分50秒左右开始则进入到吉他Solo时段，直至这首时长4分32秒的歌曲结束。说实话，大篇幅采用乐器演奏的歌曲实属少见，而潘高峰恰恰是将此定义为常态，在多首歌曲中都尝试相同的逻辑。

再来谈谈《奈何》这首歌曲，听音乐是非常典型的欧美硬摇滚形态，听歌词却又呈现地道中式诗歌范式。这分明是在进行紧密的中西融合，其核心是要创造出属于我们本土的音乐。相较于纯粹借鉴欧美音乐的做法，它显得更加具备创想性。另外，歌曲《一路的歌》里也有着同样的体验，容纳Blues摇滚与R&B元素的音乐，与之匹配的是诗篇般的歌词文本。我想，潘高峰的思考必然聚焦在打造属于我们自己的流行音乐。

分析完毕以上特质，不难看出创作、制作、演奏等多环节全覆盖的潘高峰，在追求极致的过程中，不仅有坚定大方向，还有具体落脚点：

首先，他似乎是有意识在探索大众流行之外的可能性。听过专辑《霹雳》里特异感的歌曲后或许你会发问，难道就不能收录几首常规化的流行歌曲吗？能，他完全有能力创作出符合大众审美趣味的流行歌曲，此前《错过》、《过客》这类歌曲就是最佳证明。

但在此次专辑里，他应该是要在“应该做什么”和“想做什么”里选择后者。彻底地按照自我的理解与需求实施音乐创作，目的鲜明地窄化音乐受众，简单讲就是，专门为真正愿意沉下心体味其中奥妙的听者而创作。公允来说，专辑里歌曲都不能算作是瞬刻“抓耳”，但只要进入到其中的氛围中，总能够发现巧妙记忆点。比如歌曲《作祟》，歌词特别抽象写意，为恰到好处呼应这种文字调性，歌曲选择了暧昧味与怀旧感的音色，仅是从听觉就能够体味到文艺气息。再比如歌曲《Let’s Dance》，标准的Funk音乐，将“跳舞感觉”最大化，以最见效的律动触发我们的舞动神经，再以极富场面感的乐队来烘托跳舞场景。带你我领略到经典音乐的时代魅力。

坚持个人风格化是有价值的，潘高峰的努力会在我们反复欣赏之后得到兑现，真正高质量的作品，会有“以小见大”的格局：在某种垂直风格领域中深挖音乐的美感，以及，通过基于个体经历的讲述来探讨与更大世界的互动。

其次，专辑《霹雳》在回归现场。强化乐队形态，增加演奏比重，鼓励即兴表达，诸如此类思路都是在增益现场感。拥有丰富舞台表演经历的潘高峰，当然清楚知道，现场才是音乐最具生命力的地方。

所以，在录音室作品里他也不忘积极实现临场意味，无论曲风怎样转换，不变的都是对于Live声场的强调。这样的音乐优在充满动态，不只是音乐行进中的起伏变化，还有贴合现场演出时的开放性。特别是乐器演奏部分的留白空间，既能够让我们全身心沉浸在音乐中，用身体去感知音乐。还可以不断扩散思绪，去进行关联与想象。这对于歌曲主题的表达是有帮助的，增强了歌曲的内容纵深。

今番专辑《霹雳》里针对现场感的重视，同时还做到了兼顾。我说的是，现场感很容易落入到刻意技术展示的套路里，潘高峰的出众表现在，技术上乘的基底之上是他的感性在充分施展。也就是，达成了技术与情感的自洽平衡。诸如《一路的歌》、《做梦》、《笨鸟》、《艾米丽》等歌曲就具备显著的诗性，承载着潘高峰的细腻跟敏感。

正是在理性与感性的精准配比中，他显露出“音乐诗人”的属性。

最后，落脚于本土。我在听《做梦》这首歌曲时大有重回“摩城之音”的梦幻感觉，音乐尽展复古欧美风味。但你不会就此将其当为遵从欧美流行条框的作品，因为里面始终都有中文气质贯穿，特别是潘高峰的作词，通过文字韵脚的设计跟语句长度编排，来整体塑造出东方特色意境。其实几乎每首歌曲都处于中西元素互动碰撞的模式，本质上是要最终彰显本土的无限生气。

给我的感觉是，专辑里歌曲均是先有的词，也就是创作完全是围绕着如诗一般的歌词文本进行，目的自然是为保存住中文的韵味。

从这个意义上讲，比音乐元素多元Fusion更重要的是，专辑《霹雳》在探寻中文流行音乐气质极致化方面的成功。

就潘高峰个人而言，这可以是程碑式的作品，见证了他在向才情兼具的音乐人迈开坚实步伐。在具体歌曲里，鲜活且生动。坚持创作，坚持创新的他，将对于音乐的定位，对于技术的思考，以及对于生活的感悟都完满表达。

“真实、成长、初心、希望、思索、诗意、坚持，都在《霹雳》之中”，这句话确实不假。