舞台之上，不止于“景 ”

本报记者 祝 静一部戏首演落幕，掌声渐息，舞台上的布景何去何从？是被拆解封存、从此沉睡于仓库，还是随剧目一起“活”下去，在一次次复演、巡演中持续散发艺术生命力？这看似是行业的日常问题，实则指向了舞台美术在当代戏剧生产中的角色之变。7月2日，由中国艺术研究院话剧研究所、国家大剧院台湖舞美艺术中心共同主办的“戏剧高质量发展背景下剧目生产与舞美创新转型研讨会”上，近80位专家学者围绕一个核心命题展开讨论：当《戏剧振兴三年行动计划（2026—2028年）》对剧目创作、演出和传播质量提出更高要求，舞台美术究竟该在其中扮演怎样的角色？上传中点击输入图片描述（最多30字）图片由AI生成。舞美设计，早已不是“背景板”“没有舞台美术，就没有戏剧。”中国艺术研究院话剧研究所所长、研究员陈曦在致辞中引用现代戏剧大师曹禺先生的话点明主旨。在今天的戏剧生产中，这句话有了新的注脚——现代舞美设计早已超越仅仅作为背景装饰的功能，而成为戏剧表意不可分割的有机体。中央戏剧学院舞台美术系教授刘杏林用欧洲当代剧场的案例佐证了这一行业转型趋势。他指出，百年来舞美设计完成了革新，逐渐从按照剧本提示描绘地点的被动模式，转向从剧本内涵和导演、设计者对文本的理解出发。“舞台景物不是静止的视觉陈设，而应在演员行动、空间变化和观众感受中生成意义。”刘杏林说。他同时以俄罗斯圣彼得堡小剧院—欧洲剧院推出的契诃夫名作《海鸥》为例，该剧导演列夫·朵金与舞美设计师亚历山大·博罗夫斯基长期合作，他们的舞美设计并不逐幕复制剧本中的客厅、花园和湖岸，而是以高度集中的空间形式概括整部作品。整部剧仅用7只真实的小船作为全部舞美元素，摒弃传统写实布景。小船随剧情变换意象，隐喻人物的疏离关系与命运动荡，极简媒介承载起厚重的精神内核。这一观点得到广泛认同。国家大剧院原舞美总监、一级舞美设计师高广健进一步提出，驻场创作与巡演制作应采取不同的舞美策略，因地制宜才是务实之道。中国艺术研究院文学艺术院副院长、一级舞美设计师姜浩扬强调，舞美评价不能只看体量和视觉冲击，还要考察其与剧种特点、演员行动和后续传播是否匹配。北京市曲剧团党总支书记、董事长兼总经理戴兵则从院团运营出发直言，创作前期就应统筹艺术品质、制作投入与市场承受能力，不能等到首演后再被动调整。舞美创新，不等于技术叠加随着人工智能、数字影像、智能机械等新技术以前所未有的速度涌入剧场，舞美数字化创新成为行业热潮。但跟风堆砌技术、盲目追求视觉震撼的乱象也随之出现，一些剧目陷入“重形式、轻内容，重特效、轻内涵”的创作误区。对此，与会专家一致认为，舞美创新不能简单等同于技术叠加，技术是辅助手段，艺术表达与行业实效才是根本。中国艺术研究院话剧研究所副研究员赵红帆指出，当下舞美评价不能只看首演效果，还要将复演便捷性、不同剧场适配性、巡演质量稳定性、全流程资料可管理性等维度纳入考量。“数字预演、人工智能、机械控制和影像技术可以提升方案生成与空间预判效率，但无法替代材料选择、装台规划、运输仓储、安全校验等实体生产环节。”赵红帆说。天津舞台科学技术研究所原所长、国家剧院标准委员会委员张金玉则提出，舞美发展需从单纯“搭景”，升级为融合文化资源、空间建构、工程技术与项目运营的“造境”，让技术真正服务于戏剧内核与长效传播。国家大剧院一级舞美设计师赵晓宇从操作层面补充，应明确创意设计与制景技术深化之间的职责边界，由专业技术团队承担方案深化和制作转化，避免因权责不清造成过度制景和资源浪费。培养复合型舞美人才舞美创新转型、剧目高质量发展，根基在于人才。当下行业转型提速，传统舞美人才培养模式的短板日益凸显，单一型技术、设计人才已无法适配全链条创作运营需求，复合型舞美人才缺口持续扩大。北京舞蹈学院舞台美术系主任、教授任冬生有着30余年从业经验。他观察到，当下一些舞台制景中常出现到合成阶段才发现尺寸不符、机械噪声过大等问题，根源在于从业者忽视了舞台制景在整个动态演出系统中的核心角色。“舞台设计和制景的决策，会牵动导演调度、演员身体、灯光表现、技术实施、制作周期和预算结构等。舞台制景从来不是一个孤立的后端环节，而是整个舞台系统中的重要部分。”任冬生说，他主张培养复合型舞美人才——兼具空间设计能力、艺术感知力、工程理性思维与协作能力。张金玉则从教育层面补充了一个常被忽视的维度，舞美教育不能只训练绘图、模型和软件操作。“学生还需要积累文学、历史、哲学、民俗和社会观察，培养对项目和环境的判断力。”他进一步提出，舞美人员应当有能力提出项目、组织资源、判断技术路径，而不只是等待别人完成创意后再负责制作。人才培养之外，剧目生产机制同样是研讨焦点。国家大剧院艺术创作中心副主任关渤结合实践，梳理了剧目从策划到归档的完整流程，指出剧目创作不是某个部门的单项工作，而是由艺术定位、资源配置、舞台实现和长期积累共同构成的综合体系。中国艺术研究院话剧研究所副所长、研究员毛夫国则提醒：“国家艺术院团的经验可以借鉴，但地方院团在资金、人才和运营条件上的差异，仍需分类研究。”当来自理论研究、舞美创作、院团管理等领域的各方围坐在一起，他们共同追问的，不仅是“舞台怎么更好看”，更是“好作品如何更长久地‘活’着”。与会专家达成共识：戏剧高质量发展不止于首演的视觉惊艳，更在于作品长期复演、稳定传播与长效沉淀。未来舞美创新需摒弃装饰思维与技术执念，以内容为核心、以人才为根基、以全周期运营为导向，让舞台美术真正成为赋能戏剧传承创新、助力戏剧振兴的核心力量。 ”

本报记者 祝 静

一部戏首演落幕，掌声渐息，舞台上的布景何去何从？是被拆解封存、从此沉睡于仓库，还是随剧目一起“活”下去，在一次次复演、巡演中持续散发艺术生命力？这看似是行业的日常问题，实则指向了舞台美术在当代戏剧生产中的角色之变。

7月2日，由中国艺术研究院话剧研究所、国家大剧院台湖舞美艺术中心共同主办的“戏剧高质量发展背景下剧目生产与舞美创新转型研讨会”上，近80位专家学者围绕一个核心命题展开讨论：当《戏剧振兴三年行动计划（2026—2028年）》对剧目创作、演出和传播质量提出更高要求，舞台美术究竟该在其中扮演怎样的角色？

图片由AI生成。

舞美设计，早已不是“背景板”

“没有舞台美术，就没有戏剧。”中国艺术研究院话剧研究所所长、研究员陈曦在致辞中引用现代戏剧大师曹禺先生的话点明主旨。在今天的戏剧生产中，这句话有了新的注脚——现代舞美设计早已超越仅仅作为背景装饰的功能，而成为戏剧表意不可分割的有机体。

中央戏剧学院舞台美术系教授刘杏林用欧洲当代剧场的案例佐证了这一行业转型趋势。他指出，百年来舞美设计完成了革新，逐渐从按照剧本提示描绘地点的被动模式，转向从剧本内涵和导演、设计者对文本的理解出发。“舞台景物不是静止的视觉陈设，而应在演员行动、空间变化和观众感受中生成意义。”刘杏林说。

他同时以俄罗斯圣彼得堡小剧院—欧洲剧院推出的契诃夫名作《海鸥》为例，该剧导演列夫·朵金与舞美设计师亚历山大·博罗夫斯基长期合作，他们的舞美设计并不逐幕复制剧本中的客厅、花园和湖岸，而是以高度集中的空间形式概括整部作品。整部剧仅用7只真实的小船作为全部舞美元素，摒弃传统写实布景。小船随剧情变换意象，隐喻人物的疏离关系与命运动荡，极简媒介承载起厚重的精神内核。

这一观点得到广泛认同。国家大剧院原舞美总监、一级舞美设计师高广健进一步提出，驻场创作与巡演制作应采取不同的舞美策略，因地制宜才是务实之道。中国艺术研究院文学艺术院副院长、一级舞美设计师姜浩扬强调，舞美评价不能只看体量和视觉冲击，还要考察其与剧种特点、演员行动和后续传播是否匹配。北京市曲剧团党总支书记、董事长兼总经理戴兵则从院团运营出发直言，创作前期就应统筹艺术品质、制作投入与市场承受能力，不能等到首演后再被动调整。

舞美创新，不等于技术叠加

随着人工智能、数字影像、智能机械等新技术以前所未有的速度涌入剧场，舞美数字化创新成为行业热潮。但跟风堆砌技术、盲目追求视觉震撼的乱象也随之出现，一些剧目陷入“重形式、轻内容，重特效、轻内涵”的创作误区。对此，与会专家一致认为，舞美创新不能简单等同于技术叠加，技术是辅助手段，艺术表达与行业实效才是根本。

中国艺术研究院话剧研究所副研究员赵红帆指出，当下舞美评价不能只看首演效果，还要将复演便捷性、不同剧场适配性、巡演质量稳定性、全流程资料可管理性等维度纳入考量。“数字预演、人工智能、机械控制和影像技术可以提升方案生成与空间预判效率，但无法替代材料选择、装台规划、运输仓储、安全校验等实体生产环节。”赵红帆说。

天津舞台科学技术研究所原所长、国家剧院标准委员会委员张金玉则提出，舞美发展需从单纯“搭景”，升级为融合文化资源、空间建构、工程技术与项目运营的“造境”，让技术真正服务于戏剧内核与长效传播。国家大剧院一级舞美设计师赵晓宇从操作层面补充，应明确创意设计与制景技术深化之间的职责边界，由专业技术团队承担方案深化和制作转化，避免因权责不清造成过度制景和资源浪费。

培养复合型舞美人才

舞美创新转型、剧目高质量发展，根基在于人才。当下行业转型提速，传统舞美人才培养模式的短板日益凸显，单一型技术、设计人才已无法适配全链条创作运营需求，复合型舞美人才缺口持续扩大。

北京舞蹈学院舞台美术系主任、教授任冬生有着30余年从业经验。他观察到，当下一些舞台制景中常出现到合成阶段才发现尺寸不符、机械噪声过大等问题，根源在于从业者忽视了舞台制景在整个动态演出系统中的核心角色。“舞台设计和制景的决策，会牵动导演调度、演员身体、灯光表现、技术实施、制作周期和预算结构等。舞台制景从来不是一个孤立的后端环节，而是整个舞台系统中的重要部分。”任冬生说，他主张培养复合型舞美人才——兼具空间设计能力、艺术感知力、工程理性思维与协作能力。

张金玉则从教育层面补充了一个常被忽视的维度，舞美教育不能只训练绘图、模型和软件操作。“学生还需要积累文学、历史、哲学、民俗和社会观察，培养对项目和环境的判断力。”他进一步提出，舞美人员应当有能力提出项目、组织资源、判断技术路径，而不只是等待别人完成创意后再负责制作。

人才培养之外，剧目生产机制同样是研讨焦点。国家大剧院艺术创作中心副主任关渤结合实践，梳理了剧目从策划到归档的完整流程，指出剧目创作不是某个部门的单项工作，而是由艺术定位、资源配置、舞台实现和长期积累共同构成的综合体系。中国艺术研究院话剧研究所副所长、研究员毛夫国则提醒：“国家艺术院团的经验可以借鉴，但地方院团在资金、人才和运营条件上的差异，仍需分类研究。”

当来自理论研究、舞美创作、院团管理等领域的各方围坐在一起，他们共同追问的，不仅是“舞台怎么更好看”，更是“好作品如何更长久地‘活’着”。与会专家达成共识：戏剧高质量发展不止于首演的视觉惊艳，更在于作品长期复演、稳定传播与长效沉淀。未来舞美创新需摒弃装饰思维与技术执念，以内容为核心、以人才为根基、以全周期运营为导向，让舞台美术真正成为赋能戏剧传承创新、助力戏剧振兴的核心力量。