【人物访谈】赵思弘 | 2026留声机国际音乐比赛管乐组评审、上海歌剧院交响乐团巴松首席

赵思弘 青年巴松演奏家、上海歌剧院交响乐团巴松首席

个人简介：

赵思弘

青年巴松演奏家、上海歌剧院交响乐团巴松首席、苏州交响乐团巴松客席首席、作为卓越的巴松独奏、室内乐、交响乐的三栖演奏者，赵思弘对巴松演奏有着丰富的经验以及独到的见解。

赵思弘曾多次登台上海交响乐团音乐厅、上海音乐厅、上海音乐学院举办个人独奏音乐会与协奏曲音乐会，作为独奏家与诸多乐团有过成功的合作。他同样活跃于室内乐舞台，曾受邀与柏林爱乐“双簧管皇帝”谢伦伯格（Hansjorg Schellenberger）、单簧管首席奥登萨默（Andreas Ottensamer）；北德广播长笛首席沃夫冈·里特（Wolfgang Ritter）、双簧管首席卡列夫·库尤斯（Kalev Kuljus）；巴黎管弦长笛首席文森·卢卡（Vincent Lucas）、单簧管首席费利佩·贝罗得（Philippe Berrod）等艺术家携手演绎室内乐音乐会。乐队方面，他在交响乐和歌剧作品演奏中有着深刻的理解，曾作为客席首席加入国家大剧院管弦乐团、苏州交响乐团、海峡交响乐团等，合作过的指挥家与独奏家有艾申巴赫（Christoph Eschenbach）、梵志登（Jaap van Zweden）、迪图瓦（Charles Dutoit）、余隆、张国勇、吕嘉、许忠、郎朗、阿格里奇（Martha Argerich）、齐默尔曼（Frank Zimmerman）等。他曾随团登上琉森音乐节、BBC逍遥音乐节等世界顶级音乐节舞台，并作为乐队演奏家参与多张德意志留声机唱片的灌录，演出足迹遍布世界各地。

赵思弘先后毕业于上音附中、上海音乐学院、上海乐队学院，获全额奖学金与演奏家文凭，并于其间公派至美国茱莉亚学院交流学习。先后师从于宋志宏教授、上海交响乐团巴松首席成敏、茱莉亚音乐学院巴松教授、纽约爱乐乐团巴松首席茱蒂丝·勒克莱尔(Judith LeClair)等。由纽约爱乐乐团和茱莉亚学院的资深演奏家们组成的评委团曾这样评价：“作为一名青年演奏家，赵思弘有着如此成熟的演奏技法、细腻的表达和丰富的舞台经验，他可以在世界上任何一个乐团获得他感兴趣的职位。”

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，赵思弘简称A）

Q ：巴松在交响乐作品中，时而担任旋律主角，时而承担低音铺垫，您如何理解巴松在交响织体里的角色转换？

A：角色转换的核心就是两件事：力度和音色。独奏时要放得开，声音要集中、有穿透力；伴奏时则要主动“收”，让声音融进和声里，不能冒出来。在交响乐团里，这种身份转换随时都在发生——可能上一句你是主角，下一句就变成了背景。所以演奏者必须清楚每一句的性质：从哪里开始是旋律，从哪里开始是伴奏，是一个人solo还是整个声部，都需要在声音上做出明确的区分，让观众不用看也能听出来“现在该听谁”。这是乐团演奏的基本功。

Q ：作为独奏家举办过多场独奏、协奏曲音乐会，同时深耕乐团，在您看来，独奏演奏能力如何反哺乐队里的声部表现？

A：独奏能力对乐队演奏最大的帮助，在于表现力、技术和舞台气场三方面的积累。乐队片段中经常需要独奏般的表现力，但同时你又要学会和指挥、和其他声部“合”在一起，不能只顾自己出彩。所以说，乐队片段的演奏要求其实比独奏更细腻、更苛刻——技术上未必比独奏难，但对听觉、配合、整体意识的要求更高。而这些能力，恰恰是在独奏训练中打下的基础。你独奏时积累的控制力和听辨能力，会让你在乐队里更清楚自己该做什么、做到什么程度。

Q:您和谢伦伯格、奥登萨默、Vincent Lucas等一大批国际顶尖管乐大师合作室内乐，和这些艺术家同台，最大的收获是什么？

A：跟他们一起演奏时，最强烈的感受就是音乐一直在向前流动，永远不会停。即便是休止符，也不会让你有一秒钟脱离音乐。从曲子开始到结束，甚至乐章之间，你都能感觉到他们在时刻推动音乐往前走，脑子里没有任何杂念。

当然，这并不是说他们不在乎失误。音准、节奏、技术这些硬功夫，他们在台下对自己极其严苛，容不得半点马虎。但到了台上，一旦出现小瑕疵，他们完全不会让这些影响到音乐的表达。

所以总结下来，最大的收获就是一句话：台下极尽严苛，台上极其纯粹。 这也让我更清楚，该如何对待自己的练习和演奏。

Q ：很多听众对巴松的印象偏向诙谐低沉，但是它同样拥有非常抒情歌唱性的音色，您会如何向大众诠释巴松这件乐器多元的表现力？

A ：巴松这件乐器很长、很大，操控起来很不容易。从呼吸到嘴唇到哨片到整个管身，任何一个环节出了问题，声音就不对。但当你真正驾驭了它，你会发现它的表现力远不止“诙谐低沉”那么简单。

它可以有低沉的嗓音，也可以在中音区发出一种类似“烟嗓”的独特质感——那是乐器充分振动时才会有的声音，有厚度、有磁性。

在我的独奏会上，我喜欢演奏不同风格的曲目。比如多尼采蒂歌剧《爱之甘醇》里那首著名的咏叹调《偷洒一滴泪》，原本是男高音唱的，用巴松来演奏，等于换了一个声部，完全是另一种味道。而像《自由探戈》，巴松又能变成一种拉丁风格的花腔男中音，奔放又充满节奏感。这些作品需要极强的气息和对乐器的绝对掌控，但当你真的把它们拿下来的时候，巴松的声音本身就能让人着迷。

Q ：作为留声机国际音乐比赛管乐组评委，您评审时主要关注哪几个核心维度，技术完成度、音准、音色、音乐诠释之间如何权衡？

A ：这几个维度在实际评审中确实需要有一个清晰的层次，而不是并列地去看待每一项。

排在最前面、也是最核心的，永远是音乐表现力。在多次赛事中担任评委的经历中，以及与同行交流的过程中，我发现大家的判断标准高度一致——当一个极具音乐感染力的人出现时，所有人都会眼前一亮，那才是真正能打动人心的时刻。

其次是音色。一个出挑的音色，是最直接、最能抓住耳朵的印象，它反映了一个演奏者对乐器的掌控力和对声音的审美意识。

至于技术完成度是否完美，在我看来是可遇而不可求的。即便是世界顶级大师的现场演出，也难免会有瑕疵。只要选手选择的曲目没有超出自身能力太多，评委通常不会把个别失误看得过重。

但比赛终究是比赛。当多位选手在音乐表现力和音色上难分伯仲时，最终的决定因素往往还是会落到技术完成度上——谁更干净、谁失误更少，这成了不得不做的选择，也是音乐竞技中无法绕开的现实。

说到底，音乐表现力始终是最重要的呈现目标。而音色、音准、技术，是支撑你达成这个目标的硬性条件——它们是地基，而不会是天花板。

Q ：面对参加留声机国际音乐比赛的广大巴松与管乐青少年选手，您最想分享怎样的学习与参赛寄语？

A ：我想对每一位即将站上留声机国际音乐比赛舞台的管乐选手说：

请试着去享受那个属于你的舞台。对于每一位乐器演奏者而言，聚光灯下的时刻，才是最值得珍惜的时光。在那短短几分钟里，我希望你们能卸下功利心与紧张感，用最简单、最专注的方式，去演奏你们真正热爱的旋律，去表达你们内心最真实的声音。

都说台上一分钟，台下十年功。你们为此付出的所有努力，都值得被看见。拿奖当然值得追求，但更重要的是——你们站在那里的那一刻，已经是在为自己的热爱全力以赴。请相信，当你真心投入，当你沉浸其中，那份真挚的感染力，一定会被听到，也一定会被感受到。

愿你们热爱舞台，享受舞台，在留声机国际音乐比赛中，绽放属于你们的光芒，收获无愧于自己的成绩。