原创 毒Sir Sir电影
Sir之前说过了。
2020年关于电影，最沉重的遗憾之一。
第一次没有在大银幕看它。
机会来了——
《1917》
8月7日即将上映。
优秀程度不必多言。
奥斯卡十项提名，颁奖季最大赢家之一。
最终斩获三个奖项，都与技术有关：“最佳视觉效果”、“最佳摄影”、“最佳混音”。
直接表态：
豆瓣8.5，低了。
主要原因，大部分网友跟Sir一样，是在电脑上看它的。
但Sir今天要郑重澄清——
电影院，才是《1917》主场。
01
许多人会混淆一个概念，“大片”。
特效炫，动作爆，画面炸，当然要去巨幕看，最好是IMAX。
但大片不仅有这一种。
更高级的大，在密度。
信息量的庞大，情感的充沛，细节的丰盈，才真正体现大银幕的魔力。
《1917》的故事就为银幕而生。
主题，极端宏大。
一战，英语常用：the great war。
“great（伟大）”格外刺眼。
——这是场让人类自己都惊讶的“作死”。
比起二战的万众一心反法西斯。
一战甚至都懒得找个理由惺惺作态，只是纯粹在探索人类作恶的极限。
的确做到了：
它被誉为“终结了一切战争的战争”。
事实证明，终结不只有战争。
更是代表人类文明的所有光亮——
伟大，勇气，正义，信念，以及人性。
这样的背景下。
《1917》选择的切点，极端微小。
两个小兵，新兵。
一战期间，英德对峙前线。
新兵蛋子布雷克和斯科菲尔德，受命徒步14公里去前线，传达命令，叫停进攻计划。
可他们真的“小”吗？
任务背后，是前线两个营——包括布莱克的兄长在内——整整1600条士兵的性命。
此后，视角就跟随他俩，穿越整条战线，从后方，到前线。
“大”与“小”的不断错位，反复研磨。
最终倾泻出让你不忍直视的情绪——
绝望。
本片最大的疑点之一。
1600条士兵的性命，为什么只派两个人去？
没有人认为任务可行。
去，几乎必死无疑。
甚至将军派他俩的理由，也用谚语代替说不出口的话。
下到地狱，上至王座
孑然独行之人速度最快
成或败，都不过孑然独行（两个炮灰）。
采访中主创还透露一场被删减的戏份：
将军给两个男孩下达任务时，勤务兵铺开了一张白色亚麻桌布，以便让长官能够轻松享受下午茶。
科林·费斯（将军扮演者）：军方对这两个年轻人的漠视是显然易见的，（以至于）我们不需要用这场戏再去强调这一点。
更加腹黑一点：
将军眼里，不仅两个新兵不重要。
前线1600人，都不重要。
这才能解释他安排任务的逻辑。
这是在说将军没人性？
不，这恰恰影射更大范围的“人性”。
毕竟。
对于经历过曾经一天冲锋就能死掉6万人的战场（索姆河战役）的指挥官。
1600条人命，无法挑起一人的良心。
片尾，卷福扮演的前线军官的愤怒更是验证了这种绝望情绪的来由：
希望是一种危险的东西
现在下命令撤退
下周又会传达不同的命令
结束这场战斗只有一个办法
战斗到最后一口气
这才是大片该有的张力。
故事上，它从绝境中渗透出巨大的颠覆——
希望，怎么会危险？
死亡，怎么是解脱？
视觉上，它让你脸贴脸地凝望颠覆的过程。
每一个微表情。
一次吞吐台词时的停顿。
一束地道中的微光，一枚炮弹扬起的泥土，以及后续画外音里一阵痛苦的嚎叫。
甚至，仅仅一段死里逃生后的放空。
这才是真正意义上的大片。
它让你在120分钟内体验一次陌生的生命。
02
聊《1917》，避不开它的最大噱头：一镜到底。
无论故事多么震撼。
它始终是一部影像优先的电影。
有人说它在炫技。
如果你只在手机，平板，电脑上看，它是。
华而不实，视角封闭，被镜头晃得头晕目眩。
更别说，这个炫技在采访中也被证实，只是通过巧妙方式剪切镜头达成的“伪一镜到底”。
然而。
导演萨姆·门德斯和摄影罗杰·迪金斯花了这么大工夫搞，有且只有一个目的。
给到足够的沉浸感。
按照导演的想法：
战争live。
有多沉浸？
一个例子，尾行视角。
想象一下，当灯光熄灭，眼前的银幕缓缓亮起。
伴随着摇晃的镜头，观众跟着主人公一起穿梭在真实的战壕，巷道。
走过被火炮蹂躏的战场。
那晃动的幅度，就像……
你在跟着他走。
你必须跟着他匍匐。
穿过铁丝网时，被挂在铁丝网上的尸体的残肢烂肉吓到。
连反应都会和主演神同步。
随着战斗打响，主角们奔跑，镜头也一路追随，晃动加快，紧张氛围上升几个量级。
伴随着炮弹的啸叫，远处的枪声与主人公的喘息与心跳。
每一个观众，都仿佛是一名普通的士兵，密闭的电影院也成为战场的一部分。
就像第一人称的电子游戏。
然而主演查普曼（布雷克饰演者）如此解释《1917》与电子游戏的区别：
在那种游戏里，你是能够掌控时态的，但在这部电影里，你并不拥有这种掌控力。
这就是为什么它看起来如此可怕的原因：你逃不掉。
被动，才是享受沉浸的正确姿势。
此外。
还有特效无法营造出的节奏感。
以静写动。
随着主角前进，用各种特写展现行进道路上的战场。
遇到死马——
镜头咯噔，向上避开。
遇到老鼠——
镜头一摇，像被吓到。
穿过河面，穿过肿胀的浮尸时。
镜头移动缓慢，堵住了。
中远景，细节更让人眩晕。
前线被炮火炸到泥泞不堪的道路。
敌军撤退后，留下了遍布弹壳的武器坟场。
以及由于战争，弥漫着硝烟的荒寂大平原。
一切都在不断增强观众的感触：
你在穿越一块真实的战场。
随着时间变化，这种战场奇观会在某一瞬间，散发出超过普通观众想象的壮丽。
照明弹划破夜空，被摧毁的小镇废墟，在阴影中若隐若现。
活脱脱一幕文明废墟，人间地狱。
夜间战斗，废墟中的主人公在惊慌失措中疲于奔命。
伴随着鼓点和交响乐，给观众最大的紧张刺激。
Sir心中全片最佳一幕。
好不容易逃避追击后，主人公穿过一条隧道。
尽头的火光照亮着方向。
他缓缓走出，视野拉开。
眼前，是一座正在燃烧的楼宇。
窗户中的通天火光、形若十字架的喷泉、拿着枪喘着气茫然无措的年轻士兵。
仿若一幅十九世纪的宗教壁画。
这些动图很震撼？
Sir可以负责任地告诉你——
比不上大银幕冲击的10%。
03
如果让Sir总结：
《1917》线下看，只是一部质量上乘的故事片。
影院看，是艺术品。
光影背后，是匠人反复为之雕琢的质感。
许多人知道，萨姆·门德斯是电影导演兼编剧。
但很少人知道，他还拥有长达15年的话剧舞台经历。
开拍前，整个剧组陪他整整“排练”了24周。
布景陈设，服化道，灯光、摄影，录音，以及演员每一次走位和动作……
每一环必须严丝合缝。
一处错，全部重来。
在某种程度上，《1917》就是一部升维版巨型舞台剧。
普通舞台剧不需要镜头和视角切换。
可电影中，为了达到舞台效果，让场景的长度与移动距离同步。
怎么做到？
导演反其道而行之。
先一步步反复排练，修改，设计好了要拍摄的角度和转场方式。
然后再以此安排电影的布景。
从前，演员是舞台上的主角。
在这里，摄影机是唯一C位。
演员是活物，可以调教，沟通。
这C位可不好伺候。
摄影师必须扛着它穿越每个角落——
被钢索吊起，坐车扛着摄影机横穿几百米。
甚至，先跑步，再被吊，然后坐车，下车继续跑……
它的走位，又要光源配合——
废墟小镇，照明弹映射天空那一幕。
为了计算照明弹的时间，摸清楚阴影反馈，他们甚至制作了一个模型用来模拟。
把光从窗户中照射进来，光在地面上移动一一区分开来，分析不同的阴影效果。
寻找最佳的拍摄角度。
这么累干嘛呢？
摄影师罗杰·迪金斯在采访中坦言：
我希望这部电影能够吸引那些在电子游戏中成长的年轻一代，因为影像能够更令人身临其境。
简而言之，主创对《1917》的期待是划时代的。
效果见仁见智。
他们付出的努力，就是为尽量对得起自己吹的牛逼。
按照一战时的英军手册，完整地挖出了一条长达一英里的战壕。
最终呈现的样子，和真实的一战几乎没有区别。
还有更变态的——
剧组在片场自己种了一片樱桃树。
是为了拍它？
是为了砍掉它。
因为那句台词就这样写的：
他们把树都砍了
我们总说一句话。
“电影是造梦的艺术。”
有点悬了。
Sir写了这么多年影评，觉得电影这东西其实挺公平的。
创作者流下多少血汗，掏空多少自己，付出多大代价……
观众，就会给你多少信任。
为什么Sir一直希望在大银幕，IMAX看一次《1917》。
很简单。
这是一部值得你投入100%的作品。
本文图片来自网络
编辑助理：吉尔莫的陀螺
原标题：《豆瓣26万人在等的大片，明天无删减上》
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