新西兰画家光影疗愈术：遮盖凝胶下，城市焦虑被自然抚平

新西兰蓝牡蛎艺术项目空间近期展出了新西兰艺术家卢克·肖的个人作品展，通过对历史、沟通与记忆痕迹的挖掘，引发了观众对信息传递本质的深思。

肖以新西兰奥塔哥泰亚罗阿角的旧式雾号为叙事支点，将其象征意义延伸为一种在浓雾中发出信号的潜在救生装置。

其作品的创作灵感部分源自詹妮弗·露西·艾伦的著作，书中强调了雾号在视觉主导的感知领域中，具有纯粹听觉的独特功能。艾伦进一步指出，这种听觉呼唤往往只能得到沉默的回应，或者干脆毫无回音，发信者永远无法确认自己的信号是否被接收。

对于安全的海岸线而言，这道信号如同希望的象征，守望着那些可能存在、也可能并不存在的“薛定谔之船”。展览现场呈现了三件核心作品：一个仿照雾笛形状设计的扬声器在展厅中持续播送信号；一枚描绘泰亚罗阿角灯塔浮雕图像的新西兰邮票；以及最引人入胜的幻灯片展映。

这些幻灯片呈现了经过调色处理的单色蓝图，以及旧式雾号装置的影像，而这些装置正是艺术家探讨通信努力的核心载体。肖的艺术实践促使我们不禁思索起关于沟通、失联与误解的命题。 这种命题在现代社会具有深刻的共鸣，从大众传媒中极高的信噪比，到人类向太空发送的那些可能永远无望得到回音的希望讯息，皆揭示了沟通行为本身的某种徒劳与壮丽。

新西兰艺术家里斯·画廊当前举办的克莱夫·汉弗莱斯新作展，引领观者踏上了一场横跨新西兰怀卡内瓦海岸线与新西兰怀赫科岛丛林的情感旅程。

汉弗莱斯笔下丰沛生动的画作，在初看时具有极强的超写实风格，但若细加观察，便能发现艺术家在其中运用了一系列精妙且独特的绘画技法。最显著的特征是他在绘画开始前会先使用遮盖凝胶，待其干燥并剥离后，画面会显露出极具张力的白色高光。

这种技法结合了汉弗莱斯类似于拉斐尔前派的创作逻辑——从浅色到深色逐层铺陈色块。这种层累的技法为画面增添了耀眼的高光，并极大地深化了场景的层次感。

艺术家大胆采用了横向的全景画板，并配合广角视角的细致描绘，使观者产生一种仿佛置身于自然之中的沉浸感。这些场景既是后写实画作的典范，更像是一张邀请函，引导观者细细品味自然界中瞬息万变的光影效果。

鉴于“怀卡内瓦”在毛利语中意指夕阳的强光，作品中数幅因低角度阳光投射而产生的绵长阴影显得尤为贴切。整场展览营造出一种空灵且静谧的氛围，尤其是那些表现波光粼粼水面的场景，展现出极高的艺术表现力。 这些作品不仅是审美的对象，更是一种提醒：纵使身处都市喧嚣，自然界中仍有角落可供我们重拾与世界的联结，而这些场域亟待全人类的共同守护。

新西兰铁画廊当前的展览立足于艺术、科学与政治的交汇地带，最终将探讨的触角指向了对人类生存境况的深刻反思。

展览的主体由新西兰艺术家约翰娜·泽尔默的作品构成，她以科学仪器为媒介创作出各类有机形态，而这些仪器通常是用于实验室内的脱氧核糖核酸分析。泽尔默运用熔融玻璃制成的脱氧核糖核酸存储舱，创造出了一群“变形生物”。 这些形态各异的晶体生物令人联想到变异的原生动物，艺术家同时还以相同的材料制作出了形态精致的项链。

这些玻璃形态蕴含着独特的个性，映照出生命演化过程中的多元性。分析人士指出，当生物政治与科学进步将人类推向“定制生命体”的道德风险边缘时，这些作品迫使我们重新审视自身存在的脆弱本质。

同期展出的还包括新西兰艺术家维多利亚·爱德华兹与伊娜·约翰的摄影系列作品。这两位艺术家以探索“存在”与“虚无”的主题著称，其作品叙事常常能够颠覆观者的预期认知。 在本次展览中，两位艺术家创作了各种物体，并为其设计了“衣物”装饰，赋予了这些静物某种生命感。