北京
王纪宴
歌剧《奥赛罗》剧照。 资料图片
前不久，中央歌剧院新创歌剧《奥赛罗》与观众见面。这部歌剧是意大利作曲家威尔第的名作，整场演出显示出中央歌剧院在歌剧制作上的深厚积累与过硬实力，堪称中国艺术家对歌剧保留剧目的一次高水准呈现。
经典歌剧的每一次复排，人们的关注点首先会聚焦在舞台呈现和舞美风格上。这次，歌剧《奥赛罗》秉持写实主义创作理念，舞美尽量贴合剧情所处的年代和地域，甚至没有引入歌剧创作常见的象征手法。音乐阐释也持同样的理念，体现出对经典的尊重。
对于任何一部歌剧而言，演唱阵容、乐团演奏与指挥表现决定着演出的艺术水准。主角奥赛罗的两位饰演者男高音李爽和00后蒋立章，前者角色塑造更具沧桑感，后者演唱和表演风格更加外在，他们以各自对角色独辟蹊径的理解打动了现场观众。从第一幕中的胜利而归、意气风发，到唱出“神啊，你怎能让我蒙羞”时无法摆脱的怀疑，再到因嫉妒被折磨得濒临崩溃，观众跟随剧情发展看到奥赛罗如何一步步失去理智，走向毁灭。临近终场，悔恨交加的奥赛罗悲叹“再不必惧怕我”并且挥剑自刎，倒在了黛丝苔蒙娜身旁。这是对人物内心世界探幽式的深入剖析，展现出属于歌剧艺术的独特魅力，让人不禁想到当代戏剧导演西蒙·斯通所说：“歌剧最让人着迷的地方在于，面对人类所处的外部自然情境与内心情感之间所形成的张力，我们能够通过音乐和歌唱直接进入其中。”饰演黛丝苔蒙娜的两位女高音同样令人印象深刻，陈艺宝在美声唱法的圆润声线之外，以强烈的戏剧爆发力赋予角色更多立体感；郝菲在著名唱段“杨柳之歌”中如泣如诉的表演，让观众对角色的不幸给予更多同情。
英国诗人、评论家柯勒律治曾分析莎士比亚原著《奥赛罗》中的反派人物伊阿古，说其种种行为是出于“无动机的恶意”，文学的留白赋予角色以极大的阐释空间。然而，舞台艺术受制于时空的即时性，往往必须更直接地剖白人心。因此在歌剧中，反派人物亚戈(即伊阿古)一手“导演”的悲剧，被视作源自他内心深处的嫉妒，那种认定自己遭受不公正对待而不择手段报复的阴暗之心。两位男中音声情并茂的表演，以逐渐强化的力度让观众感受到反派人物的内心变化。
指挥杨洋与中央歌剧院管弦乐团的倾情投入，再加上中央歌剧院剧场的出色声效，赋予歌剧《奥赛罗》强烈的音乐感染力。如黛丝苔蒙娜的“杨柳之歌”结束后，小提琴在高音区的弱奏，透出一种极具美感的缥缈光泽，这也成为剧中人彼时心境的生动写照。但整体而言，《奥赛罗》还是有些美中不足。大幕开启之前设计了暴风雨的声效和影像，这种“非歌剧化”的处理手法，让乐团的演奏受到一定遮蔽和削弱。威尔第音乐对大自然的描摹，其实并不需要“添加”额外声效加以提升。全剧结束前，舞台上奥赛罗与黛丝苔蒙娜已无声息，而管弦乐的悲戚和弦还在继续，此时大幕落下，一部分观众习惯性地鼓起了掌，这提前到来的掌声，在某种程度上也影响到这部歌剧的完整呈现。
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