上海好看指南｜“青花之光”点亮海粟美术馆 光影秀、瓷工坊、跨界表演：“青花+”燃动上海初夏

6月5日19时，刘海粟美术馆以一场盛大的户外数字光影秀为大展《“青花+”艺术大展》拉开帷幕，这场名为“共鸣之蓝Resonant Blue”的数字光影秀，是刘海粟美术馆新馆建成十年以来，首次点亮建筑外立面“云海山石”。本次大展以“青花”为切入点，通过绘画、雕塑、装置、影像、AIGC等多种艺术形式，打破“青花=瓷器”的传统单一认知，呈现其在当代艺术语境中的无限可能。艺术家石墨担任总策展人，艺术批评家皮道坚受邀出任学术主持。

“青花+”，中国经典元素的开放、连接与生成

作为中华文化的重要名片，青花瓷曾借由丝绸之路远播海外，成为西方诸多画派名家笔下的珍宝。蓝与白，这种属于日常生活的器用之美，承载着东方文化关于空灵、场域与时间感的精神体验，亦见证了世界文明的交融互鉴。

此后几百年，中华“青花”之文脉，持续生成、转化、再造，从海上丝绸之路到当代都市文化，从手工传统到数字媒介，中华“青花”之文脉始终处于未曾间断的生成与转化之中。在数字媒体和人工智能发达的当下，它不仅是一种远渡重洋的传统符号，更凝聚着持续生长的文化力量，是一个拥有无限可能的源起和创作锚点。

本次展览以征集加特邀的方式集结了近100件/组作品，分为“超越青花”“青的幽境”“青的演绎”“青的构想”四大单元。中国当代艺术的头部阵容领衔，周春芽、谷文达、陈家泠、刘一原、杨正新、张雷平、何曦……艺术大师们皆以“青花+”进行主题演绎主题，上百位青年创作者共同“蓝白何以当代”。

策展人解释，其中的“+”符号，是整个策展理念的核心，“+”字有着开放、连接与生成三重含义：首先，展览将多重艺术形式汇聚于同一空间中，展开自由对话；同时，邀请艺术名家与Z世代“传统如何成为当代”这一时代命题；此外，通过数字互动等方式打破艺术与观众的边界，使观展从远距离欣赏变为参与式共创，让观众从旁观者变为动手参与、共同完成的人。

本次“青花+”艺术大展是上海视觉艺术学院继2018年中华艺术宫“水墨概念BEYOND INK”大展、以及连续四年与刘海粟美术馆共同主办海派名家双人展之后，推出的又一个品牌展览。展览总策展人、上海视觉艺术学院美术与文物保护学院院长石墨表示：展览关心的核心命题，即传统文化的当代转换和创新。这一次，我们的目光投向了‘青花’这枚中国经典元素。

因此，这场展览不梳理青花瓷的工艺工序，而是借用这一抹600年前起就能代表中国的蓝与白，让来自不同背景的当代艺术家们“借题发挥”，遣词造句，自由延展，砥砺跨媒介、跨代际的创作热情，复调一般地演绎出中式审美的全新篇章。

周春芽等名家大师作品领衔

在刘海粟美术馆的四个展厅内，艺术家们突破陶瓷媒介的边界，通过不同材料与创作语言共同参与了对“青花”的重新书写。著名艺术批评家、学术主持皮道坚在本次展览的前言里写道：在这里，“青花”不只是器物表面的装饰纹样，更是一种跨越传统与当下及未来、手工与算法、东方与世界之间的文化阈值。它提示我们：真正具有生命力的传统，从来不是被保护的遗产，而是在不断被重新创造的过程中，持续生长的文化能量。

本次大展第一展厅的焦点作品，这是中国当代艺术家周春芽创作于1993年的代表作《瓶中梅》，以极具个人特色的油画语言重新诠释了传统青花题材。这件稀见作品，风格上结合了表现主义与水墨韵味，花枝干如苍龙般扭转伸展，被艺术家用刮刀“写”出来，既有雕塑般体积感，又保留了中国书法狂草的奔放，将梅花缠枝的坚韧与生命力融入奔放的当代视觉表达之中，极富张力。画面中心透出青花蓝，有隐而不发的克制感，其实是全画的点睛之笔——看似漫不经心的走笔，通透出灵性与神秘之美。

艺术家丁设的《青花的可能》以抽象语言重返青花的本质——不是纹样，不是器型，而是那一抹蓝白相遇时所迸发的纯粹能量。它以大面积的青花蓝铺陈，白色笔触与清澈的蓝色纵横交错、层叠涌动，如冰面的裂纹，又似俯瞰大地的河网肌理。画面中，蓝白之间透出的黑色笔触，又如书法的飞白、窑变的偶然，赋予画面意料之外的惊喜。

在画作《碧水映田畴》中，张雷平以一种出人意料的轻盈，将青花的蓝从瓷器的釉面释放出来，让它自由浸漫于山川大地之间。画面以俯瞰的视角铺陈山水，大块的青花蓝如湖面、如云影，在赭石与墨色勾勒的土地和林木间自在流淌——它不再是器皿上的纹饰，而成了天地间呼吸吐纳的一口气，氤氲、荡漾，无拘无束。张雷平以写意水墨的笔法统摄全局，赭黄的山丘、墨黑的松柏与点点橘红的野花，共同构建出一派生机盎然的自然图景。而那几处青花蓝的落笔，既像积水成潭，又像天光映照，恰到好处地打破了暖色调的沉稳，为整幅画面注入了一股清透灵气。

杨正新的作品《青冥鹤影伴寒筠》以大写意的气魄重构了青花的笔墨语言，竹枝横斜、叶片纷披，丹顶鹤栖身其间，白羽如雪。竹叶与枝干皆以青料信笔挥就，浓淡干湿之间透出书法般的速度与力道，既有传统花鸟画的雅逸气韵，又因那饱满的青花蓝而生出一种当代的张扬与热烈。鹤的身体以大块留白处理，与蓝色笔墨形成强烈的虚实对比。蓝与白在此不是颜色的简单并置，而是一场关于动与静、繁与简、传统与当代的对话。

陈家泠的笔墨向来以“淡”见长——淡而不薄，静而不空。他在此次“青花+”艺术大展中带来的作品《双峰插云》以五联幅的体量横陈于展厅，气势沉雄，却又静如止水。远山连绵，以大块的青墨晕染而成，山形浑厚圆融，如从混沌中缓缓浮现；近处林木葱郁、亭台隐现，以细笔勾勒点染，与远山的阔大形成疏密有致的呼应，仿佛时间在此凝固，天地之间只剩下这一片深沉的青与绵延的寂。

艺术家白明《墟相·卷轴》将书籍与纸张再造为纸浆，与瓷泥融合塑形，打破了材料之间的固有边界，塑造出卷轴这一文房经典符号的形态。他运用传统的熏烧、柴烧以及现代的电窑、气窑等多种古今烧造技法，为卷轴赋予了独特的肌理与生命力。卷轴的各个组件被叠加陈列于亚克力条案之上，在光影交错间形成宛若绵延山脉的虚形意象，实现了传统与当代的视觉对话。

在展厅大厅，艺术家木巾作品《在青色的航程上升起》亮相刘海粟美术馆大屏，五分钟抽象青花圆纹缓缓舒展。作品依托千年民间私函，梳理以上海为枢纽的青花远洋贸易脉络。上海是青花出海的门户支点，青蓝瓷色暗含天人合一的东方哲思，瓷器圆满形制隐喻融通和合，一封封家书商信化作流动青韵，见证江海交融的文明起落。

在装置艺术《直到永远》中，艺术家何曦用普通的刮刀在瓷胚上镌刻出动物骨骸，散落在地面的碎片仿佛一个乱中有序的考古现场，将远古时代的回响带入展览现场。

陈亮、陈家泠《倚山》系列之一，将陶瓷与实木结合塑造成捅破当代生活美学的椅子。如山之恒，如月之升，瓷与木的重组。有一种原初的稚拙厚重之美。榫卯组合，无边无碍，是一种东方意味与哲学的启示与呈现。图案的梅，兰、竹，菊为文人士大夫所喜网乐见。既按晚又当代，有一种诗意宛转的抒情气质与平淡优雅的东方格调。图案的空灵与整体的朴拙亦是一种互为观照的天地之象。

艺术家王海晨《倒影》试图消解"艺术品"与"实用器"的边界。靠背以青花瓷手绘山水，取法传统水墨的烟岚气象，却用当代抽象笔触重新演绎；椅身选用老榆木，以极简线条承托瓷背的弧度，木之温润与瓷之清冽相互对话。坐者倚靠时，背脊所触不仅是物理支撑，更是一幅可亲近的山水——这是中国人"卧游"传统的当代转译。最终，我希望这把椅子不仅是家具，更是一个关于"如何生活"的提案：在效率至上的时代，我们是否仍愿意为一片不确定的山水，等待窑火中的偶然天成？

艺术家彭赞宾的作品《仿古新变》，选取中国陶瓷四种经典造型——双耳扁瓶、梅瓶、玉壶春瓶、将军罐，通过重组与解构，不仅在形式语言上表达了对中国传统文化的敬意，更试图在当代文化语境中实现一种自觉的“文化意识转换”与“文化记忆回升”。

艺术家王棕正《二次命名》是装置影像作品，作品中青花纹样被小票打印机二次命名，它不再是器物上的纹饰，而是一条可无限复制、从容抹除的消费标签。视频中小票打印机被端上人声鼎沸的晚宴长桌，吐出印满纹样纸带，悬于烛火上方缓缓前行。热量将图案一寸寸染成墨蓝直至完全消失。

艺术家刘之远《岚渡》，画面以薄透油画颜料铺陈底色，再以彩色铅笔与马克笔综合叠加，营造海港建筑在云雾与灯光间交错重叠、虚实相生的朦胧层次。画面以青花碗状的画框取景，将都市海港风景装载于器皿之中。

艺术家屠娟《爆炸中的融合》以宋代匣钵与青花古瓷碎片为历史载体，将承载着千年制瓷文脉与青花记忆的“历史现成物”与现代玻璃材料共熔一体。创作依托高温窑变控制技术、精准温控冷却工艺与材料界面复合技术，让两种物性相悖的材料在极端温度下相互介入、冲撞融合，在爆炸式的动态过程中凝固成兼具张力与平衡的当代形态。

艺术家黄焕义《土说》以切割性开光造型拓展了传统装饰性开光的空间表达。扭动的泥团、发泡的釉料不仅是对陶瓷本体语言的探索，更以反衬的形式凸显了青花绘制的一把青莲、莲池鸳鸯、福禄寿纹。

艺术家陈光辉《印痕》将青花瓷所使用的钴料做成画纸，将明代王鉴的文人山水与大航海时期的航海图重合，混乱的画面形象与精细的瓷质形成对比，地面使用石英颗粒、氧化物、陶瓷回收物，珠明料等不同原料，利用高温烧成时原料融化时流动性差异使之自然形成地质形态。

艺术家郭家启、潘翀（声音作者）《Sapphire 03》这件作品是千年洛阳三彩技艺与现代声学科技的深度对话。作品创新性地将手工绘制三彩薄板与精密MDF箱体结合，构建出独特的复合声学结构。陶瓷作为声学障板，其高密度特性显著提升低频响应的纯净度与力量感，而MDF基底则精准控制谐振频率，共同实现声音的平衡与张力。

艺术家沈凌昊《时间的剧场：刺影》是一件以光与显影机制为核心展开的互动装置。作品以多刺枳树的影像为起点，借助感光材料与多重光源所引发的叠影与偏移，构建出一片由光影交错而成的“刺影丛林”，并由此展开对时间、意识与感知关系的探讨。物影摄影在此不再是一种静态的成像技术，观众的身体在其中被短暂捕捉并显影，又迅速消散；而在这一不断浮现与退隐的过程中，时间如同一张始终在场的“底片”，指向脆弱的主体性。

共鸣之蓝以青花为起点

上海持续推进“文商旅体展”深度融合发展。“青花+”不仅是一场艺术展览，也是一场面向公众开放的城市文化活动。传统青花纹样与当代数字艺术交相辉映，为市民呈现出一场融合艺术、科技与城市空间的视觉盛宴。

户外光影秀“共鸣之蓝Resonant Blue”，这是刘海粟美术馆建馆以来首次以大型建筑Mapping形式点亮外立面，与馆内百余件作品共同构成“青花+”的整体艺术叙事。共鸣之蓝以青花”为起点，探索蓝色脱离瓷器后的存在形式。作品从水波、光影、布料褶皱与鸟鸣声纹中提取振动轨迹，将建筑转化为记录波动的介质。蓝色不再是附着于器物表面的图案，而成为持续生成的痕迹。

由上海视觉艺术学院师生编排的舞蹈《青影通行》依托青花瓷青白素雅的美学内核：青，喻文脉匠心；白，代表留白包容。舞者绵长柔和的肢体起伏，模拟青花纹理蜿蜒流转，用舒展划弧的身体线条描摹瓷面纹样的灵动气韵。舞者同步移步、相伴前行，喻青花文脉绵延相继、代代传承。

此外，展览期间还将推出“青花+”多人对谈、小瓷马青花手绘工作坊、艺术家手作工作坊等多项公教活动，让公众能够更加深入地参与艺术创作与文化体验，也为上海夏季文旅消费和夜间文化经济持续注入新活力。

总策展人石墨说：“我很骄傲地看到我们的学生作品入选了展览，他们从课堂走进了真正的展厅；也将在公教活动中担任导览的角色，把艺术的种子传递给更多人；更让我欣喜的是，戏剧与音乐舞蹈学院的同学们也为青花+创作了融合舞蹈的叙事表演，让青花在肢体与节奏中‘活’起来。跨学院联动，正是艺术教育最生动的样子。”

本次展览由刘海粟美术馆、上海市美术家协会、上海视觉艺术学院主办，上海视觉艺术学院·当代水墨艺术研究院承办，免费向公众开放，展期将持续至7月16日。