YANG ·上海｜《质·象》当代艺术展 2026

YANG GALLERY欣然宣布上海新空间正式落址于上海黄浦区虎丘路27号2F07。新空间位于外滩源历史文化街区核心地带，这一汇聚国际画廊、艺术机构与文化地标的区域，近年来已逐渐发展成为中国最具活力与国际影响力的当代艺术聚集区之一。

　　作为一家创立于新加坡并长期活跃于当代艺术市场的国际画廊，我们将继续秉持国际化视野与专业精神，致力于推动当代艺术文化交流与全球对话合作并竭力为艺术收藏家提供最优质的收藏体验。

　　上海空间的成立，标志着画廊进一步深化其在亚洲重要文化中心的布局。虎丘路作为上海近代历史与当代文化交汇的重要场域，其独特的建筑肌理与开放包容的城市精神，为艺术实践提供了丰富而富有张力的背景。全新空间将聚焦于当代艺术的多元呈现，通过策划高质量展览、艺术项目、公共活动及跨界合作，持续引介来自亚洲及国际艺术家的重要创作，涵盖绘画、雕塑、装置、摄影及跨媒介艺术等领域。致力于构建一个连接艺术家、收藏家、企业及公众的更深层次的国际文化艺术交流合作平台。

　　上海空间首展《质·象》将于近日正式开幕并对公众开放。展览不仅标志着我们在上海的全新起点，也将开启未来一系列具有国际视野的展览与项目。欢迎公众莅临观展，共同探索当代艺术的多元无限可能。

　　质·象 Inner & Appearance

　　艺术家：库玛丽·纳哈潘, 沈浩鹏，让-米歇尔·巴斯奎特，黄渊青, 袁侃，纪尧姆·塔勒比

　　时 间： 2026年6月9日– 8月29日, 上午10点–下午7点

　　地 点：上海市黄浦区虎丘路27号 2F07

　　前言

　　当今我们生活在AI时代，习惯了被高清像素包裹，习惯了表象的快速流转，却渐渐遗忘了触摸的温度、材质的呼吸与创作的实感。本次展览以“质·象”为核心，搭建一座连接视觉表象与本体质感的桥梁，重拾对艺术本真的感知力。

　　通过“质”与“表”的辩证关系来构建“表象解读—质感探索—价值思辨”的三层体验维度。“象” 即 “表象” - 是艺术的视觉外衣，是色彩、线条、构图等元素构成的直观表达，“质” 即 “质感”，则是艺术的精神内核，是材质的物理属性与创作者情感注入的融合体，更是艺术作品所承载的时代情绪与文化内涵。当数字技术不断重构艺术的表达形式，本体质感如何坚守艺术的原创性与生命力，从“看表象”走向“重质感”，真正理解艺术的价值内核。艺术的终极价值，在于连接人与世界的情感与认知。当我们跳出表象的浮华，体会质感的厚重，方能真正读懂艺术的本质——它是创作者对世界的思考与表达，是留给观众的情感共鸣，是跨越时空的精神对话。愿每一位走进 “质·象” 展览的观众，都能在表象之外，遇见艺术最本真的质感，收获一场触动心灵的审美体验。

　　本次展览汇聚了海内外一共六位艺术家。其中名声最大的莫过于已经过世的美国天才艺术家巴斯奎特，他是20世纪80年代新表现主义领军者，当代最具影响力的黑人艺术家，全球顶级艺术市场的标杆。这次展出的是他的两件极具收藏价值的限量版画及部分周边作品。而印度裔女艺术家库玛丽以她的大型公共艺术作品《辣椒》名誉海外，这次带来了一些特别适合收藏的中小件雕塑作品，清新可爱。另外一位是年轻的法国艺术家纪尧姆，他运用多种材料和技术，创作出生动又变幻莫测的雕塑及绘画作品，本次展出了两件特别有趣味的布面综合绘画。三位本土艺术家都来自上海，分别是沈浩鹏，黄渊青和袁侃。他们用上海人独有的优雅与细腻来诠释艺术。作为中国顶尖平面设计师的沈浩鹏这次展出了多件他最新创作的 “再生” 系列平面作品，结合摄影与绘画。光怪陆离的内容表达搭配黑白的色调，体现出他独特的格调与气质，引人入胜。黄渊青则带来了两件大尺寸极具个人辨识度的抽象绘画作品，作为中国抽象艺术代表的他将书法经验植入到抽象创作中，形成了植根于东方知识传统的当代性创造。最后一位艺术家袁侃，他的作品跨越立体与平面，具象与抽象，同时结合多媒体多材料形成了他独特的创作线路。本次展出的是一件挂墙锈板雕塑。巨大的尺幅，极简的风格，特殊的材质共同营造出一种强大的精神内涵。这是一种突破平面喷涌而出的力量，它表面冷静实则充满张力!

　　Kumari Nahappan 库玛丽·纳哈潘

　　库玛丽·纳哈潘(Kumari Nahappan)1953年生于马来西亚雪兰莪州巴生，毕业于英国伦敦威尔斯登技术学院(Willesden College of Technology)室内设计专业。她是新加坡艺术界极具代表性的艺术家之一。她以融合当代艺术语言与深厚文化叙事的跨媒介创作而闻名。在过去三十余年的艺术实践中，她既积极参与国际当代艺术的交流与对话，又始终深植于自身的文化传统与信仰根源。在这两者之间不断寻求平衡与融合的过程中，她逐渐建立起独树一帜的艺术风格，并形成了一套富含文化内涵的视觉语言，其作品跨越地域与文化界限，引发全球观众的共鸣。

　　库玛丽的作品涵盖绘画、雕塑及装置艺术等多种媒介，经常从自然元素以及其印度教传统文化背景中汲取灵感。她通过形态、色彩与肌理构建丰富而深刻的叙事，引导观众思考数千年来人类持续关注的主题，尤其是时间、空间与仪式等概念。辣椒、相思豆(Saga Seed)、肉豆蔻等自然物象已成为其标志性的视觉符号，象征着生命的活力、丰饶与无限可能。

　　她的艺术实践不仅局限于美术馆与画廊空间，更广泛地融入城市公共环境之中，成为城市景观的重要组成部分。其中最具代表性的公共艺术项目包括位于 ION Orchard 的《Nutmeg and Mace》、位于 National Museum of Singapore 的《Pedas-Pedas》，以及位于 OUE Bayfront 的《Pembungaan》。这些作品已成为新加坡城市公共艺术的重要地标。

　　极限在天空之上 133 x 43 x 47cm铜, 独版, 2026

　　教母 100 x 60 x 55cm铜, 独版, 2008

　　二重奏117 x 43 x 65cm铜, 独版, 2026

　　伊维特32 x 17 x 18cm铜, 独版, 2014

　　沈浩鹏 Shen Haopeng

　　沈浩鹏，1959年出生于上海。他是中国当代平面设计界的重要代表人物之一，同时也是活跃的摄影艺术家。 其摄影作品以黑白影像、光影结构和富有哲思的视觉语言见长。《再生》系列新作品并非物理复刻，而是媒介再生、物象再生、精神再生三重维度的艺术重塑：

　　一、媒介再生：打破边界，重塑艺术形态传统摄影定格现实，传统绘画受制于画布纸质载体，两种媒介都有固化的创作边界。沈浩鹏以手绘介入摄影、以影像定格装置，让固化的媒介完成新生：冰冷物体的纪实摄影，被赋予绘画的手工温度与主观创造力;局限于平面的绘画艺术，依托实物光影空间完成立体再生。两种传统艺术媒介互相消解短板、重构形态，实现古典艺术媒介的当代性重生。

　　二、物象再生：解构陈旧，重构现实意象作品中人偶、植物、建筑光影、时尚符号等一切物象，均脱离了原生属性，完成二次生命再造。标准化的时尚人偶，褪去商业审美下的空洞躯壳，借丙烯手绘获得艺术灵性;转瞬即逝、无意义的日常建筑光影，被镜头捕捉提炼，从细碎的生活布景再生为纯粹的黑白美学构图。艺术家撕碎了事物原本平庸、固化、被定义的固有样貌，完成现实物象的审美再生。

　　三、精神再生：祛魅异化，回归本真美学这是《再生》最核心的精神内核。当下消费社会中，人体被时尚符号异化、自然被商业审美规训、摄影艺术被机械复制同质化，一切艺术与物象都陷入僵化、浮躁、功利的困境。作品通过解构时尚符号、剥离商业滤镜、融合东方写意美学，完成一场精神救赎式的再生：剥离浮华的色彩与商业包装，以纯粹黑白回归光影本质;摒弃流水线式的标准化审美，以手工创作回归艺术本心;打破写实复刻的固化思维，以虚实相生的写意意境，让被消费时代异化的视觉审美、被边界束缚的当代艺术，挣脱桎梏、重塑内核，实现精神与审美的双重再生。

　　《再生》的本质，是一场破旧立新的艺术重生实验：破媒介之界、破物象之僵、破时代之弊，在摄影与绘画的跨界融合中，让传统艺术新生、让日常物象升华、让当代审美归真。

　　再生 2026 - 001120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　再生 2026 - 002120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　再生 2026 - 003120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　再生 2026 - 004120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　再生 2026 - 005120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　再生 2026 - 006120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　再生 2026 - 007120 x 80cm摄影，艺术微喷，丙烯

　　Jean Michel Basquiat 让-米歇尔·巴斯奎特

　　让-米歇尔·巴斯奎特(Jean-Michel Basquiat)(1960年12月22日-1988年8月12日)是美国著名艺术家，也是20世纪80年代新表现主义(Neo-Expressionism)运动的重要代表人物之一。

　　20世纪80年代初，巴斯奎特的绘画作品已在国际各地的画廊和博物馆展出。21岁时，他成为有史以来参加德国卡塞尔文献展(Documenta)最年轻的艺术家;22岁时，他又成为参加纽约惠特尼双年展(Whitney Biennial)最年轻的艺术家之一。1992年，Whitney Museum of American Art 为其举办了大型回顾展，以纪念其卓越的艺术成就。

　　巴斯奎特的艺术创作聚焦于诸多社会与文化层面的二元对立关系，例如财富与贫困、融合与隔离、内在经验与外在现实之间的张力。他将诗歌、素描与绘画融为一体，把文字与图像、抽象与具象、历史叙事与当代批判巧妙结合。其作品经常运用社会评论作为自我反思的工具，既表达了他作为黑人群体成员的个人经验与身份认同，也对权力结构以及种族主义体系进行了尖锐批判。

　　1988年，巴斯奎特因药物过量去世，年仅27岁。自其逝世以来，他的作品价值持续攀升。2017年，他于1982年创作的作品《Untitled》以1.105亿美元的成交价刷新纪录。这幅描绘黑色骷髅头、辅以红黄色线条的画作，成为艺术史上成交价格最高的绘画作品之一。

　　A Panel of Experts101x 101cm限量丝网版画

　　Riddle Me This 101x 101cm 限量丝网版画

　　Banana50 x 41cm 霓虹灯

　　Beat Bop Triptych Skateboard Skate Decks 80 x 28cm each (Set of 3)滑板

　　Pez Dispenser 80 x 28cm滑板

　　Trumpet 80 x 28cm滑板

　　黄渊青 Huang Yuanqing

黄渊青，1985年毕业于上海科技大学，1987-1989年就读于上海师范大学绘画系，并长期生活、工作于上海。

　　从20世纪90年代开始，黄渊青尝试从现代思维的角度理解书法的内在意志，并将书法经验植入到抽象创作中，以“写”代“画”，持续探索书写性线条的表现可能性。黄渊青行走在书写与书法，用油彩与纸张、布面承接创作中的不确定性，偶然性渐次沉淀为时间中潜行的知性韵律，形成了植根于东方知识传统的当代性创造。

　　黄渊青是中国抽象艺术的代表性艺术家之一。

　　2022 - 3200 x 170cm布面油彩

　　2017 - 2021 - 2200 x 170cm布面油彩

　　袁侃 Yuan Kan

　　袁侃出生于上海，中国当代艺术家，作品涵盖了绘画、雕塑、综合材料装置等。本次参展作品名为“平原”，这是一件挂墙锈板雕塑，巨大的尺幅，极简的风格，特殊的材质共同营造出一种强大的精神内涵。这是一种突破平面喷涌而出的力量，它表面冷静实则充满张力!

　　“虽然我没有阿巴多那样曼妙的花园，但也在有意识地寻找自己心目中的花园。我尝试在作品中表现那种不够成熟的笨拙感，但正是瑕疵给生命赋予了意义，那种难以捉摸和存在的虚无感以及弥漫在作品中的神秘感也是我所追寻的，每每‘小心翼翼地堆叠’又往往伴随着‘轰然倒塌’。” - 袁侃

　　在作品中袁侃强调了艺术的不确定性和神秘感，以及在信息爆炸时代保持不可沟通的边缘，为人们提供内心庇护所的重要性。在袁侃的抽象作品中，过去人们熟悉的具体形象基本消失或隐于背后，被颇具力量的抽象金属雕塑代之。

　　平原270 x 160cm锈色钢板

　　Guillaume Talbi 纪尧姆·塔勒比

　　1987年出生于法国沙托鲁，从法国布尔日国家高等艺术学院毕业后，Guillaume Talbi 定居于巴黎，开始了他在巴黎国立高等美术学院的学习。在英国著名雕塑家 Richard Deacon 的指导下, 继续了他的雕塑及装置创作。他曾被派往中央美术学院进行学术交流。回到法国后，他的研究重点转向了对绘画与雕塑材料的研究, 取得了国家最高造型表现文凭。2013年他获得了巴黎国立高等美术学院后文凭。

　　我的艺术方法是建立在工作室作为所有创作的基本场所的概念上的。我的作品在材料中成形。通过我的手的姿态使它们生动起来。通过这种方式，我与新土或水泥的材料保持着某种联系。我寻找材料的质量和限制，我尝试新的技术, 经常用不平衡的形式来创造紧张的氛围，同时在材料和作品的变化状态之间又建立一种冥想的关系。我增加材料的实验，这让我惊讶于粘土、石膏或线条的诗意价值。我以我的制造过程和我的建造逻辑进行经验性的工作，其中时间的作用仍然可见。用地层建造，用粘土的碎片叠加。这些碎片自然地出现。新鲜的泥土会记住手指在表面的压力。粘土干燥、收缩、开裂，烧制后改变颜色和声音。釉料使时间结晶。陶瓷吸收和反射光线。

　　我的纸本和绘画具有拟人化的形式和天真幼稚的轮廓，在铅笔和颜料的侵蚀下变形。我所有的作品都是按照同样的过程建造的，这些过程随着一个地方的经历而演变。因此，时间起着重要的作用。我的作品是一种经过深思熟虑的时间体验，由手具体化的。当手抓住材料时，时间是用一个手势来衡量的。我们可以看到材料、形状、光滑和粗糙的表面、细微差别、碎屑、变形、压缩和张力。

　　—— Guillaume Talbi

　　火之马，空中鱼180 x 150cm布面综合材料

　　火之灵180 x 150cm布面综合材料